Un juego perverso

El director español Jaume Balagueró trae a escena un personaje cargado de maldad y rencor: César, el conserje de un edificio. Escondiéndose en su piel de cordero, recorre el edificio buscando su presa como un verdadero lobo.

Luis Tosar, recordado por su gran papel en Celda 211, interpreta a este encargado que, según sus palabras, "no nació para ser feliz". Y mientras intenta, desde el anonimato, causar pena o dolor a los inquilinos del edificio, día a día busca la forma de llegar a Clara (Marta Etura). Clara vive felizmente, sin pensar que su persona de confianza (César) irrumpe en las noches para acosarla e intentar borrar de su rostro la sonrisa. Este particular juego secreto lleva a César al límite e incluso se siente obligado a hacer desaparecer todo aquello que se le cruce en su camino.

MIENTRAS DUERMES

Su única confidente es su madre, una mujer enferma y hospitalizada, que no puede hablar y su único testigo, una niña que para guardar silencio, lo soborna.

Con una trama inquietante y la solida actuación de Luis Tosar, el film apresa (al igual que el personaje a sus víctimas) y deja a las claras que este realizador español no necesita salir de un edificio para pintar mundos diversos y que logra, con pocos diálogos, y mucha tensión transmitir el miedo.

Un asesino siempre presente

El ahora realizador Michael Brandt (quien se encargara del guion de Se Busca o El tren de las 3:10 a Yuma) se sumerge en un policial donde lo impredecible involucra a los protagonistas, pero el espectador también se convierte en cómplice y conoce quién es el villano encubierto.

Misión secreta gira alrededor de la muerte de un Senador que tiene todos los signos de un asesino soviético, cuyo nombre en clave es Cassius y a quien se creía muerto hace veinte años.

Mientras un agente retirado de la CIA (Richard Gere) descansa de la acción, es llamado para unirse a un joven agente del FBI (Topher Grace, Depredadores) y ambos se lanzan tras los pasos del criminal.

La historia del "gato y el ratón" se repite en esta producción en la que ámbos se encontrarán "cara a cara". La película transcurre sin sobresaltos, pero con una dirección correcta y una creíble interpretación por parte de Gere, no así del actor Topher Grace.

El relato lleva al espectador al pasado a través del recurso del "flashback" (llama la atención que al protagonista se lo ve sin mayores cambios) y, a pesar de algunos detalles, Misión Secreta se disfruta y resulta entretenida. El film marca el suspenso a cada paso (la búsqueda del asesino serial) y sigue las convenciones del género. Y hasta se guarda un as bajo la manga.

Del video juego a la pantalla

Esta aventura narra los terribles sucesos que impactan en la Tierra, luego de que el hombre en su afán por expandir fronteras, se encuentra con la visita inesperada de inmensas naves y peligrosos alienígenas.

La historia esta basada en el clásico juego de Hasbro, un combate naval llamado Battleship, nombre original de film, que marca de manera acertada la similitud entre ambos.

La cinta hace una detallada presentación de los dos personajes principales, los hermanos Kitsch, uno de ellos intachable y, el otro, no tanto. Este último de nombre Taylor es obligado a alistarse en la marina para corregir su rumbo de vida.

La acción no tarda en llegar y las situaciones están muy bien logradas de la mano del realizador Peter Berg (Hancock 2008) y la compañía Hasbro, los mismo que trabajaron en el film Transformers, detalle para nada menor, ya que sus pinceladas están en cada escena.

Battleship se disfruta y entretiene, pero no es recomendable poner muchas expectativas en el guión y sus interpretaciones, porque hace base en los efectos especiales (quizás excesivos). El film está protagonizada por Taylor Kitsch en el rol de Hopper Taylor, el oficial naval que enfrentará los mayores peligros. El actor apareció en Wolverine, Terror a bordo y en el reciente estreno de Disney, John Carter. Pero sumado al reparto se encuentra el siempre correcto Liam Neeson como el almirante Shane y padre estricto de la joven enamorada de Taylor.

Barcos que se hunden, muchas explosiones, unión de países y algo de moraleja son los ingredientes de Batalla Naval, una producción que espera no hacer agua.

Pasa en la vida, pasa en el cine

El film está basado en la historia real de una pareja norteamericana, en la que el novato realizador Michael Sucsy sale airoso y sostiene el interés del relato.

Paige (Rachel McAdams) y Leo (Channing Tatum, quien se encuentra en cartel con Comando Especial) forman una pareja de recién casados, que luego de un accidente automovilístico terminan hospitalizados y ella...en coma.The Vow

Leo es quien cuida de Paige noche y día, pero lo dramático es que cuando despierta, manifiesta haber perdido la memoria, no reconoce a su pareja ni amigos y sólo sabe de sus tiempos de soltera.

Aunque el relato se asemeje en ciertos puntos a Como si fuera la primera vez, donde él intenta volver a enamorarla, lejos está que esto funcione de manera graciosa y la situación se torna traumática para ambos.

Rachel McAdams no aporta demasiado con sus interpretaciones y repite los tics de papeles anteriores como Un despertar glorioso, Medianoche en París o Más allá del tiempo, algo indecisa y con las gesticulaciones que la caracterizan. Pero para sorpresa del espectador Tatum se desenvuelve con soltura y lejos del rol que interpretó en Querido John, donde se lo veía inexpresivo.

Votos de Amor presenta un plato interesante con algunos condimentos como la presencia en el reparto de Sam Neill (Jurassic Park) en el papel del padre de Paige y quien desea (aprovechando la situación) obligarla a volver a su casa luego de mucho tiempo sin verse. También se suma al reparto Jessica Lange (Flores rotas) como la madre de ella y silenciadora de recuerdos tristes del pasado. Un film agridulce que da lo que promete y no mucho más, cumpliendo con las expectativas de una historia de amor verdadera que merecía ser contada.

El sexo en primer plano

Segundo film del realizador Steve McQueen (Hunger), donde no es casual que apueste nuevamente a un actor en ascenso como Michael Fassbender, visto en Un método Peligroso. Shame

Cabe destacar que por Shame recibió la Copa Volpi al "mejor actor" en Venecia y sigue demostrando que se puede colocar la piel de cualquier personaje que se le cruce: Bastardos sin gloria, X-Men: Primera Generación, 300, Band of Brothers y próximamente en Indomable.

En Shame interpreta a un irlandés solitario que vive en una posición acomodada en la cuidad de New York. El es adicto al sexo en todas sus formas: internet, revistas, mujeres de una noche y, por qué no, algún muchacho de los barrios de Brooklyn. Esta pulsión lo lleva al vacío sentimental y a su única forma de relacionarse.

Aunque su metódica vida se ve alterada por la llegada de su bella hermana Sissy, (papel que interpreta Carey Mulligan, de Nunca me Abandones), joven cantante que irrumpe en su casa y logra poner fin a su privada intimidad.

Las interpretaciones son los pilares fundamentales de este drama sexual, que también es sostenido por una gran dirección y una cuidada fotografía, que le imprimen una atmósfera melancólica a una Nueva York nocturna.

Sin largos diálogos, pero con las palabras justas, estos dos hermanos irán formando lazos que no existían. Y entre portazos que dividen conversaciones y situaciones de intimidad, Brandon y Sissy se verán cubiertos por una ciudad que canta de manera muy desconsolada el clásico de Frank Sinatra, New York, New York.

Elvis vive en Avellaneda

Armano Bo, nieto del legendario realizador de las películas de Isabel Sarli, co-escribió el guión de Biutiful y viene del área publicitaria. Su largometraje, El último Elivis, propone un viaje melancólico sobre un personaje que quiere ser "otro" y parece vivir en (y del pasado) para transitar un duro presente.

Carlos Gutiérrez (John McInerny) es un excelente imitador de Elvis Presley que vive en Avellaneda, trabaja como operario en una fábrica de electrodoméstios y también se gana la vida cantando en fiestas, casinos y sociedades de fomento. Su pasar no es nada alentador: desea recomponer la situación familiar con su ex mujer (Griselda Sicialiani) y su hija (Margarita López) mientras deambula por las calles exigiendo lo que le pertenece.

El último Elvis recurre a una narración convencional (el logrado plano secuencia del comienzo descubre al Elvis local en plena acción) para crear el clima de desesperanza y nostalgia que arrastra el personaje central. Bo da la información justa y resuelve los números musicales de manera notable (al igual que su intérprete) para servir en bandeja las similitudes y diferencias que existen entre Carlos Gutiérrez y el Rey del Rock. Y la decisión del personaje de seguir a su ídolo hasta el final.

Un viaje de locura que llega hasta los Estados Unidos se adueña de la pantalla en esta historia de contrastes (la escena final sorprende) que tiene pocos diálogos y coloca la banda sonora en los momentos justos. Un promisorio debut que espía el mundo del arte, la decadencia y la música con unos minutos finales en los que uno espera (al igual que Gutiérrez) la aparición fantasmal del ídolo.

Un thriller sin suspenso

El joven cineasta brasilero Heitor Dhalia, quien se sumerge en el cine "for export", no fue efectivo en la realización de 12 Horas (Gone) o como se la llamó en muchos países hispanos, Desaparecida, quizás augurando lo que le podría sucederle a este film.

Heitor Dhalia con ganas, pero poco criterio, desarrolla un thriller sin suspenso. La historia presenta a Jill Parrish (Amanda Seyfried) una joven considerada desquiciada en Portland, que lucha contra una pesadilla del pasado: su secuestro.

Al regresar a su casa, luego de una noche de trabajo como camarera, no encuentra a su hermana y mientras ella está convencida de que un asesino serial la tiene, la policía y sus allegados creen que esta desequilibrada.

Sin nadie en quien confiar o a quien recurrir, ella se pone en marcha para encontrar a su hermana Molly (interpretada por Emily Wickersham: Soy el número cuatro) y acabar con el secuestrador.

Un guión endeble, actuaciones mediocres a pesar de la presencia de Seyfried, un ineficaz dirección y un desenlace apresurado hacen de 12 Horas un film olvidable. Que no merece, quizás, el dos por uno de las revistas de cable.

Con un elenco de reconocidos y desperdiciados actores como Wes Bentley de la reciente y exitosa Los juegos del hambre; Jennifer Carpenter (Fuera de la ley), Sebastian Stan (El Cisne Negro), Socratis Otto y Daniel Sunjata, recordado por su paso en El Diablo se viste a la Moda, se podría pensar que el couch de actores no resultó ser el adecuado. Una perlita es la aparición de Michael Paré (como el jefe de policía), un ícono del cine de acción de los años ochenta, visto en Calles de Fuego. La advertencia está hecha: desaparecerá rápidamente de cartel y de la memoria.

Corridas, alcohol y maquina de Escribir

En los años 60, Paul Kemp, un novelista divorciado y alcohólico, huye a San Juan, Puerto Rico, para trabajar como reportero para un periódico de poca monta.

Run Diary

Basada en la novela homónima del legendario periodista Hunter S. Thompson, creador del periodismo gonzo y habitual colaborador de la revista Rolling Stone, Diario De Un Seductor cuenta la historia de este periodista norteamericano cuando tenía jóvenes 22 años.

Huyendo de EEUU, cansado del ruido, la locura de Nueva York y los abrumadores convenios del último período de Eisenhower a finales de la década de los 50, logra en este país hacer rápidamente amistad con Sala (Michael Rispoli) un fotógrafo del lugar y juntos viven una vida de excesos ligados al ron y los alucinógenos.

Cabe recordar que Puerto Rico era en esa época un lugar donde abundaba la inestabilidad política, a eso sumado su encuentro poco casual con Sanderson (Eckhart ), el joven redactor Paul Kemp (Depp) comienza a ver cosaa que otros no quieren.

El alcohol en su máxima versión ‘Hemingway años 50? y su obsesión con Chenault (Heard), la seductora novia de Sanderson son la combinación perfecta para que Paul se encuentre con las más inesperadas dificultades del lugar.

Depp sabe encarar un personaje problemático y adicto, ya que no es su primera vez (Pánico y locura en Las Vegas) y está bien acompañado por el convincente Aaron Eckhart, un grande como Richard Jenkins y un personaje muy especial interpretado por el multifacético actor Giovanni Ribisi (en el rol de un simpático alcohólico de buen corazón).

Entre peleas de gallos, corridas, una mafia inmobiliaria y mucho trago, transcurre este relato promocionado erróneamene como una comedia. Y un paso en falso de su actor princiipal.

Un Infierno teñido de blanco

El film del director Joe Carnahan (Brigada A), producido por Ridley y Tony Scott, es un relato de supervivencia en el que Liam Neeson se convierte en el líder de un grupo de sobrevivientes de un avión que se estrella en Alaska. Estas personas deberán hacerse fuertes frente al clima hostil y, a su vez, cuidarse de los lobos salvajes que los acechan y hacen peligrar sus vidas.

Otway (Liam Neeson) interpreta a un cazador experimentado sobre el que cae la responsabilidad de preservar a sus compañeros de los lobos que intentan cazar a quienes irrumpieron en su territorio.

Aunque desde el comienzo se lo muestre melancólico, debilitado y sumamente deprimido por la falta de su amada esposa, Otway supera las ganas de perder la vida y mantiene la existencia de sus compañeros.

El relato, que mantiene atrapado al espectador, está basado en un cuento del escritor Ian Mackenzie Jeffers, “Ghost Walker”, donde a las claras, la supervivencia, el peligro, la fuerza de voluntad y la búsqueda de la fe, dicen presente en cada fotograma.

Las heridas mortales y el clima feroz al que se encuentran expuestos los protagonistas (hasta los personajes hacen referencia al film Viven!), tornan por momentos inverosímil la supervivencia en este hostil escenario, pero éste "infierno blanco" se convierte en otro protagonista del relato y demuestra que un accidente aéreo puede esconder temores y sorpresas aún mayores.

El Lider cuenta con la participación de grandes estrellas como el oscarizado Liam Neeson, Dallas Roberts (El tren de las 3:10 a Yuma), un irreconocible Dermot Mulroney (La joya de la familia), James Badge Dale (El conspirador), y Frank Grillo de Tomaré tu alma, entre otros.

Aunque evidencia algunas reiteraciones (la situaciones en las que recuerda a su esposa) y un desenlace abrupto, quizás, para la mayoría de los espectadores, El líder es un película llevadera, atrapante y reflexiva.

Un juicio hecho venganza

Esta es el nuevo trabajo de Robert Redford como director, El Conspirador (The Conspirator) que aborda el asesinato del décimosexto Presidente de los Estados Unidos y el primero por el Partido Republicano, Abraham Lincoln. Aunque la realidad es otra, la película del casi retirado y consagrado actor, se sumerge en el juicio más importante de la abogacía histórica del país del Norte.

A raíz del asesinato de Abraham Lincoln, siete hombres y una mujer son detenidos y acusados de conspirar para matar al Presidente, el Vicepresidente, y al Secretario de Estado.

Mary Surratt (Robin Wright) es la única mujer del grupo, propietaria de una casa de huéspedes donde John Wilkes Booth, y otros se reunieron y planearon los ataques simultáneos.

Y es ahí donde entra en un combate disímil el abogado Frederick Aiken (interpretado por James McAvoy), un héroe de guerra de la Unión que, prácticamente a la fuerza, acepta defender a Surratt ante un tribunal militar que la quería en la horca.

El Conspirador es una de las producciones más refinadas, atrapantes y deleitantes de Robert Redford (Leones por Corderos, Leyendas de vida), no sólo porque aborda un tema histórico tan especial, sino por cómo va llevando al espectador por los caminos de la duda, el castigo, la venganza, la justicia y, por sobre todo, la injusticia.

Entre los protagonistas podemos nombrar a los actores Alexis Bledel, Justin Long, Evan Rachel Wood, Norman Reedus, Stephen Root, Danny Huston, Kevin Kline, Toby Kebbell y Tom Wilkinson.

Con una estética sumamente cuidada, sobresale una banda de sonido que se amalgama de manera perfecta a este fuerte drama.

El film es imperdible, desde las escenas en las trincheras hasta la caminata final, pasando por los más de 120 minutos. Lo curioso es que el gusto amargo dura unas cuantas horas más.

El profundo abismo rojo de Eva

¿Quién es Kevin? y ¿Por qué es bueno saber de él? Quizás sean algunas de las preguntas que se haga el espectador antes de verla. Pero la realidad, es un film que va más allá de todas las teorías que uno se pueda imaginar.

La película basada en la novela homónima de la escritora americana Lionel Shriver, Tenemos que hablar de Kevin es un drama duro y muy crudo sobre la maternidad, la culpa y la imposible expiación. Tenemos que Hablar de Kevin

Eva, interpretada por la siempre convincente Tilda Swinton (Io Sono L´amore), es una mujer que decide dejar sus ambiciones de lado para tener a su primer hijo, Kevin.

A las claras, la relación entre los dos es tremendamente difícil, incluso de bebe, desarrollando Kevin una personalidad agresiva y manipuladora.

Eva, irá creando una especie de depresión postparto que prospera en culpa e incomprensión hacia su hijo y complica seriamente las relaciones con su marido (interpretado por John C. Reilly), que parece no enterarse absolutamente de nada.

Pero la "olla a presión" estallará, cuando a punto de cumplir 16 años, Kevin comete un acto que marcará no sólo a su familia sino también a toda la comunidad. Mientras Eva repasa todo lo ocurrido hasta el momento, en un intento vacío por entender que pasó, el espectador se sumergirá entre flashbacks y fusiones en esta historia apasionante.

Tenemos que hablar de Kevin sorprende por su crudeza teñida de rojo, por una temática controvertida y por el duelo interpretativo que ejecutan sus dos actores protagonistas: la versátil Tilda Swinton y el casi desconocido Ezra Miller. Ambos, a través de unas miradas profundas que lo dicen absolutamente todo y escasos diálogos, dan en el centro con todo el dramatismo y brutalidad que la cinta requiere.

Un punto a parte para el pequeño Jasper Newell, que interpreta a Kevin de niño con la misma fuerza que Miller, y cuenta con una serie de escenas determinantes para el desarrollo de toda la acción.

Con una banda sonora estratégica que acompaña a la perfección a los desorientados y enfadados protagonistas de la historia. Tenemos que hablar de Kevin consigue transportar hacia una atmósfera asfixiante y roja que acompaña a Eva desde el nacimiento de Kevin.

Gracias a su directora, Lynne Ramsay, la tarea está cumplida porque busca a través de cada plano y desenfoque, arrastrar al espectador hasta un abismo carmesí.

Mi villano ecologista

Llega la nueva creación del productor de Mi villano favorito, Chris Meledandri, un relato basado en el cuento de Dr. Seuss, que narra el viaje de Ted para conseguir lo único que le importa: la atención de Audrey, la chica de sus sueños (que prometió casarse con el primer chico que le consiguiera un árbol de verdad).

Lorax

En esta travesía, Ted, conocerá la historia de un gruñón pero divertido personaje, responsable de la extinción de las trúfulas, quien le narrará la historia sobre la desaparición de los árboles reales.

De manera amena y divertida, la historia se desarrolla entre musicales, moralejas y acción, ya que Ted deberá escapar del villano que desea comercializar oxígeno. Con un fuerte compromiso ecológico, El Lórax, entrega una clara reflexión sobre la vida silvestre y los verdaderos depredadores terrestres.

Esta película animada comienza con un cortometraje de Mi Villano Favorito, por eso, es recomendable llegar con puntualidad al cine. Para aquellos que quieran disfrutar de su versión original, se encontrarán con las voces de Ed Helms, Zac Efron, Danny DeVito y Taylor Swift.

Con el agregado de la música de Misión Imposible y la aparición heroica de El Lórax, el film se disfruta con comodidad. Se recomienda para chicos de corta edad y para adultos que quieran olvidarse del precio de la entrada.

Un Triangulo Poco Terapéutico.

Basada en hechos reales, el director canadiense David Cronenberg (Una historia violenta, también con Viggo Mortensen) se remonta a los inicios del psicoanálisis en una historia de amor imposible entre el psiquiatra Carl Gustav Jung (interpretado por el convincente Michael Fassbender: Bastardos sin Gloria) y su bella paciente rusa, Sabina Spielrein (Keira Knightley: Nunca me abandones) que con el devenir del tiempo se convertirá en otra adepta de la escuela del psicoanálisis fundada por el célebre Sigmund Freud (Viggo Mortensen) a quien se lo muestra como un partícipe secundario de esta historia.

A este trío se añade Otto Gross (Vincent Cassel: El cisne negro), un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites.

Esta exploración de la sensualidad, de la ambición y del engaño llega a su momento cumbre cuando Jung, Freud y Sabina se reúnen antes de separarse definitivamente y acabar cambiando la dirección del pensamiento moderno.

La película corre sobre un hilo conductor bastante complicado, que no la hacen muy llevadera a la historia, pero con interpretaciones muy bien logradas por parte de Viggo Mortensen y Michael Fassbender.

Si bien el film por momentos se asemeja a una obra teatral, es interesante remarcar que consigue una buena ambientación, banda sonora y fotografía digna.

No se puede marcar Un Método Peligroso como uno de los mejores films del canadiense realizador, pero es un relato digno de conocer.

Ningún lugar será seguro

Bienvenido sea a la cartelera este thriller cargado de intriga y plagado de acción, donde las dudas y el peligro se adueñan del relato a lo largo de más de cien minutos.

Protegiendo al Enemigo es una película sumamente atractiva, más allá del trillado argumento, del malo y el bueno escapando juntos para seguir con vida.

En este caso, Denzel Washington es Tobin Frost, un mercenario en la venta de información a países no alineados con los Estados Unidos y el más peligroso y buscado por la CIA. Luego de diez años de permanecer prófugo, vuelve a ser capturado. Pero todo tomará un giro cuando la Casa Segura (lugar oculto en Sudáfrica) es atacada por decenas de asesinos armados. La historia incluye a un agente principiante agente llamado Matt Weston (Ryan Reynolds) que se escapa con él y ambos se sumergen en una balacera sin fin. En medio de una búsqueda implacable y llena de ritmo, tendrán que seguir y solucionar un acertijo que se irá complicando con el correr de los minutos.

El film, muy bien conducido por el director Daniel Espinosa, entrega más de lo esperado, además de tener un elenco de lujo integrado por Brendan Gleeson (también esta semana en El Guardia), Sam Shepard, Vera Farmiga, Fares Fares, Robert Patrick, Nora Arnezeder, Liam Cunningham, Joel Kinnaman y Ruben Blades.

Un policía poco común

Este film que se paseó entre festivales como el de Berlín, Sundance, Grand Jury Prize e, incluso, el de Pantalla Pinamar de este año, llega a los cines comerciales para mostrar una comedia distinta.

La película no muestra otra cosa que un pequeño lapso en la vida del sargento Gerry Boyle (Brendan Gleeson), un excéntrico policía pueblerino de Irlanda, con un despiadado y corrosivo sentido del humor, capaz de decir que: “ pensaba que los negros y los mejicanos eran todos narcos”.

Es el perfil de "policía poco común" se tendrá que encargar de una serie de homicidios y de despiadados traficantes de drogas que están haciendo transacciones en su pueblo. Boyle se verá obligado a tratar con el parco agente de FBI Wendell Everett (Don Cheadle, IronMan), asignado para cubrir el caso.

La historia recorre casi una semana entre ambos colegas y se paseará entre muertes, coimas, sexo grupal, comentarios ácidos y una madre que está en sus últimos días.

El film se guarda un as bajo la manga que será jugado sobre el final y dará a entender si el sargento Boyle es (como dice su compañero) un verdadero idiota o un dotado inteligente.

Endiablado film con alma de cómic

"Nadie escapa a sus demonios". Esto es lo que cree el protagonista de esta nueva aventura que tiene muchas pinceladas de cómic. Johnny Blaze (Nicolas Cage) huye de lo imposible y, acosado por su maldición, intentará redimirse de su pasado y de su pacto con el diablo. Ghost Rider: Espíritu de Venganza

Para eso une su descontrolada fuerza con un monje de la Orden de Miguel Ángel llamado Moreau (Idris Elba) buscando proteger a una madre (Violante Placido) y su particular hijo.

Cage se sumerge nuevamente en este personaje que debe lidiar con una parte incontrolable de sí mismo. Al igual que Hulk dice: “No soy yo cuando me enojo”.

Es bueno ver al actor en un personaje hecho a su medida luego de los altibajos que tuvo en varias películas. Con buenos momentos de acción y el aporte del 3D, la cinta corre rápidamente sobre ruedas y con creatividad. Por momentos, recuerda a Mad Max y a las historietas clásicas que no se podían dejar de leer hasta el final.

Ghost Rider: Espíritu de Venganza obviamente posee un villano de turno, Blackout, interpretado por el siempre convincente Ciarán Hinds y un monje de poco fiar, como lo es El Inmortal, Christopher Lambert.

La película tiene una escena inicial, antes de los créditos con cameo de Eva Mendes y Sam Elliot. Johnny Blaze tiene sed de venganza y la saciará en estos 98 minutos, dejando la sensación de que vendrá por mucho más.

Conflicto infantil entre adultos

Con la imágen de una golpiza entre chicos, registrada en la lejanía, comienza este film dirigido por Roman Polanski y protagonizado por grandes intérpretes: Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y John C. Reilly.

Un Dios Salvaje es la adaptación de la obra teatral homónima de la autora francesa Yasmina Reza, (interpretada en nuestro país por Gabriel Goity, Florencia Peña, Fernán Mirás y María Onetto) que narra cómo tras el violento enfrentamiento de dos niños en un parque, sus padres se reúnen, en principio de manera civilizada, para hablar del incidente. Los papás de la víctima (Jodie Foster y John C. Reilly ) han invitado a su casa a los padres del agresor (Kate Winslet y Christoph Waltz ) para resolver el conflicto.

Lo que comienza como una charla plagada de bromas y frases cordiales va adquiriendo un tono más violento a medida que los padres van revelando sus ridículas contradicciones y grotescos prejuicios sociales.

Un Dios Salvaje representa las bajezas humanas en su máxima expresión y demuestra que detrás de estas dos parejas, se esconde una verdadera "olla a presión". Con diálogos ocurrentes, invitados que amenazan permanentemente con irse pero nunca lo hacen y cruces verbales, la película se sostiene por las notables actuaciones, que mantienen el clima enrarecido dentro de un ámbito cotidiano (una misma locación) que no escapa a una puesta casi teatral.

La película no quedará en el recuerdo de los mejores trabajos del genial cineasta. Sólo tiene buenos momentos en una historia que pedía mucho más que eso. La versión teatral era mucho más divertida.

El regreso de un vampiro

La bella Kate Beckinsale encarna nuevamente al vampiro Selene y bajo la dirección de Måns Mårlind.

En este "despertar" y luego de haber estado en un estado similar al coma durante quince años, dentro del laboratorio de Biocom, la protagonista es liberada por la cautiva número 2 y, más tarde, descubirá que tiene a Nissa, una hija de catorce años: mitad vampiro, mitad licántropo.

El film cobra un ritmo vertiginoso, con muchas persecuciones y algún que otro momento poco maternal.

Como en otras ocasiones, Selene y un grupo de refugiados, deberá detener a Biocom en su intento por crear una raza de Super-Licántropos que quieren acabar con ellas y sus seguidores.

El relato, de tonalidades lúgubres, no presenta nuevas dificultades, ni nada innovador, pero entretiene y hace que sus 95´pasen rápidamente. Para los fanáticos, el final no asombra y queda abierto para una segura continuación.

Morir para creer en la vida

¿Qué pasaría si nos enteramos que nos queda poco tiempo de vida y no conociéramos el verdadero amor?. Algo similar plantea Nicole Kassell en esta realización en la que Kate Hudson interpreta a Marley Corbett, una joven que no se anima al amor y vive el día a día como una aventura, hasta que le detectan un cáncer. Entre ella y el poco sentido del humor de su médico, Julian Goldstein, (Gael García Bernal) nace una relación que irá más allá de lo profesional.

El film cuenta con grandes cuotas de humor y esperanza, aunque la fantasía también se hace un espacio y dice presente cuando Marley conoce a Dios, que no es más ni menos que Whoopi Goldberg. Quien además le concede tres deseos antes de morir.

A Little Bit of Heaven ofrece muy buenos climas y se aleja bastante de las comedias románticas convencionales, dando al espectador un aire fresco y reflexivo. En el reparto se encuentran la siempre convincente Kathy Bates, como Beverly Corbett la madre de Marley, y Treat Williams, como Jack Corbett, un padre que no encuentra la forma de acercase a su hija.

La aguja en el pajar

El film del director de Criatura de la noche, el sueco Tomas Alfredson, se sumerge en el submundo del espionaje a partir del fracaso de una misión espacial en Hungría que desencadena en un cambio en plena cúpula de mando de los servicios británicos.

De ahí en más, el agente George Smiley (Gary Oldman ) es separado de sus funciones, pero a la vez, será el encargado de llevar a cabo una compleja misión: descubrir si hay un "Topo" en el Servicio Secreto.

El relato que carece de suspenso y acción, se basa en la indiscutible puesta en escena, la lúgubre fotografía y las sólidas actuaciones de un reparto de lujo integrado por Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Toby Jones y John Hurt.

El Topo es un clásico relato de intriga donde no es fácil deducir quién es quién hasta el final y en el que abundan las traiciones, ambiciones y mentiras. Lo único que tiene peso es el hábil juego de miradas que se teje entre los personajes, piezas de un complicado juego de ajedrez.

Un soldado de la paz

Hablar de este film es apasionante, no sólo por sus merecidas 6 nominaciones a los premios Oscar, sino porque es una atrapante historia de amistad y lealtad desarrollada con el fondo de la Primera Guerra Mundial.

Desde su nacimiento, Joey se destacó entre el resto de los caballos; el arraigo con su madre, la desconfianza hacia los extraños y una fuerza inmensa como su belleza. El relato nos traslada a la Inglaterra rural, donde las condiciones para la familia del joven Albert (Jeremy Irvine) no navegan con viento en popa: su padre (Peter Mullan) y su madre (Emily Watson) tiene una granja poco próspera, mcuhas deudas y una tierra donde los logros cuestan el doble.

Albert se apasiona con Joey, un equino como ningún otro, es el encargado de domesticarlo y entrenarlo para la vida de campo. Pero la llegada de la guerra trunca sus vidas y termina alejándolos. CABALLO DE GUERRAJoey es llevado al ejercito inglés y, a su vez, al alemán dejando en cada paso una ráfaga de esperanza y de lucha entre quienes tienen la suerte de conocerlo.

Incluso en su corta estadía en la campiña francesa, establece lazos con una niña llamada Emily.

Esta historias de amistad en tiempos de guerra, proviene de una exitosa novela, la obra fue adaptada para teatro y alcanzó un enorme éxito a nivel internacional.

También llegará este año al circuito teatral de Broadway, en Nueva York.

El consagradísimo Steven Spielberg, sabe qué cuerdas tocar para sensibilizar al espectador y trasladarlo hacia una aventura vertiginosa que habla también de la recomposición familiar.

La excelente banda sonora, la impactante fotografía, más la cuota melodramática que la trama necesita, trae a la memoria películas como Lo que el viento se llevó y otros clásicos.

Caballo de Guerra es un gran film en la carrera de un cineasta genial, un relato lleno de emociones y matices perfectamente amalgamados, que se mueve entre las trincheras peligrosas y el gran amor de un joven por su caballo. El mismo que pasa de mano en mano pero regresa al amo que lo supo cuidar.

Los hermanos sean unidos

El carismático actor Adam Sandler (muy querido en Estados Unidos) se suma a una producción donde él mismo se encargó del guion. Jack y Jill (ambos interpretados por Sandler) son dos hermanos gemelos que no se llevan demasiado bien.

Jack es un hombre felizmente casado con Erin Sadelstein (Katie Holmes ) y con hijos (un hindú y una nena que por momentos se viste de Amish o de muñeca) y tiene una agencia publicitaria con cuentas como Dunkin' Donuts, que quiere a Al Pacino para una publicidad, una tarea casi imposible.

La cosas se complican cada vez más cuando su hermana Jill se presenta en su casa para pasar unos días durante Acción de Gracias y se queda más tiempo del planificado, rompiendo la tranquilidad de la familia. En esa penosa convivencia, ambos no tendrán más remedio que ponerse de acuerdo y tratar de entenderse mutuamente y, convencer, a un lunático Pacino.

La historia es ocurrente y caótica, pero resulta efectiva a la hora de un humor familiar y desenfadado. Adam Sandler encuentra la forma de llegar al público y se suman las locuras de un Al Pacino que no le teme al ridículo. Incuso Johnny Depp, que en una pequeña aparición, se muestra con una remera de Justin Bieber.

El realizador y actor Dennis Dugan (Una esposa de mentira y Son como niños) domina las situaciones con la metamorfosis del protagonista y ofrece lo que promete: entretenimiento.

Clásico suspenso fantasmal

La Dama de Negro recuerda a las clásicas películas de suspenso y terror, en las que la tecnología digital todavía no existía para lograr un buen clima y ambientes adecuados.

El film pone como protagonista al ex joven mago, Daniel Radcliffe, en un papel donde logra transmitir de manera adecuada su angustia y pesar por la muerte de su amada esposa y sin la necesidad de largos diálogos; solo con una muy buena interpretación.Woman in Black

Daniel es Arthur Kipps, un joven abogado que se encuentra a cargo de su pequeño hijo y al encontrarse en una ruina monetaria, toma un trabajo que quizás sea la última posibilidad de reunir dinero. Pero esta tarea no se percibe sencilla y es enviado por su empresa a vender la mansión Eel Marsh, propiedad de una viuda recientemente fallecida, en un pequeño poblado llamado Crythin Gifford.

La tarea se le complicará aun más, ya que los residentes del pueblo no desean colaborar con él en lo más mínimo, a diferencia del señor Daily (interpretado por el siempre convincente Ciarán Hinds, de La suma de todos los miedos) que desde un principio se une a Arthur y decide ayudarlo.

El realizador James Watkins quien se hiciera conocido por el film Terror en el Lago (Eden Lake, 2008) impregna en el best-seller de Susan Hill un aire gótico al estilo Tim Burton, con un ambiente oscuro y en una locación detenida en el tiempo llamada Halton Gill, en Yorkshire.

La Dama de Negro entrega un aire distinto y el público podrá disfrutar de una novela sombría en la cual la intriga y la venganza fantasmal dicen presente Es otro logrado regreso de la mítica empresa Hammer.

Por los mares del Sur

Primer largometraje realizado en Uruguay mediante la técnica de animación conocida como "stop motion", dirigido por Walter Tournier, y que además contó con un presupuesto de 1.250.000 dólares.

Selkirk

Esta nueva apuesta es una coproducción entre Uruguay, Argentina y Chile, siendo en Uruguay donde los estudios Tournier Animation construyeron la totalidad de los escenarios, muñecos y objetos y se realizó el rodaje; mientras que en Chile se hicieronn los fondos en 3D y finalmente en Argentina se registraron las voces de los personajes, el diseño de sonido y la música.

Una propuesta distinta y divertida basada en la historia de Alexander Selkirk, el náufrago que inspiró al célebre escritor y periodista inglés Daniel Defoe para escribir la obra que hoy se considera un clásico de la literatura y la primera novela inglesa, publicada en 1719, Robinson Crusoe.

El film realizado en su primer estadío de manera artesanal, lleva el sello de un director que se animó a más, luego de varios cortos (Navidad caribeña) y premios, se embarco en esta aventura donde el trabajo manual y la fotografía, hubieran hecho naufragar a cualquier impaciente.

La película invita a un viaje muy entretenido en el que chicos y adultos se sumarán a estas andanzas y viajaránn mor los mares del sur. Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe tiene lo que una gran producción debe tener: el alma que traspasa la pantalla y salpica a los espectadores.

La venganza será terrible

Una grata comedia llega a los cines de la mano del realizador Brett Ratner, el mismo de El dragón rojo (2002), X-men 3 - La batalla final (2006) y Una pareja explosiva 3 (2007) entre otras.

En este caso, el cineasta ofrece una historia humorística en la que Josh Kovacs (Ben Stiller) es el encargado de uno de los edificios más lujosos y seguros de Nueva York. Y además de conocer perfectamente las necesidades de sus habitantes, también domina los movimientos de la torre.

Pero todo se sale de sus rieles cuando uno de los dueños de los pisos más lujosos, Arthur Shaw (Alan Alda), es acusado de una estafa millonaria y recibe arresto domiciliario.

Ahí es donde comienza la acción, ya que Josh quiere hacer justicia porque que muchos empleados también fueron robados al confiar su dinero al magnate Arthur.

Con muy buenos momentos de humor, enredos y acción, el film resulta llevadero y disfrutable.

Robo en las alturas posee como ingrediente especial un gran elenco integrado por Eddie Murphy, Matthew Broderick (Los productores), Tea Leoni (Las locuras de Dick y Jane, Espanglish), Casey Affleck (El diablo bajo la piel) y el gran paso por la comedia de la ya consagrada Gabourey Sidibe (Preciosa 2010).

Tower Heist, tal su título original, tiene más de una razón para ser vista, más aún considerando la falta de buenas comedias en la cartelera nacional.

La política puertas adentro

Se torna difícil relatar lo visto en este film controvertido que muestra puertas adentro los manejos del poder y los escalones (o cabezas) que se deben pisar para arribar a las altas cumbres.

La nueva película dirigida, producida y protagonizada por George Clooney, The ides of march, cuenta la historia de un joven responsable de prensa de campaña, Stephen Meyers (Ryan Gosling), quien se ve SECRETOS DE ESTADOenvuelto entre los deseos de crecer y la lealtad hacia su jefe, el gobernador Mike Morris, y candidato a las primarias del partido demócrata por la presidencia norteamericana.

Si hay algo que deja en claro esta producción basada en la novela Farragut North, del escritor Beau Willimon (2008), es que en la política no hay lugar para los sentimientos y que lo único que importa es la lealtad.

En el medio de la historia, aparece una joven becaria con un secreto que podría hacer caer al candidato Morris, como afirma uno de los pasajes del film: "Las guerras, las mentiras o las estafas, son perdonadas por la gente, pero algunas situaciones privadas, no".

El relato cuenta con un reparto de lujo compuesto por Philip Seymour Hoffman (Capote), Jeffrey Wright, Paul Giamatti (La dama en el agua) y Marisa Tomei (La Femme Fatale de Loco y estúpido amor) en el papel de una periodista en busca de la noticia reveladora.

Secretos de Estado se fortalece gracias a las solidas actuaciones y a una banda sonora que imprime una línea de continuidad en la trama, pero no siempre logra mantener las expectativas o cautivar con su argumento.

El realizador Guy Ritchie (el mismo de la antecesora Sherlock Holmes) traslada al espectador a una Europa perfectamente ambientada en el año 1891, un año después de los eventos de la última película.

Holmes

En esta ocasión se encarga de imprimirle aun más su toque personal. Si bien la trama lo muestra a Holmes (Robert Downey Jr) más desequilibrado y con nuevos camuflajes nuevamente tras los pasos del profesor Moriarty (Jared Harris), es indudable que la creatividad y el magnetismo se mantienen intacto (o mayor) que en la primera entrega de la franquicia. La dirección, el protagonismo de Robert Downey Jr. y la excelente química que genera con Jude Law son en gran medida la clave del éxito.

Watson (Jude Law), su inseparable amigo, sigue a su lado (aunque le pese) y mientras intenta contraer matrimonio con su amada Mary Morstan (Kelly Rilly), Holmes es su mochila personal y debe mantenerlo con vida.

Entre las grandes apariciones de esta palícula se encuentran Rachel McAdams (al igual que en la anterior película) en esta caso con mucha menos participación (e incluso desaparición), Stephen Fry, como el hermano de Holmes (y tan alocado como él) y Noomi Rapace (de la trilogía Millennium) en el papel de una gitana que se une al detective en busca de su hermano.

Sherlock Holmes: Juego de sombras trae un mundo imperdible de acontecimientos catastróficos en donde los entrañables amigos se verán inmersos, intentando salvar al continente de una colosal guerra.

Con nuevos inventos, armas, peleas, intrigas y hasta una caravana a caballo (y poni) por las montañas es el menú de un film que dejará a todos más que conformes y a la espera de una tercera entrega.

La alegría hecha película

Es muy difícil hablar de un film de este tipo, donde se combina perfectamente todos los ingredientes necesarios para ser una gran película.

Al ver Los Muppets, el espectador se encontrará con una primera etapa donde cualquiera se puede sentir identificado con el recuerdo de una infancia feliz con entrañables amigos. Otra parte en la cual el film se transforma en un Road Movie a través de los estados del país del norte, en busca de los integrantes que se encuentran esparcidos desde Los Ángeles hasta París. Y para finalizar un desenlace donde todo puede pasar y se entremezclan las canciones, la nostalgia, la esperanza y hasta se hace un lugar para la acción.

La cinta va narrando lo que ocurre durante las vacaciones en Los Ángeles de Walter, el fan numero uno de los Muppets y sus amigos Gary (Jason Segel) y Mary (Amy Adams), pero es ahí donde descubren que el petrolero Tex Richman (Chris Cooper) planea arrasar con el Teatro de los Muppets para hacer una inmensa perforación y extraer el petróleo hallado debajo del viejo estudio.Piggy

Para salvar el teatro de este millonario sin escrúpulos es necesario reunir a todos los personajes y montar el mayor show de los Muppets jamás visto, para recaudar los US$ 10 millones. Walter, Mary y Gary ayudan a Kermit a congregar nuevamente a los Muppets, cuyas vidas ahora han tomado rumbos diferentes: Fozzie trabaja en un casino de Reno con una banda tributo llamada los Moopets donde también toca Dave Grohl (Foo Fighters); Miss Piggy es una editora de moda de talla grande de la revista Vogue Paris; Animal se encuentra en una clínica de Santa Bárbara para aprender a controlar su ira junto a Jack Black.

Todos los personajes tienen su minuto de fama y son bien reconocidos, además de tener mucho humor entre ellos (Miss Piggy que por un viejo rencor a Kermit, es remplazada por un cerdo disfrazado) y sobre todo haciendo partícipe al público de sus humoradas.

Este magnífico film es dirigido por James Bobin, (director, guionista y productor ejecutivo de la serie de HBO “Flight of the Conchords”) y posee actuaciones especiales únicas de numerosas celebridades como Selena Gomez, Jack Black, Danny Trejo, Whoopi Goldberg, el ya nombrado Dave Grohl y la bella Emily Blunt.

Los Muppets es una cita obligada para ser disfrutada tanto por grandes, como por chicos que desean sentir que los sueños pueden hacerse realidad.

Un mundo de peligros

Nos encontramos frente a una megaproducción donde el realizador Brad Bird (Los increíbles y Ratatouille) pone toda la carne al asador y no permite que nada le pase de largo. Como en una perfecta receta, la historia fluye y entretiene al espectador durante 125 minutos, entre traiciones, máscaras engañosas, viajes alrededor del mundo, fastuosas persecuciones y un sinfín de escenas de acción.

Tom Cruise, Paula Patton, Simon Pegg y Jeremy Renner (interpretará a Hawkeye: Ojo de Halcón en The Avengers), son los protagonistas de Misión Imposible IV: Protocolo fantasma. El film trae nuevamente a Cruise como el agente Ethan Hunt, hoy prisionero en una cárcel de máxima seguridad. Aunque no por mucho tiempo, con una escena de rescate y motín carcelario muy bien logrado, logra salir para volver al ruedo en la agencia.

El film cuenta con escenarios majestuosos como Budapest en Hungría, Moscú, Praga en Republica Checa, Vancouver en Canadá y en la estructura más alta construida por el hombre, el edificio Burj Khalifa, de 828 metros de altura en Dubai. El agente Ethan Hunt no sólo deberá preocuparse por la altura, sino también por perseguir al villano en medio de una inmensa tormenta de arena.

Misión Imposible IV

Como un agregado a las dificultades que se le van presentando a este mini escuadrón, es que deben manejarse de manera independiente, ya que el gobierno americano les saca el respaldo con que ellos contaban.

Cruise produce la película junto a J.J. Abrams, con quien se asoció en 2006 para Misión imposible III y eso se nota en las excelentes explosiones, tomas aéreas e inverosímiles situaciones que solo J.J. Abrams puede hacerlas creíbles.

La espectacular acción que presenta esta cuarta parte de la saga, basada en la popular serie televisiva, no permite distracciones y deja al público con ganas de una quinta entrega (probablemente asegurada).

La lucha de Adam

Pocas veces uno se puede encontrar con un film que combine tan bien las emociones y el sentido común, en medio de una trama que conmueve y, a la vez, tiene un espacio para el humor.

La película narra como un joven enfermo de cáncer, Joseph Gordon-Levitt, (500 días con ella) intenta sobrellevar el difícil momento junto a su mejor amigo, interpretado por Seth Rogen (El Avispón Verde, Zack y Miri hacen una porno).

Ambos son los protagonistas de esta comedia dramática que narrara el devenir de Adam y su enfermedad, emprendiendo la lucha de una manera muy especial.

La historia está basada en la autobiografía de Will Reiser, quien como dice el nombre del film, tuvo solo el 50% de las posibilidades de vida. Y con ese porcentaje a cuestas se basó en el amor de su amigo, una madre neurótica (Anjelica Huston), un padre enfermo y una psicóloga como sostén (Anna Kendrick).

Nominada al Globo de Oro como Mejor Comedia o Musical y Mejor Actor en Comedia o Musical a Joseph Gordon-Levitt, la película se posiciona como uno de los mejores estrenos de la semana.

Un lugar sorprendente

History Film presenta, La Cueva De Los Sueños Olvidados, una película que no sólo es un hallazgo para la humanidad, sino que marca un gran encuentro con lo que posiblemente jamás podremos conocer en persona.

La cueva de Chauvet se convierte en el escenario elegido por el director Werner Herzog para rodar este apasionante documental en tres dimensiones. Situada en el sur de Francia, la misma cuenta con las pinturas rupestres más antiguas, calculándose entre 20.000 y 30.000 años. Esta deslumbrante cueva fue hallada de manera casi casual por Chauvet, de allí su nombre, y es uno de los descubrimientos más importante de la historia.

En un viaje a su interior se podrá vislumbrar el arte rupestre nunca visto, donde los diseños parecen tener movimiento y, la cueva, vida propia. Con entrevistas a científicos e historiadores destacados, el atractivo de la película pasa por recorrer de manera dinámica las maravillas de este paraje.

Cuando el espectador se pregunte si vale la pena ver un documental de estas características en el cine, la respuesta rotunda es sí. El film es un documento único de un pasado jamás visto y que actualmente se encuentra cerrado al público para su total conservación, ya que el simple aliento de los turistas producía moho y deterioraba semejante templo cultural.

Historias cruzadas en Nueva York

Época de balances y refexiones. Algo de eso trae el director y productor Garry Marshall en este film en el que predomina un elenco único.

De la misma manera que reunió a grandes figuras en Valentine´s Day, Marshall narra esta vez historias de amores, esperanzas, perdones, segundas oportunidades y nuevos comienzos. Todas ellas entrelazadas y en el marco majestuoso del año nuevo neoyorquino. Año Nuevo

Cabe recordar que muchas de las escenas del film fueron realizadas el 31 de diciembre de 2010 en el Time Square con 12 cámaras y un millón de personas presenciando el rodaje, el Año Nuevo, la caída de la bolsa y la aparición de la Oscarizada Hilary Swank, quien interpreta a la vicepresidente electa.

Muchos relatos van dando vida a esta película donde nada es casual y las casi dos horas se llenan de emoción, amor y sueños.

Con un De Niro en un personaje que atraviesa sus últimos días, Ashton Kutcher un chico al que no le gustan las vacaciones y se lo puede ver mucho más ácido que en San Valentine´s Day; un multifacético Bon Jovi que dejó a la mujer equivocada y también interpreta a un rock star que se encargara de cantar a las 12:01.

Además pasan por este film Katherine Heigl como la chica que dejó ir Jon Bon, Sofía Vergara como la joven en el triángulo de amor y un reparto que va desde Michelle Pfeiffer, Josh Duhamel, Carla Gugino, Zac Efron, Abigail Breslin, Jessica Biel, Alyssa Milano, Lea Michele a Sarah Jessica Parker, entre otros.

Año Nuevo vuelve a demostrar que Garry Marshal sabe contar historias y en esta oportunidad lo hace mejor que en su anterior producción (San Valentine´s Day). Muchas situaciones y alguna tocará al espectador.

Eterna noche de histeria

La ópera prima de Massy Tadjedin, quien también se encargó del guión y la producción, es un relato que ofrece cruces de relaciones con poco romance y mucha histeria.

Durante una larga noche, y llevando al extremo los límites de su relación, una joven pareja (Sam Worthington y Keira Knightley) tomará decisiones que pueden tener consecuencias para el resto de sus vidas.

Luego de una leve discusión sobres las dudas y los celos, Michael Reed (Sam) debe realizar un viaje de negocios con Laura (Eva Mendes), su atractiva nueva colega, mientras su esposa Joanna (Keira Knightley) se encuentra, por casualidad, con su antigua pareja Alex (Guillaume Canet), a la salida de un bar.

Si bien el relato es muy pobre y el film no logra levantar vuelo, cabe destacar que las interpretaciones son correctas, menos la de Sam Worthington, a quien se lo ve tieso como si fuera el Hombre de Roca.

Muertos en placares, bares, mucho taxi y un mundo donde la histeria dice presente hasta el final, sin demasiado que ofrecer a la pantalla y en una trama sumamente previsible. Luego de ver La Última Noche queda un gusto amargo y mucha insatisfacción.

El hijo de Santa Claus

Llegó el momento de enterarse ¿Cómo entrega Santa Claus todos esos regalos en una sola noche?. Y la respuesta viene de la mano de la familia Claus y un grupo de duendes equipados con la más alta tecnología.

Hasta donde se conocía, el héroe de las Navidades habitaba en el Polo Norte y con su grupo de elfos que se encargaban de la fabricación y distribución de regalos alrededor del mundo.

Pero este film va más allá de eso y muestra quiénes son los Claus, cómo viven, cómo logran entregar los juguetes a tiempo y, por sobre todo, que también tienen sus egos.

Cada operación regalo tiene un margen de error que se considera "aceptable" si uno de los 600 millones de niños que tienen que recibir un regalo de Papá Noel en Navidad se pierde. Aunque para Arthur, el Claus más joven e inexperto, eso no es posible.

Arthur Claus ejecutará su primera misión (sin autorización) con la compañía de su abuelo y un duende empacador, el desafío: entregar el regalo antes del amanecer de Navidad.

La película posee dinamismo y resulta vertiginosa a la hora de los vuelos, con un arranque al estilo Misión Imposible y un final acorde a las circunstancias, Arthur dejará encendida la luz y el espíritu de la Navidad en los niños. Operación Regalo llegó antes de las fiestas, pero a tiempo para creer en ellas.

La difícil tarea de ser mujer (I Dont Know How She Does It)

Ser madre nunca fue fácil, pero en los tiempos que corren las mujeres se han convertido en personas multifuncionales, con más utilidades que un cortaplumas suizo.

Hoy las mujeres se encargan de grandes puestos empresariales, su familia, hijos, comida, esposo y, además, lo hacen bien. En este mundo tan competitivo superan las actividades de sus pares e incluso de los hombres.

De eso trata esta producción del realizador Douglas McGrath, que narra la historia de una brillante empresaria y madre polifacética que pretende ser la mejor, en todos los órdenes de la vida, y que se verá desbordada cuando su marido quede desempleado y ella afronte un nuevo desafío comercial.

Kate Reddy (Sarah Jessica Parker) es madre de dos hijos y una brillante gestora financiera, aún con una apretada agenda de reuniones y viajes nunca deja de pensar en las tareas familiares y actividades personales.

Al caer la noche, vuelve a su casa para reencontrarse con su esposo Richard (Grez Kinnear), un arquitecto, y sus dos pequeños hijos. La trama suma mayores inconvenientes cuando a Kate le asignan una nueva cuenta que la obliga a realizar frecuentes viajes a Nueva York, Richard consigue a su vez un gran trabajo, situación que debilita el delgado hilo que mantiene unido a este matrimonio.

Para complicar las cosas, el nuevo y encantador colega de Kate, Jack (Pierce Brosnan), empieza a convertirse en una inesperada tentación para ella.

Esta historia es una adaptación de la novela I Dont Know How she Does It, escrita por Allison Pearson, y suena muy actual. Sarah Jessica Parker aparece en un papel al que está acostumbrada y se la ve cómoda, como en los comienzos de Sex and the City.

La película cumple con lo previsto, y con un nutrido reparto compuesto por los siempre correctos Greg Kinnear, Kelsey Grammer y Pierce Brosnan.

La mujer sin vida

El realizador Javier Rebollo, quien también se encargo del guión del film español-francés, La mujer sin Piano, cuenta la triste historia de Rosa. Cabe destacar que esta coproducción logró ser Ganadora del premio al "mejor director" en el Festival de San Sebastián.

Una mujer casada, para quien no hay nada comparable a la íntima satisfacción de ver el plato humeante servido con puntualidad a la hora de la comida, es el eje del relato. Con un marido ausente con aviso y un hijo acorde a la familia.

Cuando la película comienza a narrar la noche en la que escapa de ese submundo, el espectador imaginará que durante esa fuga, que dura lo que dura la noche, (aunque parezca mucho más) empezará a aumentar el ritmo. Sin embargo, todo se ve tedioso y tratado de manera absurda.

La Mujer sin Piano es otra de las historias sobre mujeres que intentan escapar de la vida rutinaria, pero no aporta nada a la cartelera. El insomnio de Rosa se transforma para el espectador en un sueño o, más bien, en una eterna y calma pesadilla.

Cuidemos el planeta

Luego de la exitosa primera parte de Happy Feet que fuera ganadora del Oscar a Mejor película animada del 2006, llega su secuela.

El filme muestra a Mumble y Gloria, quienes disfrutan el canto y el baile al lado del resto de todos los demás pingüinos emperador, a excepción de uno: su hijo Erik quien no sabe bailar. Sin embargo, éste es el menor de los problemas para las aves, pues una serie de deshielos harán que la comunidad quede aprisionada dentro de su territorio, por lo que Mumble deberá buscar ayuda de pueblos vecinos para evitar que su familia y amigos mueran de hambre.

Técnicamente, el filme ostenta una excelente animación, que incluso supera al filme original, ya que (como se verá en El Gato con Botas) los movimientos de los pingüinos y el resto de los animales son sumamente naturales. También son de destacar los escenarios y las secuencias que se desarrollan bajo el agua.

Con una base argumental similar a la primera producción, la historia resulta simple y el detalle de cuidado ecológico pasa bastante de largo (el problema del deshielo), no creando una conciencia fuerte (al menos en los niños).

Los personajes de la anterior, en esta secuela, van quedando de lado y surgen otros como Sven, una misteriosa ave predicadora con un oscuro pasado, la cual podría ser la única esperanza de los pingüinos. Por su parte, el pequeño Erik cautivará al público por su ternura y sus sueños, y con un final que seguramente será recordado por un singular momento: el musical que protagoniza. Con música y coreografías divertidas la película está preparada para cautivar a un público pequeño y entretener a quienes los acompañen, logrando así su cometido.

Un relato inquietante

Bienvenido relato italiano que se anuncia como "una historia de amor vestida de thriller", y basta verla para darse cuenta que esa línea le calza de maravilla. La Hora del Crimen

La historia gira en torno a Sonia, una emigrante en Italia de origen esloveno, que limpia habitaciones en un hotel de Turín, de perfil bajo pero misteriosa mirada y escasa expresión. Cuando acude a un lugar de citas rápidas conoce a Guido, un ex policía convertido ahora en guardia de seguridad de una mansión de lujo en medio del campo.

La avalancha de intrigas crece donde estaba todo preparado para el nacimiento de un romance. Muertes, búsqueda de la verdad y la coincidencia de la doble hora (título original del film) se dan cita en una trama inquietante.

La película amalgama perfectamente el suspenso y el romance buscando un resultado certero en la que nuestra Buenos Aires también es partícipe. La Hora del Crimen tiene lo necesario para confundir tanto al espectador, como a Guido, este policía retirado que busca la verdad, pero también el amor.

Personajes clásicos en acción

La secuela encuentra a nuestra heroína Caperucita, entrenando con un grupo secreto y misterioso llamado “Las Hermanas de la Caperuza”.

Pero la temeraria niña se ve obligada a interrumpir su entrenamiento cuando recibe una llamada urgente de Nicky Flippers, que regresa al frente de la super-secreta Agencia del FinalFeliz.

Una bruja malvada ha secuestrado a dos niños, Hansel y Gretel, ahora Nicky y el ya no malvado lobo con Twitchy, su hiperacelerado compañerito necesitan a Caperucita para la misión de búsqueda y rescate.

Esta historia que contiene buenos momentos de diversión no deja de hacer alusión a clásicos como los Tres Chanchitos, Starsky & Hutch, los ya anunciados Hansel y Gretel, detalles íntimos de Ricitos de Oro y,sobre el final, una supuesta continuación con El Flautista de Hamelín.

Todo compactado en este relato donde nadie es frágil y todos tienen un haz en la manga, con sorpresas e indicada para un público menudo de hasta ocho años.

Las Nuevas Aventuras De Caperucita Roja divierte y entretiene, pero si hay algo que le juega realmente en contra es el burdo doblaje mexicano, con muchas palabras no utilizadas en otros films que llegan a nuestro país y sòlo pueden escucharse en las películas de la tierra de Speedy González.

Revuelo familiar con acento italiano

¿Qué significa tener una mamá bella, vital, frívola y perturbadora? Éste es el tormento que ha tenido que soportar Bruno, primogénito de Anna, desde que tenía ocho años.

Todo comienza en el verano de 1971 cuando, durante la elección de la reina del balneario más famoso de todo Livorno, Anna es sorpresivamente llamada al palco y obtiene la corona de “la mamá más bella”. Esto provoca un gran revuelo en la familia Michelucci. La prima Cosa Bella

Ahí comienzan los problemas para el clan Michelucci, y vivir se convertirá en toda una aventura que irá superando a Bruno hasta llegar a nuestros días cuando Valeria, su hermana, decide reconciliar a Bruno con su pasado y con su madre que está a punto de morir.

Este conmovedor film tiene todos los ingredientes de un enredo familiar italiano, cocinado al dente y con las típicas conversaciones tradicionales de un cine que no fue preparado For Export (por suerte), como otras creaciones llegadas del mismo país europeo.

Esta producción además de ser seleccionada para representar a Italia en los premios Oscar, ganó en el 2010 Premios del Cine Europeo: Nominada al Mejor director, en 2009 David di Donatello: Mejor actor (Valerio Mastandrea), actriz, guión y 18 nominaciones más.

Una película que se permite ciertos comentarios en dialectos, sin necesidad de vender el destino turístico, sino la historia y todo adaptado para que el espectador disfrute de un plato cocinado con los mejores ingredientes.

Una historia sin desperdicio preparada por un director que, desde un principio sabía qué contar: una madre que a su modo crió a sus hijos entre set de filmaciones y amoríos prohibidos, peleas de parejas y una eterna sonrisa protectora.

Un hijo parco, Bruno Michelucci, profesor de literatura en una escuela de hotelería de Milán, sobrevive a los recuerdos de una infancia de novela e irá armando un rompecabezas con piezas del pasado que terminarán encajando en un presente que, quizás, sea próspero.

Con muy buenos momentos y una adaptación de la época en flashback, coherente en la trama, La prima Cosa Bella enternece, sorprende y emociona. Además de contar con la siempre presente canción que da nombre al film y a la sonrisa de una madre reina de la belleza y el amor.

El espionaje en broma

El director Oliver Parker, quien se había hecho cargo de El retrato de Dorian Gray, se sumerge ahora en el mundo del espionaje, el humor y el absurdo de la mano del actor Rowan Atkinson.

El intérprete de Mr. Bean regresa como el espía más insólito y distraído del servicio secreto británico. Luego de muchos años alejado debido al desdichado suceso de Mozambique, Johnny vuelve de su retiro en una lejana región de Oriente donde aprendió que la mente es más fuerte que el cuerpo (entre otras cosas).

En esta oportunidad, el espía del MI7 deberá detener a un grupo de asesinos internacionales antes de que eliminen a un líder mundial chino y abran la puerta al caos global. La película cuenta con ritmo ágil y con el siempre convincente Atkinson y su sello personal de morisquetas. La trama convence más que la de su película antecesora.

Entre pastillas que le cambia la voz, armas secretas, golpes bajos altamente soportables por el protagonista y un vertiginoso ritmo plasmado por el director, el resultado es llevadero. Este Johnny English parece más preparado que el anterior (intenta desbaratar un complot entre la CIA y la KGB), es más inteligente y se lo ve más agresivo. Lo que no le será nada sencillo es atrapar a una anciana oriental provista con una aspiradora y armas de todo tipo, que sin lugar a dudas, figurará entre sus peores pesadillas.

Lo pedís, lo tenés!

El director David Dobkin, el mismo que se encargó de Los rompebodas, presenta a dos entrañables amigos de contrastantes personalidades. Y a la vez, uno está ansioso por tener la vida del otro.

Si fuera yo

Uno es Dave, un exitoso abogado que está a punto de concluir una fusión para la firma que representa y, así, conseguir su tan ansiada sociedad.

El otro, (y su mejor amigo) Mitch, un incipiente aspirante a actor porno que vive como adolescente, es un bueno para nada y especialista en llevar mujeres a la cama.

Dave tiene esposa, tres hijos y un futuro prometedor. Mitch no tiene a nadie y con trabajos se hace cargo de sí mismo huyendo de los compromisos y de un padre que sólo desea que se acerque a su casamiento.

Para esta dupla cambiar de vida les será muy sencillo, ya que con sólo orinar juntos después de una noche de tragos, sus deseos casi involuntario les serán realizado.

Para Mitch Planko (Ryan Reynolds) y Dave Lockwood (Jason Bateman), los cambios los llevará por senderos opuestos: alegrías, frustraciones, crecimiento personal y valoración de los seres queridos.

El film ofrece mucho más de lo que promete, con muy buenos climas, momentos de humor bien logrados (los nenes en la cocina con Mitch), situaciones cotidianas de pareja que dejan el encanto en un cajón (como el no cerrar la puerta del baño) o el imaginario popular que el sexo de los otros es siempre mejor.

Si Fueras Yo tiene todo lo que una buena comedia de enredos tiene que tener y quizás más, por una dupla de dos actores en crecimiento interpretándose el uno al otro de manera muy acertada. Cuidado con lo que deseas, porque se te puede hacer realidad!

Asesinos con ganas de redención

El director debutante que viene de la publicidad, Gary McKendry, asume el desafío de llevar nuevamente esta remake a la pantalla grande. Cabe recordar que el film original fue filmado en 1975 nada menos que por Sam Peckinpah y tuvo a James Caan y Robert Duvall como protagonistas.

La producción, que tiene como escenarios el desierto y la bella Londres y París de los ´80, costó más de 60 millones de dólares y está inspirada en la novela de "The Feather Men', de Ranulph Fiennes. Esta historia, basada en un hecho real, se centra en un ex agente de fuerzas especiales (Statham) que vuelve de su retiro para rescatar a su mentor (De Niro). En el rol de villano aparece Clive Owen con un bigote militar, muy particular.

El film, ambientado en la década del ’80, entremezcla espionaje, asesinos a sueldo, buenos toques de acción, algunas peleas cuerpo a cuerpo muy logradas, una venganza por resolver y las eternas corridas del gato al ratón.

Este thriller de acción reúne a tres figuras de peso: Jason Statham, (el actor de la reciente El mecánico y de las tres partes de El transportador) que busca su retiro y formar una familia con su amor de la infancia, Robert De Niro (visto en La revelación) que debe ser salvado, pasando a ser un actor secundario, y Clive Owen (visto últimamente en Sólo Ellos) como el encargado de atrapar y desbaratar a estos asesinos que se le suelen escapar de las manos.

Asesinos de Elite es una película que cierra en todos los aspectos, con una buena puesta en escena, una interesante trama, actuaciones acordes y en conjunto, una historia que te transporta a los grandes films de espionaje británicos de los ochenta.

La casa de tu sueños puede ser tu peor pesadilla

Este thriller psicológico está dirigido por el consagrado realizador Jim Sheridan (En el nombre del padre, Hermanos) que esta vez se coloca detrás de las cámaras para contar una historia que no sólo ocurre dentro de la casa de ensueño del protagonista (Daniel Craig), sino también dentro de él.

Detrás de las paredes (Dream House) gira en torno a un exitoso editor que deja su trabajo en Nueva York para trasladarse con su esposa (Rachel Weisz) y sus dos hijas a una preciosa casa en una pequeña ciudad de Nueva Inglaterra. Pero cuando esta apacible vida comienza a sentarle en gracia, raros sucesos empiezan a llamarle la atención y es cuando descubren que una madre y sus hijos fueron asesinados en el lugar. Este editor semi retirado afrontará el misterio e intentará resolverlo con la ayuda de su vecina (Noami Watts).

Buenos climas (con toques paranormales) y sensaciones para un film que atrapa de principio a fin, en el que las interpretaciones son válidas: Rachel Weisz sigue demostrando que es mucho más que la mujer de "un jardinero fiel"; Noami Watts correcta en su rol enigmático y un atormentado Daniel Craig, quien deja claro que es mucho más que un 007.

El relato cumple con las expectativas de un correcto thriller psicológico (personajes sospechosos y ambiguos), tramposo y vertiginoso sobre el final...en donde todo puede pasar.

Actividad Para Anormal

Las primeras frases que se leen en este film son las clásicas: “ Las siguientes secuencias fueron encontradas en la casa de la familia Yamano, en Tokyo, Japon” y de ahí en más queda a criterio del espectador quedarse o no en la butaca.

La película comienza con la llegada de Haruka Yamano a su casa en Tokyo, Japón, después de realizar un viaje a San Diego en el que tiene un accidente automovilístico que le rompe ambas piernas y provoca la muerte de una joven mujer. Cosa que el espectador se entera por la sinopsis o...si lo logra deducir.

Mientras la joven Haruka debe andar en silla de ruedas (aunque sin yeso y sólo con un ligero vendaje) es cuidada por su hermano Koichi ya que su padre realiza viajes de negocios a Singapur y los deja solos en la casa.

Como en las versiones occidentales, Actividad Paranormal 0, va contando lo que ocurre día a día en la casa de los jóvenes orientales. Desde el 5 de septiembre van documentando noche tras noche cada “fenómeno” paranormal que se registra en su hogar.

Está claro que cinematográficamente la cinta no ofrece nada nuevo: la luz se corta, pero a la vez los monitores siguen funcionando y, es obvio, que una radio mal sintonizada tendrá que encenderse. Mientras todo es un desastre en la casa, el joven Koichi prefiere documentar todo antes que ver cómo está su hermana o contarle a su papá.

Entre los detalles lógicos y coherentes están los de la multiplicación de cámaras, ya que comenzaron con una y sin salir a comprar, en el séptimo día terminaron con más de tres, dos monitores y trípodes.

Lo más destacable de Actividad Paranormal 0, es el sonido y algunos estallidos de vidrios inesperados. Después el film pasa por más de lo mismo: problemas de iluminación, poca creatividad y escenas vistas en las anteriores.

Cabe destaca que este film no tiene nada que ver con Actividad paranormal 3 que se verá en las próximas semanas en Argentina, pero que seguramente aproveche a un público distraído

Amor con convicción

Drama protagonizado por un gran elenco que incluye a Hilary Swank, Sam Rockwell y Minnie Driver, y que fue dirigido por Tony Goldwyn.

Justicia Final

El film nos trasladas del presente a 1980, en la localidad de Ayer, Massachusetts, donde uno de estos dos hermanos con una infancia de abandono materno, se ve envuelto en un caso de homicidio.

Justicia Final es una historia basada en hechos reales y cuenta como Kenny (excelentemente interpretado por Sam Rockwell ) es acusado de asesinato, y condenado a cadena perpetua.

Pero su hermana, Betty Anne Waters (la ganadora del Oscar, Hilary Swank), una madre y esposa dispuesta a perder su matrimonio y casi a su familia por probar la inocencia de su hermano. Y agotadas sus posibilidades de apelar su condena a través de los defensores públicos, aún no teniendo ningún tipo de estudios, decide ser abogada para defenderlo.

Esta larga y emotiva lucha que durará 18 años, trasportará al espectador no sólo por la vida de estos hermanos entre flashforward y presente, sino entre emociones fuertes, alegrías, desesperaciones y una justicia final que tarda en llegar.

La película que dirige el mismo de Siempre a Tu lado (2001) que contaba con Ashley Judd , Greg Kinnear y Hugh Jackman, que trabaja mucho en series televisiva y eso lo impregna en la pantalla. Pero a la vez sabe poner el sello de bueno momentos y sensaciones, además de lograr mediante el maquillaje, unas transformaciones únicas en los personajes durante estos 18 años.

Justicia Final es un film que merece ser visto, no sólo por el gran elenco, sino por esta historia, que al igual que el ADN es la clave del caso, el mismo que los une como hermanos es más fuerte que los obstáculos y la perseverancia de una hermana que jamás se preguntó si su hermano era o no culpable. Eso quizás sea Convicción, amor con convicción.

Al guardián con amor

Con un comienzo prometedor, el film de Frank Coraci (quien dirigió a Sandler en The waterboy) muestra a Kevin James como un solitario guardián de zoológico que decide dejar su trabajo porque la mujer de sus sueños se lo pide.

Es ahí cuando los animales intervienen, le enseñan sus hábitos de apareamiento y cómo se marca territorio en el reino animal. El actor Adam Sandler presta su voz en esta película en la que los animales de un zoológico deciden romper su código de silencio para ayudar a su más querido cuidador para que conquiste a la mujer de sus sueños, Rosario Dawson.

Entre enredos, un tercero en discordia y carreras de bicicletas, el tímido guardián del zoológico va transformándose en otra persona y deberá decidir en quién convertirse.

En la película, su mejor amigo termina siendo Bernie, el gorila, que estaba aislado y marginado por una errónea percepción de lo que es peligroso. Como elementos sorpresa The zookeeper cuenta con las voces de Cher, Nick Nolte, Adam Sandler y Sylvester Stallone en la versión original.

Este relato sobre animales parlantes cumple su cometido, acumula buenos momentos de humor, tiene un ritmo adecuado y un final previsible.

Más que la historia de una familia en los '50

Terrence Malick, el aclamado y controvertido director de cine de clásicos como Badlands, Días de Gloria y La Delgada Línea Roja, regresa con El árbol de la vida.

La película fue premiada con la Palma de Oro en Cannes y asombró a los críticos del mundo. El film está basado en la historia de una familia del Medio Oeste norteamericano durante los años 50, pero eso no significa que se base en esa época.

El cineasta va narrando el duro traslado de la vida del hijo mayor, Jack, desde la inocente infancia con un duro padre (Brad Pitt) hasta su desencantada adultez. Su intento de reconciliar las complicadas relaciones familiares de una madre amorosa, un tierno hermano y un ambiguo padre que, por desear una buena crianza, cae en los errores fáciles y dolientes para sus hijos y pareja.

La osadía e imaginería de Malick es mostrar a Jack como un alma perdida en busca de respuestas sobre el origen y significado de la vida, además cuestionándose la existencia de un Dios. Y para esto el realizador no teme en desplegar sobre la pantalla grande desde frases bíblicas, imágenes muy cuidadas e incluso todo el proceso del Big Bang (con todas sus fases y de una manera asombrosa).

Si bien los diálogos de El Árbol de la Vida entrarían en casi dos carillas, el film de 138 minutos es un juego sin fin, que trasmite emociones y vivencias, colores y texturas. Y donde la mano del hombre en todo momento intenta tocar la luz que se filtra por las hendijas de una vida tangible.

Compromiso y enredos con bajas de guerra

Damas en Guerra está producida por los mismos de Ligeramente Embarazada y Virgen a los 40 y es el primer largometraje del director Paul Feig, realizador y actor que pudo verse en Malas Enseñanzas, como el padre del Carwash y tiene en su haber series como The Office o Nurse Jackie.

La historia gira en torno a Annie (interpretada por Kristen Wiig) una mujer que cada vez que parece que va a tocar fondo, se da cuenta que puede llegar más profundo.

Y mientras está con un hombre que le hace daño, un trabajo que no le gusta, compartiendo una casa con unos personajes al estilo Notting Hill, se debe encargar con unas amigas de la boda de su compañera de toda la vida, Lilian (Maya Rudolph).

Todo obviamente se complicará más cuando aparece una adinerada acompañante de Lilian que pondrá en juego la amistad de Annie.

Bridesmaids que sería su traducción “Las Damas de Honor” y que en algunos países se conocerá como “La boda de mi mejor amiga” tiene momentos ocurrentes y simpáticos. Si bien le juega en contra la extensa duración (125 minutos) resulta llevadera y cumple con el objetivo de entretener. Además de tener un final con cameos incluidos y minitape de Actividad Paranormal.

Sin demasiadas pretensiones, Damas en Guerras es mujeres luchando por conseguir lo que desean y, en el camino como en toda guerra, hay bajas.

Un amor en pantalla grande

Este film que parecía que simplemente contaría la historia de un niño que se hacía amigo de un delfín herido que encuentra en la costa y que más tarde perdería su cola.

Winter

Es muchísimo más que eso, la película narra cómo mientras hay hombres que dañan las especies, otros con inconmensurable esfuerzo, casi en banca rota, pero con un profuso amor se encargan de salvar y mantenerlas vivas.

Más allá de ser una clase magistral de cómo viven los delfines, su bellísimo mundo y notable inteligencia, Winter (quien se interpreta a sí mismo) le da al joven protagonista ganas de afrontar una vida y dejar atrás la vieja que era un verdadero pesar. Y de un día para otro, Winter, le termina modificando para bien su existir (o a de ambos).Winter 1

Esta historia que está basada en un hecho real, donde Winter se somete a los cuidados y atenciones de los encargados del Hospital Marino, le abre los ojos a mucha gente que no puede llegar a entender el hecho de la integración. Y entremezcla casos humanos con discapacidades y veteranos de guerra con lesiones. Todo perfectamente amalgamado en un relato sin demasiados golpes bajos, por el contrario, con mucho humor, pasión y ritmo.

Esta película de corte familiar además de tener todos estos atributos, cuenta con un reparto muy bien formado: Ashley Judd, Harrick Connick Jr, Kris Kristofferson, Winter, un pelícano muy simpático y Morgan Freeman en el papel del encargado de idear la prótesis que salve a Winter de posibles lesiones.

“Winter” El Delfín es un film que debe ser visto de manera obligatoria y aunque algún experto adula que ciertas miradas del delfín estaban fuera de foco, esta producción traspasa la pantalla. Y no solo porque puede ser vista en 3D, sino porque el conjunto global del producto es excelente.

El lado oscuro de la ciencia

Guillermo del Toro y el realizador Vincenzo Natali (El Cubo) presentan una historia que bordea una versión moderna del clásico de todos los tiempos, Frankenstein.

En este caso, Clive (interpretado por el siempre correcto Adrien Brody, El Pianista/King Kong) y Elsa (Sarah Polley de El Amanecer de los muertos / La vida secreta de las palabras), una pareja de brillantes científicos especializados en la combinación de ADN se dedicaran a diseñar híbridos de especies animales para un laboratorio farmacéutico.Splice

Tras el éxito de su último experimento, deciden en secreto ir un paso más allá y usar ADN humano en la creación de un nuevo híbrido que les ayude a revolucionar la medicina moderna.

Pero la especie resultante es mucho más que un nuevo escalón en el árbol evolutivo: Dren (Delphine Chanéac) es una sorprendente y criatura de viva inteligencia y poderosas habilidades físicas que no sólo excede sus sueños, sino que amenaza convertirse en su peor pesadilla.

Bajo este argumento los dos actores pasarán por diferentes estadios, el de pensar si la creación es algo un capricho personal o una invención para la humanidad, el de ver la vida más allá de un simple resultado científico y finalmente la posibilidad de verse como futuros padres.

La cinta si bien cuenta con buen ritmo, efectos bien logrados y correctas actuaciones, termina jugando entre dos géneros, el de ciencia- ficción y el drama psicológico. Donde cuesta mucho situar la película a la hora de la recomendación.

Con Splice es posible que el espectador deba ir preparado y sabiendo eso y no, en busca de un Alíen o La novia de Frankenstein.

La droga poderosa

El mismo realizador de El Ilusionista, Neil Burger, se coloca una vertiginosa historia a cuestas, en la que Eddie Morra (Bradley Cooper, Que pasó ayer?) es un aspirante a escritor que sufre de bloqueos crónicos.

Pero cuando está a punto de tocar fondo en su vida, un viejo amigo le da a conocer el NZT, un medicamento revolucionario que le permite aprovechar su potencial por completo.

Con cada impulso nervioso, Eddie puede recordar absolutamente todo lo que ha leído, visto o escuchado, aprender cualquier idioma en un día, entender ecuaciones complejas, siempre que continúe tomando la droga experimental.

Todo esto llamará la atención del magnate Carl Von Loon (Robert De Niro), quien lo invita a participar en la fusión corporativa más grande de la historia.

No obstante con su vida amenazada por los efectos secundarios de la droga, Eddie irá esquivando acosadores misteriosos y una investigación policial intensa, mientras intenta aferrarse a esta nueva y envidiable vida.

La película entretiene y no da respiro, con momentos de atropellos, aires psicodélicos y corridas que dejan sin aliento. Y cuando parece que todo puede fallar...falla!.

El mal sueño de un astronauta

Al director Gonzalo López-Gallego el mismo de El rey de la montaña, con Leo Sbaraglia, le sucede algo similar en esta nueva producción: promete suspenso y atrapar al espectador, pero el asunto va perdiendo interés a medida que van corriendo los minutos.

A modo de falso documental, el film intenta hacer creer al público que se llevaron acabo 17 misiones, de las cuales sólo seis llegaron a la luna, específicamente Apolo 11, 12, 14, 15, 16, 17.

Pero el relato asegura que al año siguiente del Apollo 17, en diciembre de 1973, dos astronautas estadounidenses fueron enviados a la Luna en una misión secreta financiada por el Departamento de Defensa de Estados Unidos y con lo que se encontraron no fue nada bueno.

La experiencia podía haber sido interesante: dos astronautas solos en el lado oscuro de la luna, hallazgos y muchas tensión, pero el resultado dista mucho de un inquietante juego de suspenso. Nada cierra del todo (sin entran en detalles y contar qué es lo que encuentran), el film se transforma en una especie de Actividad Paranormal fuera de casa y el efecto no es el mismo.

Es difícil pensar que se hagan films con semejante presentación publicitaria y exhiban a tres actores acreditados, un flojo argumento y se justifique toda la historia sobre el final con las típicas letras explicando qué sucedió y como se cerró el caso.

Apollo 18 es un mal sueño de una noche de un astronauta que vio muchos films de la serie Tales from the Crypt (Cuentos de la cripta), pero que nunca se despierta. Y el espectador tampoco.

El lado B de la paz

Muy buen debut para el primer largometraje de Larysa Kondracki, luego de su corto: Viko, un film de 17 minutos con una temática similar, un joven de 17 años que deseaba salir de su ex Yugoslavia en 1997 y viajar a Londres. Pero termina en una red de de tráfico sexual.

The Whistleblower es un thriller protagonizado por la ganadora del Oscar, Rachel Weisz, en el rol de Kathryn Bolkovac, una mujer policía, a quien le quitaron la tenencia de su hija y se siente muy unida a su trabajo. La Verdad Oculta

Pero lo más relevante, es que narra la historia de la lucha que emprende esta agente de la policía de Nebraska, que acude a Bosnia tras la guerra en los Balcanes en calidad de observadora de las Naciones Unidas, como una posibilidad de que en su regreso, pueda tener más tiempo para su hija.

Pero los descubrimientos en esta República de posguerra, la obligan a denunciar ante la ONU a una multinacional y muchos integrantes más, que habían encubierto varios casos de tráfico sexual.

El guión está basado en la historia real de Kathryn Bolkovac, que viajó a Bosnia en el año 1999 en calidad de miembro del comité de las Naciones Unidas para el mantenimiento de la paz. Y al igual que la protagonista, no dudó, ni se detuvo, siguiendo las pistas hasta las últimas consecuencias.

Con un reparto compuesto por Vanessa Redgrave, Monica Bellucci y David Strathairn, en correctas actuaciones, al igual que los secundarios, no impiden que se destaque Rachel Weisz (El Jardinero Fiel), en este rol donde coloca su personalidad y registro dramático.

La Verdad Oculta es una muy buena propuesta para conocer el detrás de escena de los enviados de paz, además de cautivar durante los apasionantes 110 minutos que no dan tregua.

En busca de la libertad

El planeta de los simios fue un largometraje de 1968, dirigido por Franklin J. Schaffner y protagonizado por Charlton Heston, Roddy McDowall, Kim Hunter, Maurice Evans y Linda Harrison en los papeles principales.

Tuvo varias versiones pero la ultima la realizó Tim Burton en el 2001, aunque todavía se recuerda la serie rodada en 1974 y 1975 con Roddy McDowall y varios largometrajes más llevados a la pantalla grande.

En esta nueva versión, los humanos no viajamos a otro planeta al encuentro de la civilización primate, ni aparecen de la nada solo para combatirnos e invadirnos.

Rise of the Planet of the Apes

El realizador Rupert Wyatt se toma su tiempo y explica como mediante un experimento aplicado en simios, con el fin de lograr curar enfermedades como el Alzheimer, se provoca a la naturaleza.

A esto se le suma toda la codicia corporativa y la arrogancia del hombre para desencadenar una serie de acontecimientos que incrementan la inteligencia de los simios.

James Franco, quien interpreta a un medico científico, termina adoptando como propia la decisión de encontrar esta cura y a su vez adopta a Caesar, el primer simio inteligente y rescatado del laboratorio.

Todo se desencadenará cuando Caesar se siente traicionado por los humanos y se rebela para liderar una espectacular carrera hacia la libertad para su especie y una impresionante confrontación con el hombre.

Todo el film está bien diagramado y no quedan muchos puntos sueltos que resolver, con buenos recursos y lejos de aburrir, El planeta de los simios (R) Evolución, resulta muy entretenida, discreta en efectos especiales y correctísima en la parte de dramatización de los primates, que por momentos resaltan detalles más que reales.

Con un elenco integrado por James Franco (nominado al Oscar mejor actor por 127 horas), Tom Felton (Draco Malfoy el villano de Harry Potter) que para no perder la costumbre interpreta a un cuidador de monos poco cariñoso, Brian Cox (La supremacía Bourne), Freida Pinto y Andy Serkis quien interpreta a Caersar, el primate líder e inteligente. Andy ha trabajado en El señor de los anillos e interpretará nuevamente a Gollum en The Hobbit: There and Back Again (2013). También desfila por la pantalla un gran actor como John Lithgow.

El Planeta de los Simios vino con bases firmes y con ideas claras de seguir adelante. Ahora sólo queda ver si la raza humana es superior a la primate o si ambas podrán convivir en la Tierra.

Vienen por el oro, vienen por todo

Basada en una historieta del mismo nombre, el film llega a la pantalla grande de la mano del director Jon Favreau (Iron Man I y 2), a quien también se lo puede ver en diferentes films (Solo para Parejas, Te amo, hermano, Iron Man, ect).

Según el mismo Favreau, el film es "un western de manual hasta la mitad, y luego lo mezclo con el tipo de películas de ciencia ficción con las que crecí". Y eso está a las claras, ya que con la estética de una verdadera película de vaqueros, Cowboys y Aliens, tiene todo lo necesario: una buena banda sonora, puesta en escena, vestuario y unos lugares privilegiados.

Aunque la fusión se complique, ya que la trama gira en torno a una invasión alienígena en Arizona en el año 1800, es así que los cowboys y los forajidos se aliarán con los apaches para combatir a esta extraña especie.

Muy distinto a lo ocurrido con Wild Wild West (1999) protagonizada por Will Smith y Salma Hayek, donde la película tenia aires futuristas, en Cowboys y Aliens los personajes deben defenderse con rifles, arco y flecha y con la única arma más poderosa robada por Daniel Craig a un alienígena.

Con referencias a clásicos como Encuentros cercanos del tercer tipo, Depredador y Alien, debemos destacar que el mismo Steven Spielberg es uno de los productores de este extraño western.

Además cuenta con un elenco formado por grandes figuras como Harrison Ford, Daniel Craig, Sam Rockwell y Olivia Wild y con guionistas como Damon Lindelof (Lost) y Roberto Orci (Star Trek). Sin lugar a dudas Cowboys y Aliens cumple con las expectativas: entretiene, no exagera con los efectos y entrega un producto que bien vale las casi dos horas y el valor de la entrada.

Un relato sobre segundas oportunidades

Con un comienzo prometedor, Tom Hanks intenta plasmar como realizador una situación muy cotidiana de los tiempos que corren: el despido de empleados capaces.

Y se toma el atrevimiento de hacerlo en una empresa emblema de los EstadosLarry CrowneUnidos, como lo son las cadenas Home Depot, que no solo se encargan de motivar a su personal, sino también de tomar gente de todas las edades.

Pero en este caso es el turno de Larry Crowne, que en vez de ser felicitado por sus logros, es despedido por no poseer estudios universitarios. Con 20 años de experiencia en la cocina militar y una hipoteca que pagar, decide seguir los consejos de sus amigos y vecinos, Lamar (Cedric The Entertainer) y B’Ella (Taraji P.Henson) e inscribirse en la universidad para comenzar una nueva vida.

Quizás algo perdido como extranjero en una Terminal de aviones, este personaje comenzará a hilar relaciones y emprendiendo toda una transformación (estética y personal), acompañado de un grupo de amigos en motonetas.

Mercedes Tainot, T-a-i-n-o-t, (Julia Roberts) será su profesora de oratoria y mientras está perdiendo su amor por la enseñanza y la paciencia por su marido, verá en Larry la perseverancia que ella ha ido extraviando.

La película se torna muy llevadera, aunque por momentos algo ingenua, pero sin lugar a dudas Tom Hanks supo elegir momentos y reparto, ya que su amigo y vecino consejero el actor Cedric The Entertainer suma mucho a la producción al igual que las pequeñas situaciones impulsadas por el profesor de economía oriental.

Larry Crowne enseña que siempre se puede empezar y eso suma mucho, pero como puntos flojos: una mudanza sin destino, una extraña relación con su compañera de aula y un primer beso con Julia Roberts que nunca sucedió.

Un héroe arrancado verde

“En un universo tan extenso como misterioso, una pequeña pero poderosa fuerza ha existido durante siglos. Protectores de la paz y la justicia ellos reciben el nombre de 'Green Lantern Corps', una hermandad de guerreros que han jurado mantener el orden intergaláctico donde cada Green Lantern lleva un anillo que le concede sus superpoderes.”

O al menos algo similar dice el anuncio de este comic de DC, llevado a la pantalla grande con aspiraciones de moverles el piso a los personajes del universo Marvel. Pero poco a poco la película pasa de verde a verde claro.

El argumento plantea un nuevo enemigo llamado Parallax que acaba con la vida de uno de los guerreros mas importantes de la hermandad y amenaza con romper el equilibrio en el universo. Un nuevo recluta, Hal Jordan (Ryan Reynolds), será el primer humano seleccionado para la hermandad de Los Lantern y quien reemplaze al guerrero caído en la lucha contra el mal.

Hal es un piloto de pruebas con talento y deberá pelear contra sus miedos y ganarse le respeto de los demás, ya que nunca antes habían seleccionado a un humano para usar el infinito poder del anillo. Linterna Verde

Con momentos propios del comic (rostros, villanos, vuelos, etc.) y otros fuera de época, el film no logra cumplir con las expectativas, quedando rezagado con films como IronMan, la resiente Capitán América e incluso el hallazgo de Kick Ass.

Linterna Verde habla de esperanza y voluntad, de retos y oportunidades, pero las puertas de esta cinta no quedaron tan abiertas para una esperanzadora segunda parte. Obviamente los números lo dirán.

Historias de vida y muerte

Un film que recorrió gran cantidad de Festivales, fue nominado al Oscar y premiado con el Globo de Oro al mejor actor en comedia: Paul Giamatti, El Mundo según Barney relata la historia de la vida políticamente incorrecta de Barney Panofsky (el siempre correcto Paul Giamatti).

Barney

Todo sucede como lo dice el título de la película, contada desde el punto de vista de Barney, el relato se extiende a lo largo de tres décadas y dos continentes y nos lleva a través de los diferentes actos de esta inusual historia personal.

La razón por la que Barney decide contar su historia en este momento - o, al menos su versión de ella - es que su enemigo acérrimo, un detective policial, acaba de publicar un libro contando detalles que desentierra los capítulos más comprometedores del pasado de Barney: los muchos y oscuros recuerdos, sus manejos empresariales que lo condujeron a su éxito, sus tres matrimonios, (todos terminados) y, lo más problemático, la misteriosa desaparición, casi sin resolver, del mejor amigo de Barney, Boogie; un posible asesinato por el cual sigue siendo el principal sospechoso y perseguido por el detective.

Hoy mientras su memoria comienza a fallar, más la mala costumbre de emborracharse locamente en momentos cruciales, Barney llevará al espectador de paseo por sus recuerdos, no sólo para explicar su vida a los demás, sino también para explicársela a sí mismo.

Esta comedia con toques de drama ofrece muchos ingredientes interesantes, como suspenso, momentos de humor, y un amor que se presenta en el momento, más o menos, oportuno en la vida del protagonista.

Además de traer consigo las tradiciones judías y un ocurrente padre interpretado por Dustin Hoffman, un policía que se encuentra viudo pero dispuesto a morir por las mujeres.

El Mundo según Barney es un film con historias de vida y muerte, que cuenta con sólido elenco y filmado en su totalidad en tres décadas, en coloridos otoños, y con la llegada del invierno como desenalce, como metaforizando la situación del Barney.

Un film ideal para la familia

Jim Carrey es quien protagoniza esta disparatada aventura basada en el texto del clásico infantil de Richard y Florence Atwater, editado por primera vez en 1938, y transformado en película Mr. Popper's Penguins.

Esta historia, que iba a contar con otro director y con el rostro de Ben Stiller, fue adaptada de un pequeño poblado, como dice el cuento, a la Gran Manzana.

Todo empieza en Brooklyn, Nueva York, donde el joven Tommy Poper sólo espera el momento en que, poniéndose de puntitas de pie, pueda alcanzar una radio de radioaficionados para hablar con su padre, que viaje por el todo mundo.

Luego se lo muestra 30 años después, cuando Tommy ya es el Sr. Poper (Jim Carrey), trabaja como promotor inmobiliario de éxito en Manhattan y se encuentra divorciado de manera amistosa con Amanda (Carla Gugino), y con dos hijos (Madeline Carroll y Maxwell Perry Cotton) a los que ve cada dos fines de semana. Lleva una vida de lujo en su moderno apartamento de Park Avenue.

Todo se ve ordenado hasta que una mañana aparece un paquete en su puerta con el último regalo de su finado padre y un exótico recuerdo de la Antártida. Es ahí cuando todo cambia en la vida del personaje y mientras se aleja cada vez más de su preciado trabajo, termina acercándose con mayor facilidad a sus hijos.

La película cuenta con ritmo, reflexión y resulta por momentos sumamente cómica, siendo ideal para reunir a toda la familia.

El dinamismo que logra su realizador, Mark Waters, logra captar la atención y la lograda actuación de Jim Carrey lo sigue ubicando entre la lista de buenos actores de Hollywood.

Los pingüinos de papá es una invasión a la privacidad de un corazón cerrado y casi inviolable, de un hombre que por la falta de presencia paterna no sabe cómo acercase a sus amados hijos.

Impresionante por donde se la mire

Este no puede ser nunca el fin de Transformers. Cuando se anunciaba que la lucha final sería en la tierra, se especulaba que saciarían con 140 minutos al espectador, para que luego pueda irse tranquilo a su casa. Pero la sensación y el resultado de esta superproducción indica lo contrario: dan ganas de salir a tomarse un recreo y volver por más.

La tercera entrega de la lucha entre los Autobots y los Decepticons comienza con una remota y bien narrada historia de la época del Presidente Kennedy, en la que un secreto se halla oculto en "el lado oscuro de la luna" y cuando la carrera espacial entre los Estados Unidos y Rusia tomaba protagonismo.

De allí proviene el nombre del film, que en este caso no cuenta con la presencia de Megan Fox e incorpora a la bella Rosie Huntington-Whitely, también da pantalla a Patrick Dempsey (Grey´s Anatomy) en un papel que resuelve correctamente.

Pero además de los rostros conocidos de las dos anteriores partes de la saga, se incorpora uno muy particular: el gran John Malkovich en el rol de un obsesivo jefe que deja su marca.

Transformers: El lado oscuro de la luna es sumamente vertiginosa (con una cámara que no para en sus permanentes travellings) y con secuencias cargada de acción y adrenalina. No hay tiempo para respiros ni parpadeos. Con toques de humor y romance, este film entrega una verdadera artillería y despliega efectos especiales sorprendentes potenciados por el 3D. Un ejemplo es el edificio que se quiebra y deja una pendiente por la que se deslizan los personajes al vacío.

Mientras la ciudad se cae a pedazos de la mano de los robots, un nuevo villano en la forma de Shockwave y la creatividad del realizador Michael Bay; la milicia y Sam Witwicky (otra vez Shia LaBeouf) tendrán que acudir en ayuda de sus amigos, los Autobots. El lugar más seguro para refugiarse es la sala de cine.

El Castor le dará una mano

Jodie Foster es la encargada de dar vida a este interesante film y como de doble vidas se trata, ella misma se sumerge en la dirección y en la actuación.

El caso de Mel Gibson es distinto y él solo interpreta a Walter Black, pero de manera correctísima y creíble, en esta fábula donde el foco de la cámara se sitúa en la familia Black y su montaña rusa de sensaciones.

La película comienza con un Walter Black en declive, donde pasa de ser un exitoso ejecutivo de juguetes y hombre de familia, a un hombre atormentado por sus propios demonios que llega a sumergirse en una profunda depresión.

Los motivos de la depresión pueden ser mucho, pero lo importante es como intenta salir de ella, ya que luego de intentar quitarse la vida, termina oprimido por la tv y hablando con un títere de castor que promete sacarlo de ese atormentado estado.

Si bien esto puede parecer una locura, el castor le devolverá con su compañía inseparable la confianza para afrontar los vestigios de una vida totalmente en ruinas.

La historia es mucho más que una comedia o un drama, habla del lugar en el cual el ser humano se sitúa para enfrentar el día a día. Quizás detrás de una sonrisa, una personalidad sociable, una máscara, un acto ermitaño o un muñeco que habla por uno.

Foster busca captar la atención y la reflexión del espectador, y logra hacerlo. ¿Es posible amar a alguien distinto, que busca recuperar su familia desde la locura?

La respuesta quedará en cada asiento del cine, pero lo que sí deja claro es que la película moviliza y se fortifica con los planos, la música y las buenas actuaciones de todos, incluyendo al castor.

Con un reparto bien seleccionado, Anton Yelchin interpretando a Porter, un hijo que desea no parecerse a su padre, Jennifer Lawrence la actriz de Lazos de sangre (Winter’s Bone, 2010) que intenta recluirse en la belleza y el estudio, para dejar atrás un triste suceso y Riley Thomas Stewart como el hijo menor que aprende a aceptar a su padre tal cual es, con castor incluido.

Jodie Foster luego de su última realización, Feriados de familia (Home for the Holidays, 1995), regresa a filmar sobre la familia, pero esta vez bucear en aguas aún más profundas, para dar como resultado un film que merece ser visto e interpretado.

Un duro regreso a casa

Retornos narra la historia de un hombre que regresa a su pueblo natal, tras haber escapado de forma abrupta diez años antes.

El motivo de su vuelta al pueblo es la repentina noticia de la muerte de su padre. Enfrentado a un pasado caracterizado por la tragedia y la disfunción familiar, su llegada al lugar se antoja de lo más difícil, debiendo lidiar no sólo con sus allegados, sino con un posible asesinato en el que él, involuntariamente, se ha convertido en uno de los principales involucrados.

La película de Luis Avilés entretiene y cuenta con las caracterizaciones costumbristas de un lugar en las afueras de Galicia. El film habla de la vuelta a un sitio donde todos saben de todos, pero pocos quieren contarlo.

De esta manera, con guión propio, el realizador entremezcla una novela policial, una historia de amor paternal y una relación de familia entre dos hermanos que encierra odio y resentimiento.

Sin lugar a duda, Retornos, cuenta con una cuidada ambientación, una buena historia y actuaciones creíbles.

Encuentros y desencuentros amorosos

Una combinación extraña llega a la pantalla grande de las salas nacionales, donde las buenas interpretaciones sostienen una historia que baraja el presente y el flashback con una cámara que remite al cine independiente. Blue Valentine

La historia es de amor? Si, es de amor, pero un amor que se desquebraja y el único sostén e hilo conductor de esta pareja es su amada hija.

El argumento de Blue Valentine es el recorrido de las angustias que afronta esta pareja a través del tiempo. El relato aparece articulado con situaciones del pasado y de un presente incierto y menos rosa.

El deterioro de esta relación y las exigencias de la vida cotidiana han transformado a Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams, nominada al Oscar en el rubro mejor actriz), un matrimonio que ahora intenta encontrar a su perro perdido y cumplir con el amor de su pequeña hija.

Los seis años de esta pareja se verán barajando de tal manera que el espectador se inquiete e intente ver cómo se conocieron y cómo será el resultado final de estas dos personas que han madurado de maneras muy distintas y aún no saben si lo que queda es o no amor.

Para ser más claro, Blue Valentine no es una típica historia con el clásico final feliz. Por el contrario, es un relato que el espectador lo padece, al igual que los protagonistas.

El adorable seductor

El realizador Pascal Chaumeil, quien trabajó como ayudante de dirección en Juana de Arco, El Quinto Elemento y El Perfecto asesino, toma el timón y lleva adelante esta comedia romántica con toques de espionaje.

Alex (Duris) es un irresistible y encantador profesional dispuesto a todo para interrumpir un casamiento. En pocas semanas y por honorarios acordes a su reputación, promete transformar a cualquier marido, novio o prometido en un ex, mediantes trampas, intervención de teléfonos, identidades falsas, frases inquebrantables y lágrimas de cocodrilo. Cualquier cosa sirve para cumplir el contrato.

Juliette (Paradis) será la joven víctima, heredera de una gran fortuna, apasionada por la música de George Micheal y la película Dirty Dancing. En diez días, se casará con el hombre de sus sueños (Andrew Lincoln) con la absoluta desaprobación paterna. Y Alex debe impedirlo…

La cinta tiene momentos de alto vuelo y situaciones inteligentes que la alejan de las comedias comunes. Más el agregado de un simpático reparto (La hermana de Alex y su cuñado) y la persecución de unos implacables acreedores hasta el desenlace.

El espectador paseará por las arenas del desierto, pasando por hermosas calles parisinas, y hasta la lujosa ciudad de Mónaco, donde el protagonista descubrirá “en carne propia” que, cuando de amor se trata, el plan perfecto no existe y hasta el más profesional puede enamorarse.

Este dedo vive

La historia transcurre en 1983, con el regreso de la democracia, y relata hasta dónde pueden llegar los habitantes de un pueblo, guiados por un dedo índice que reposa en un frasco de almacén.

El dedo índice del soltero más codiciado del lugar es la excusa perfecta para desentrañar un asesinato; renovar la fe de los escépticos; doblegar al intendente en las elecciones locales; revivir historias de amor y agitar al tranquilo pueblo de Cerro Colorado.

Este film cuenta con todos los ingredientes para entretener al espectador y lo hace con mucho mérito, ya que el ingenio del realizador Sergio Teubal va sorprendiendo a cada instante y transforma la cotidianeidad de un pueblo en algo tierno y humorístico.

El Dedo

Cabe destacar que no se trata de una comedia convencional, pero El Dedo apunta con profunda sutileza al corazón de todos los argentinos que se verán reflejados en ese pequeño poblado.

El espectador verá a quien, lejos de su tierra, se siente cómodo y echa raíces; a aquel que trata de bordear la ley para su conveniencia o el simple hombre que por causas de la vida se ve inmerso en el medio de una guerra política.

El Dedo no está solo en esta historia y cuenta con un elenco de lujo: Fabián Vena, Gabriel Goity, Martin Seefeld, Mariana Briski, Mara Santucho y Roly Serrano, entre otros.

Detalle adicional:

El DEDO ganó el premio a Mejor Opera Prima en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara en su edición de 2011 y ya esta comprometida para la Competencia del Festival Internacional de Cine de Montreal y de Valladolid (SEMINCI).

Caídos por error

El realizador Doug Liman, el mismo de El caso Bourne (2002) y Sr. y Sra. Smith (2005) se pone a cargo de una historia que mezcla la realidad y la ficción.

Este thriller reúne a dos figuras importantes: una, Naomi Watts como Valerie Plame, una oficial secreta de la División de Anti-proliferación de la CIA y quien dirige una investigación sobre la existencia de armas de destrucción masiva en Iraq. Y otra, Sean Penn, su marido y ex diplomático Joe Wilson. Ambos se verán arrastrados en una investigación para confirmar una venta de uranio enriquecido por parte de Nigeria.

Claro está que todo comenzará a enredarse más de lo debido cuando la administración de la Casa Blanca ignore sus conclusiones y utilice el tema para respaldar la entrada de Estados Unidos a la guerra de Iraq.

Y aunque Joe escriba un editorial explicando sus conclusiones e iniciando una encendida polémica, nada servirá para parar una avalancha de acusaciones que terminarán revelando el estatus de agente secreto de Valerie en los periódicos y empujándolos a situaciones límites.

La película que se maneja de manera prudente y, como una gran crítica al gobierno de George Bush, entusiasma por su real argumento, pero deja mucho de lado el suspenso y los toques propios de cine de género.

Si bien se destacan las correctas actuaciones de ambos intérpretes y los sólidos papeles que llevan adelante, el film se encamina hacia un público amante de las historias políticas y sociales. Y es muy razonable que muchos ya no recuerden el caso de esta espía que se enfrento con su verdad al gobierno de los Estados Unidos.

Entre un mix de discursos oficiales, grabaciones sacadas de la realidad y con un final encarnado por la verdadera protagonista, Poder que Mata cumple con su objetivo y esclarece un desastre que se pudo haber evitado y salvado muchas vidas.

La verdad desnuda

El realizador Brad Furman, un novato en materia de cine, se cargó una exigente película y no muy fácil de llevar, con un resultado austero. La historia ronda en Mick Haller (Matthew McConaughey) un abogado penal de Los Angeles que tiene su oficina en la parte trasera de su Lincoln Continental Sedan. Pasa su carrera defendiendo criminales de poca CULPABLE O INOCENTEmonta cuando, inesperadamente, le llega el caso de su vida: defender a un rico empresario inmobiliario de Beverly Hills (Ryan Philippe), acusado de intento de violación.

Una película con muchas piezas sueltas que cuando comienzan a ordenarse, el director se encarga de volver a desordenarlas y seguir confundiendo al espectador, sin saber cuál será el resultado final de este traumático relato.

El film cuenta con un gran reparto: Marisa Tomei, en el papel de la ex mujer de Haller; Frances Fisher, como la madre del joven acusado; William H. Macy, Bob Gunton y John Leguizamo, entre otros.

Enanitos de jardín en conflicto

El clásico cuento de Shakespeare sufre un cambio extravagante y estrafalario, llevado a la pantalla grande en formato de comedia animada por Kelly Asbury (Shrek 2), y ahora llamado Gnomeo & Julieta.

El argumento se basa, al igual que la obra literaria, en la rivalidad de dos familias, pero claro, esta vez de gnomos rojos y azules. Y los cuales, en similitud a Toy Story, se deben quedar inmutables cuando llega alguien ajeno al clan.

La historia resulta entretenida de comienzo a fin, entre vecinos odiosos, un flamenco parlanchín, alucinantes carreras de cortadoras de césped y encuentros románticos con preparativos sin igual.

Todo está acompañado con los clásicos y nuevos temas de Elton John (uno de los gnomos se le asemeja), y el film cuenta con las voces de James McAvoy (Expiación, Deseo y Pecado) y Emily Blunt (El Diablo se Viste a la Moda) como Gnomeo y Julieta, quienes tendrán un sinfín de obstáculos por superar cuando quedan atrapados en una contienda entre vecinos. Y más cuando a Gnomeo el propio Shakespeare (estatua) le vaticine el triste final de la historia.

También prestan sus voces el dos veces ganador del Premio de la Academia, Michael Caine, como Lord Redbrick, padre de Julieta; Jason Statham como Tybalt, némesis de Gnomeo, Maggie Smith (de los films de Harry Potter) como Lady Bluebury y Patrick Stewart.

Gnomeo y Julieta es una buena propuesta para toda la familia, divertida, vertiginosa y muy romántica, pero por sobre todo la mejor manera de acercar un clásico de la literatura (con sus variantes) a los más pequeños.

Nunca es tarde para aprender

El encargado de llevar a la pantalla esta tierna historia es Jean Becker, quien viene de familia de directores y supo plasmar esta novela homónima de Marie-Sabine Roger.

La película nos proyecta uno de esos encuentros improbables que pueden cambiar una vida, o como en este caso, mucho más que una.

En un parque se encuentran Germain (un correctísimo Gérard Depardieu), de algo más de cincuenta años y casi analfabeto, y Margueritte (interpretado magistralmente por Giséle Casadesus), una frágil anciana apasionada por la lectura. Estos dos actores se unirán en un banco de plaza situado frente a las palomas. Desde ese instante, todas las diferencias que los dividen, los unirán.

Margueritte empieza a leerle extractos de novelas, haciéndole descubrir tarde tras tarde la magia de la lectura y de los libros, mundo del que Germain se creía excluido. Esta trama simple está plagada de momentos emotivos y resulta sumamente conmovedora y divertida.

Mientras Germain va descubriendo un nuevo mundo que le abre posibilidades y lo llena de satisfacción, también le brinda la facultad de limar asperezas con una madre que solo supo dejarle marcas de dolor e inseguridad.

Mis Tarde con Margueritte es sin lugar a duda una joyita del cine que proviene de tierras francesas como lo fue Séraphine el año pasado. Con una gran intensidad dramática, el film muestra el descubrimiento del amor, la lectura y la ternura en cualquier momento de nuestras vidas.

Ese anillo carcelero

Un relato simple que comienza durante la juventud de Danny (Adam Sandler), quien luego de un fuerte desamor, decide tomar otro rumbo para su tímida vida amorosa.

Ahora Danny es un reconocido cirujano plástico que finge estar casado y que dice estar pasando a la vez por un tormentoso momento en su relación para ganarse la compasión de bellas mujeres, cosa que le resulta a la perfección, para poder conquistarlas.

Pero como toda comedia, la trama debe complicarse: la llegada de una hermosa muchacha mucho más joven que él, empezará a dominar su corazón.

La bella Palmer (Brooklyn Decker), una joven profesora de primaria, quiere asegurarse que el relato de Danny es real. Y es entonces cuando Danny recurre a su secretaria, Katherine (Jennifer Aniston), para contribuír al enredo con sus dos hijos en un delirante viaje a Hawaii.

El realizador Dennis Dugan es el mismo de Un Papá Genial, Son Como Niños y Los declaro marido y marido, entre otros títulos con Sandler, y marca de este modo su inclinación fetiche por el actor.

El film acierta más que Son como niños y continúa con la comedia familiar alimentada por buenos personajes secundarios que hacen llevaderos los 116 minutos de metraje. Con enredos eficaces, ritmo y con unos niños simpáticos que hasta negocian su participación en el juego de roles.

A diferencia de otros trabajos, Jennifer Aniston se mueve con soltura en su papel y Sandler aporta su acostumbrado carisma, pero no ocurre lo mismo con el "cameo" de Nicole Kidman, quien no termina de sacarle brillo a su personaje.

La Gran Pérdida

La historia gira en torno a Allen Brewer (Pierce Brosnan) y su esposa Grace (Susan Sarandon), quienes están tratando de sobreponerse al peor golpe que puede tener una familia, la pérdida de su hijo.

Bennett (Aaron Johnson) es el hijo mayor de la familia Brewer y tras un fatal accidente automovilístico, pondrá a prueba al resto de su familia.

La aparición de la novia del muchacho, Rose, interpretada por la siempre correcta Carey Mulligan,(Wall Street 2: El dinero nunca duerme), una joven que los contacta para contarles que está esperando un hijo de Bennett.

EL MEJOR

La película narra perfectamente las situaciones por las cuales puede pasar una familia al perder un hijo, desde el infinito dolor, pasando por el descuido del resto de la familia, hasta poner en la balanza quien extraña más al hijo desaparecido.

Todos estos momentos están muy bien interpretados, no solo por Susan Sarandon, sino también por un firme Brosnan que se sitúa en el lugar de padre de familia e intenta mantener el barco sin que viaje a la deriva.

Prueba de Amor es una historia íntima, de puertas adentros, en donde las familias tocadas por esta desgracia se sentirán muy identificadas por estos padres y este hermano menor que busca ubicarse en un nuevo rol, donde como dice el título original del film, su hermano era El Mejor.

Escatológicamente correcto

Torrente 4 es la continuación de una interminable saga que tuvo buenas y no tantas. La tercera de ellas pasó directo al DVD y seguramente con el posible éxito de esta cuarta logrará ventas potenciales.

En esta oportunidad, José Luis Torrente se ve sorprendido por la crisis europea y debe revolver basura en busca de comida mientras es amenazado por un grupo de niños con navajas que quieren comer del mismo tacho.

Recordemos que Pepe Torrente es xenofóbico, racista, engreído y homofóbico, entre otras cosa, y lo deja bien en claro en cada párrafo, en especial el que le dedica a la tumba de El Fary, diciéndole: “Todo va fatal. Los socialistas nos han llevado a la ruina. Los homosexuales pueden casarse. Y hay un negro en La Casa Blanca, pero no de limpiador, de presidente! Lo único es que España ganó el Mundial, pero eso tampoco es tan bueno, porque medio equipo era del Barça”.

Mientras la situación empeora en la vida de Torrente, un viejo amigo le ofrece un trabajo sencillo que podría sacarlo del pozo financiero. Pero no queda muy claro si su intención es ayudarlo o tenderle una trampa.

Entre engaños, mujeres desprovistas de ropas, cárceles y muchos cameos (David Bisbal, Kun Agüero, etc.) la película posee buena producción y ritmo, aunque es necesaria verla sin prejuicios morales para poder disfrutarla al estilo Segura.

Pase libre a la diversión

Pase Libre es el buen resultado de muchas películas que lo intentaron y no lo lograron, como Solo para Parejas y Son Como Niños, en donde las historia ponen a prueba a los adultos y loc colocan en un lugar de liberación de las obligaciones y de la rutinas.

Pase Libre

La historia comienza con una apacible toma de la casa de Rick y señora, donde se lo ve melancólico observando las fotos de su juventud. Mientras, la convincente Jenna Fischer hace las tareas domesticas.

La realidad que vincula a estos amigos, Rick (Owen Wilson) y Fred (Jason Sudeikis), es que luego de estar casados por muchos años, sienten que las relaciones amorosas han perdido protagonismo y el calor de hogar ha enfriado el terreno sexual.

Cuando la pareja comienza a mostrar signos de contrariedades en sus casas, las esposas (Jenna Fischer y Christina Applegate) realizan un audaz planteo para revitalizar sus matrimonios dándoles un PASE LIBRE: una semana de libertad para hacer lo que ellos quieran, sin hacer preguntas.

Si bien al principio, suena como un sueño hecho realidad para Rick y Fred, luego descubrirán que sus expectativas de la vida de solteros no tenían mucho que ver con la realidad.

La película cuenta con muy buen ritmo y con diálogos reales, aunque sobre el final ocurran situaciones catastróficas, nada es demasiado exagerado y convencerá al espectador.

Enredos, locura, vínculos peligrosos y reflexión son los condimentos predominantes en este film que seguramente será bien recibido por el público mayor de treinta, que mirará con otros ojos los tiempos de adolescencia.

Entre mentiras y espionaje

El realizador de cintas como Cuando llama un extraño, La hija del general, con John Travolta, Con Air, con Nicolas Cage o "Lara Croft: Tomb Raider", con Angelina Jolie, el británico Simon West, presenta esta remake plagada engaños y muertes.

Jason Statham (El Transportador, Los Indestructibles) interpreta el personaje que en su momento encarnó Charles Bronson en Fríamente… sin motivos personales (The Mechanic, 1972), metiéndose en la piel de Arthur Bishop, un asesino a sueldo solitario y letal con un estricto código de honor y talento.

Cuando una agencia del Gobierno de Estados Unidos contrata al "mecánico" para que elimine a un espía renegado o a un empresario corrupto, pueden dormir tranquilos sabiendo que la muerte parecerá un trágico accidente o producida por causas naturales. Ben Foster

El film comienza en Colombia con un primer crimen y desde allí a Nueva Orleans pasando por varios sitios de los Estados Unidos de América.

La historia toma buen condimento con el agregado de Ben Foster (Bajo Amenaza) interpretando al joven hijo de uno de los trabajos asesinos del mecánico. Ben quien suele realizar papeles problemáticos, suma mucho al relato con una interpretación creíble.

El Mecánico cuenta con menos ritmo que otros films de Jason, pero sí tiene una buena banda de sonido y una historia concreta que atrapa hasta el final, resultando un producto muy recomendable.

Este arreglador de problemas tendrá que enfrentarse no sólo con los demás mecánicos que desean eliminarlos, sino también cuidarse de su nuevo socio. Entre crímenes, mentiras, espionajes y traiciones la película sale sin heridas y es ideal para un público sin demasiadas exigencias de diálogos e interpretaciones.

El reconocido realizador Dominic Sena, el mismo de Kalifornia, Swordfish o 60 Segundos y para nombrar un film con el mismo protagonista (Cage), trae una historia de aventura, valentía y toques fantásticos.

Como anteriormente se citaba, el protagonista es el ganador del premio Oscar, Nicolas Cage, un heroico soldado de las cruzadas y su mejor amigo (Ron Perlman de Hellboy), que regresan a casa luego de décadas de intensa lucha, sólo para descubrir que su mundo ha sido destruido por una peste. Cacería de Brujas

Pero al llegar son acusados de desertores y para librarse de la horca, deberán llevar a un tribunal eclesiástico a una joven sospechada de ser la bruja causante de la gran peste negra.

Los ancianos de la iglesia, convencidos de que la joven acusada es la responsable de dicha devastación, encomienda a ambos el transporte de la extraña chica a un remoto monasterio donde los monjes realizaran un antiguo ritual para librar a la tierra de su maldición.

La cinta, lejos de parecerse a Salomon Kane: Cazador de Demonios, donde predominaba los logrados efectos, la excelente banda sonora y unas creíbles interpretaciones, sólo tiene un prometedor comienzo y luego va desinflándose con el paso de los minutos.

Sin lugar a dudas, esta última película de Dominic Sena es para ver sin demasiadas pretensiones y esperar que la próxima sea mejor, al igual que para Cage que suele pasar de films como El ladrón de orquídeas, Un maldito policía en Nueva Orleans o Adiós a Las Vegas a cintas menos comprometidas como El Aprendiz de Brujo o su más reciente, Infierno al Volante 3D.

Como narra el argumento, será un viaje plagado de obstáculos que los llevará a un lugar místico donde las fuerzas de la oscuridad los esperan, esperamos que no le suceda lo mismo el film y pueda encontrar la luz de los espectadores.

El Doctor que cura

Este thriller sobrenatural apadrinado por Alejandro Amenábar, director de Los Otros y Ágora, cuenta la historia de Diego, un médico acostumbrado a manejar situaciones límites en un servicio de emergencia.

Diego, que con el tiempo ha logrado inmunizarse ante el dolor ajeno, luego de sufrir una situación dramática con una de sus pacientes, llamada Sara (papel interpretado por Angie Cepeda) y su pareja, provocará que raros sucesos comiencen a sucederle.

El relato protagonizado por Belén Rueda, la actriz recientemente vista en Los ojos de Julia y Eduardo Noriega (quien trabajara con Pablo Echarri en El Método) narran una extraña historia donde se entremezclan las situaciones normales, pero dramáticas de los hospitales con actos fantásticos de salvación.

La cinta seduce por lo atractivo de su narración, se sostiene muy bien por las actuaciones de los actores partícipes, además de la originalidad del guión.

El Mal Ajeno fue dirigida por el realizador Óskar Santos, quien logró acercar aun más el dolor de los pacientes a quienes la vean y en especial a todos aquellos que trabajan con el mal ajeno.

No hay tiempo suficiente para amar

El realizador Mark Romanek, quien pusiera en un difícil papel a Robin Williams en Retrato de una Obsesión, y luego de trabajar con Brian De Palma, David Siegel y de dirigir video clips de David Bowie, Coldplay, Janet Jackson y Michael Jackson, entre otos, vuelve con una historia que intenta llegar al corazón del espectador.

La cinta cuenta. a través de tres estadíos. cómo tres pequeños pasan su infancia en un internado británico, aparentemente perfecto, pero sabiendo que son seres clonados y que un día deberán donar sus cuerpos para ser utilizados por humanos receptores en futuras intervenciones de trasplantes de órganos.

La cinta cuenta con muy buenas interpretaciones tanto de parte Andrew Garfield (Red Social y futuro Spiderman), como de Keira Knightley (Orgullo y Prejuicio y Piratas del Caribe) al igual que la siempre correcta Carey Mulligan (Wall Street 2: El dinero nunca duerme y próximamente se la vera en Prueba de amor), quien fue nominada como mejor actriz en la última entrega de los Oscar por este papel y segunda consecutiva ya que en 2010 lo estuvo por Enseñanza de Vida. Entre otros, la película cuenta con un reparto compuesto por Charlotte Rampling y Sally Hawkins. Nunca me Abandones

El relato cuenta con una buena banda sonora, un destacado maquillaje que los rejuvenece diez años y con una joven actriz que representa a Carey en su niñez de una manera casi calcada.

Con una combinación de historia de amor y carga filosófica, la trama deja en claro que los jóvenes en el mejor momento de sus vidas deben entregarse en beneficio de quienes fueron creados.

Este Programa Nacional de Donación no les deja opción y colaboran con la causa.

El argumento, basado en la novela homónima del británico de origen japonés Kazuo Ishiguro (Premio Man Booker con Lo que queda del día), no es fácil de digerir, deja un sabor amargo e impulsa al espectador a preguntarse: ¿Matarías a otro ser semejante para salvar tu vida?. O, como dice una de las protagonistas mientras acaricia el rostro de Kathy (Carey Mulligan ), sabiendo que lejos de escapar o sublevarse (como en La Isla) esperan pacientes el llamado de la muerte.

El film es una hermosa y triste melodía como la que se repite en un viejo cassette durante la película (Never Let Me Go de Rachel Portman) que invade y seduce pero a la vez acongoja.

En la profundidad del mar

“La verdad no es lo que sabes, es lo que crees”, es el lema de la nueva película del director Ganador del Oscar, Neil Jordan. El realizador de El Juego de las Lágrimas y Entrevista con el Vampiro, vuelve con lo que pretende ser un cuento de hadas moderno.


El film narra los días de Syracuse (interpretado por Colin Farrell, Miami Vice), el pescador de un poblado cuya vida se transformada por una hermosa y misteriosa mujer (Alicja Bachleda) a quien rescata del mar. El papel de Farrell tiene varias aristas, es un ex alcohólico, su mujer sigue bebiendo, una hija con problemas motrices y se relaciona con su consejero fiel, un párroco del lugar.

Annie (Alison Barry), la hija de Syracuse, cree que la misteriosa mujer es una criatura mágica que vino para traerles amor y tranquilidad a sus vidas, pero esto le sucede con suerte (mucha) al espectador, ya que la fantasía que genera resulta poco creíble.

Esta película prometía ser una historia de amor, fe y esperanza. El objetivo se cumple a medias y entrega una historia con ciertos matices de ternura. Ondine (título original que significa "la mujer que viene del agua") tiene una cuidada fotografía, música envolvente y una cámara que sigue constantemente al protagonista. Sin lugar a dudas, las mejores actuaciones recaen en los personajes secundarios, como el cura y la hija.

Un realizador notable que ahora trae entre manos un film destinado a sumergirse en las profundidades.

Cómo sobrevivir en la televisión

El reconocido realizador sudafricano Roger Michell (Un Lugar llamado Notting Hill) pone en sus hombros esta comedia romántica que narra la vida profesional y sentimental de la responsable y eficiente productora de televisión, Becky Fuller (Rachel McAdams de Sherlock Holmes, 2010) y cómo se desmorona su mundo cuando es despedida de su cargo como productora de una cadena local.

Un Despertar Glorioso

Pero lo más interesante resulta su nuevo empleo en el programa "Daybreak" (un noticiero matutino con menor rating) que ella se propone sacarlo a flote contratando al legendario conductor Mike Pomeroy (Harrison Ford). Quién deberá amalgamarse con su opuesto en el rubro televisivo, una ex reina de belleza convertida en una personalidad de los noticieros matutinos, Colleen Peck (Diane Keaton).

Es obvio que las cosas no están preparadas para salir del todo bien, pero la realidad es que en estos casos el temple y el carisma serán los vencedores de esta lucha de egos.

La cinta tiene elementos de El Diablo se Viste a la Moda y de Secretaria Ejecutiva, conserva su atractivol, pero podría haber mejorado sus diálogos..

Con dos grandes en pantalla como Ford y Keaton realizando los papeles estelares, Un Despertar Glorioso, es un film para aquellos que no les interese analizar la televisión por su contenido, sino para los que busquen una historia en la que el trabajo aleja a las personas.

Big Momma está de vuelta, pero en esta ocasión cuenta con una gran ayuda: Trent, su hijastro adolescente que sueña con ser rapero y necesita la firma de un adulto para su contrato discográfico.

Martin Lawrence (quien junto a Will Smith realizaro las entregas de Bad Boys y efectuó la versión norteamericana de Un Funeral de Muerte 2010) regresa como el agente del FBI Malcolm Turner en esta tercera entrega de la súper agente secreta Big Momma, donde se combina humor, acción y los consejos sabios de una señora entrada en años y kilos.

A Turner se le une Trent (Brandon T. Jackson) y se hacen pasar por agentes secretos en una escuela de arte exclusiva para mujeres, después de que Trent es testigo de un asesinato.

Convirtiéndose en Big Momma y la robusta colegiala Charmaine, deberán encontrar al asesino antes de que él los encuentre a ellos.

Si bien los hombres disfrazados de mujeres están muy visto en el cine tanto de la mano de Eddie Murphy, John Travolta o Robin Williams, el tema del detective en un mundo de mujeres que ya es un trillado asunto de los estudios cinematográficos (Donde están las Rubias o el mismísimo Tommy Lee Jones con El hombre de la casa).

Pero cabe reconocer que Big Momma también es pionera en este mundo del camuflaje, ya que en el año 2000 se lanzó la primera entrega de esta saga con gran éxito.

Mi Abuela es un Peligro 3 es una cinta familiar, con menos ritmo que las anteriores, pero con un encuadre sano. Quizás le juegue en contra que la historia se disipe demasiado en el amorío de Trent y no tanto en las andanzas de Big M.

En la tercera entrega estos detectives por partida doble salen ilesos y sin heridas graves, pero es para un público que busca una película sin demasiadas exigencias.

Horas desesperadas

El film muestra hasta qué punto puede llegar una persona para sobrevivir. El relato está basado en un caso real, la historia de Aron Ralston, un alpinista acostumbrado a recorrer El Gran Cañón Blue John.

La película comienza con el recurso de la pantalla dividida, muestra la vida frenética y los carteles de salones, íconos de comida rápida en los Estados Unidos.

Dirigida por Danny Boyle (el mismo de Tumba al ras de la tierra, Trainspotting y ganador del Oscar por ¿Quién quiere ser millonario?), esta realización se aproxima a la exitosa Enterrado por las sensaciones que provoca.

El protagonista, interpretado por un convincente James Franco (Comer, Rezar, Amar), debe valerse en su agotadora aventura sólo con los elementos que lleva en su mochila. Y es así como Aron Ralston debe ingeniárselas para salir de la trampa mortal que le tiende la naturaleza. Recordemos que en la vida real, Aron, quedó atrapado accidentalmente por una roca y luego de 127 horas, decidió cortarse parte del brazo para poder salvar su vida.

El film atrapa y conmociona al espectador, ya que a lo largo de las extensas horas de desgaste físico y mental, el personaje atraviesa alucinaciones, arrepentimientos, deseos y recuerdos de su familia. Más el agregado de un obstinado cuervo que lo visita a diario.

127 Horas fue presentada en el Festival Internacional de Toronto y resultó aplaudida por los críticos y comentaristas del séptimo arte, pero provocó también el desmayo de tres periodistas y varias personas en estado de shock. (¿Parte de la campaña?).

Danny Boyle sigue demostrando que puede causar diferentes reacciones en el público. 127 Horas moviliza e impresiona, pero también reflexiona sobre el valor de la vida y la importancia de los seres amados.

En el mismo ángulo del cuadrilátero

“Están haciendo una película sobre mí” afirma con mucho humor Dicky Eklund, interpretado excelentemente por Christian Bale (en este film con un aspecto más cercano al de El Maquinista que al de Batman), mientras camina orgulloso por las calles de su ciudad junto a su hermanastro Micky Ward “El Irlandés” (Mark Wahlberg, Desde mi Cielo, 2010).

El Ganador

Si bien Dicky es la joyita de la familia por haber derribado en el ring a Sugar Ray Leonard, al principio se lo muestra atravesando momentos difíciles, y deberá tocar fondo para comenzar a reconstruir nuevamente su vida y recuperar el respeto y la dignidad que destruyó con la droga.

Por otro lado, Micky intenta ser el boxeador de la familia, pero las cosas no le resultan como espera con el manejo de su agente, Alice (Melissa Leo), que es además su madre. Y buscará la ayuda de otro representante, un oficial de policía y el sostén emocional de su novia, Charlene (Amy Adams).

El director supo narrar esta apasionante historia (que tarda en explotar) y se toma el tiempo necesario para mostrar todo el peso familiar que recae sobre los hombros de estos dos hermanos cuyos caminos, aunque con dos luchas distintas, los encontrará sobre el mismo ángulo del cuadrilátero.

Un film sin tartamudez

Nominada a 12 premios de la Academia, la película de Tom Hooper sorprende por su pequeña pero a la vez intensa historia que profundiza en un vínculo establecido en el seno del poder de Inglaterra.

Después de la muerte de su padre, el rey Jorge V (Michael Gambon) y la escandalosa abdicación de su hermano, el rey Eduardo VIII (Guy Pearce), Bertie (Colin Firth) se ve súbitamente coronado como Jorge VI de Inglaterra. Su esposa Elizabeth (una magistral Helena Bonham Carter) le arregla un encuentro con un excéntrico terapeuta del lenguaje, Lionel Logue (Geoffrey Rush), un actor australiano frustrado que utiliza técnicas muy poco convencionales. Después de un tratamiento poco ortodoxo, ambos llegarán a desarrollar un vínculo indestructible.

Con el apoyo de su familia, del gobierno y de Winston Churchill (Timothy Spall), el rey superará su tartamudez y pronunciará un discurso radial memorable que inspirará a su pueblo para mantenerse unido ante la batalla. Basada en la verdadera historia del Rey Jorge VI, El discurso del rey se centra en las búsquedas de un monarca que encontró su propia voz.

Tom Hooper cuenta una historia que no tiene desperdicio, con un guión sumamente atractivo y una puesta en escena más que correcta, para ir narrando esta legítima leyenda. Luego de su paso por Un Hombre Solo (A single Man), Colin Firth esta preparado para oscarizarse con una interpretación memorable. Su transformación irá pasando por el habla, la postura, la mirada y la seguridad personal.

Entre el polvo y las estrellas

No es rara la llegada de un western y menos de la mano de los hermanos Coen, quienes proponen una remake del film protagonizado por John Wayne en 1969. Pero está claro que no son los únicos en desempolvar el género, ya que el mismo Tarantino comentó que está preparando un film con pistoleros y también se viene la realización de El llanero Solitario, con Johnny Depp en el papel de Toro.

Temple de Acero tiene todo lo que debe tener un western: una historia de venganza, los perseguidos, las calles polvorientas, el Marshall y la dosis justa de melancolía para dejar un sabor triunfal y amargo sobre el final.

La historia gira en torno a Mattie Ross, una niña de once años con la determinación de un buey para encontrar al asesino de su padre, Tom Chaney (interpretado por Josh Brolin, quien ya había trabajado con los hermanos en Sin Lugar para los Débiles). Ella necesita la ayuda de un Mariscal de los Estados Unidos que sea fuerte y de carácter rudo para poder encontrar a Chaney y a su banda.

Es así que conoce a Reuben J. Cogburn (el siempre correcto y oscarizado Jeff Bridges), un borracho sin mucha voluntad y con mal genio que la acompañara en su cacería. Ambos parten tras los pasos del criminal y se les unirá un Texas Ranger, llamado LaBoeuf (Matt Damon) que también persigue a Chaney pero con otra finalidad.

Este trío desparejo encontrará peligros y sorpresas a cada paso de su travesía y deberá demostrar si son lo suficientemente valientes para lograr su cometido.

Los realizadores Joel y Ethan Coen, con el aporte en la producción ejecutiva de Steven Spielberg, revitalizaron el género, le dieron nuevos bríos y colocaron a los personajes en el ojo de la tormenta.

“Los malvados huyen cuando nadie los persigue”, asegura el sheriff en el ocaso de su carrera y con una cabalgata final (rodeado de estrellas y tratando de salvar a la pequeña del relato) que quedará en la retina de muchos espectadores. Un buen homenaje de Bridges a un grande como John Wayne, aún hoy uno de los actores preferidos y más recordados de los Estados Unidos.

Nominada a 10 premios de la Academia, incluyendo el de "mejor película".

Comedia romántica de Edward Zwick, el mismo de El Último Samurai, que está basada en el libro de Jamie Reidy, en el que un joven representante de ventas de la farmacéutica lleva al mercado el medicamento conocido como Viagra.

Maggie, interpretada por la bella y correcta Hathaway (El Diablo se Viste a la Moda, Alicia en el País de las Maravillas) es una chica de espíritu libre que no deja que nada ni nadie se interponga en su camino, incluyendo un terrible reto personal: el Parkinson.

Aunque todo cambiará cuando reconoce a su igual en Jamie Randell, encarnado por Gyllenhaal, (Principe de Persia), cuyo especial encanto lo vuelve infalible tanto con las mujeres como en el competitivo mundo de las ventas.

Si bien la cinta posee todos los ingredientes para una real comedia, el espíritu de Zwick se hace notar y muestra el brutal mundo de las droguerías y los hospitales. La historia se aproxima cada vez más al drama, con un punto real: la degeneración de los pacientes con dicha enfermedad. Quizás el film recuerda a Todo Por Amor, con Julia Roberts o incluso My Name is Sam, con Sean Penn, donde el mismo Edward Zwick fue productor.

Como si fuera un cóctel de emociones, con una buena dupla interpretativa y un reparto sólido, De Amor y otras Adicciones sensibiliza, no pasa desapercibida y deja un balance positivo.

Vertiginoso thriller de Tony Scott

Los estudio 20th Fox traen a la pantalla grande una propuesta del mismo director de Top Gun (1986), Días de Trueno (1990) y El último boy scout (1991). El realizador Tony Scott llega con un nuevo thriller y con Denzel Washington como protagonista.

La trama de Unstoppable, que esta inspirado en hechos reales, cuenta las a sañas de un ingeniero con experiencia (Washington) y un joven maquinista (Chris Pine), que intentarán detener un tren fuera de control que amenaza con aniquilar a toda una ciudad.

Tony Scott, quien posiblemente tenga a su cargo una futura adaptación del cómic Nemesis, recurre a la vieja formula del veterano y el novato que tan buenos resultados dio en films como Máxima velocidad (1994), para subirse en esta oportunidad a otro medio de transporte, el tren de carga.

El actor Denzel Washington, que ya trabajo con este director en los films Deja vu (2006), Hombre en llamas (2004) y Rescate en el Metro (2009) que también trataba sobre trenes, formará pareja en esta oportunidad con Chris Pine (conocido por su papel de James T. Kirk en la película Star Trek (2009). El papel femenino esta compuesto por la actriz, cantante y escritora Rosario Dawson, quien también actuó en Percy Jackson y el ladrón del rayo (2010), cuyo papel es el de una operaria del peligroso tren.

El film se maneja de manera vertiginosa, al igual que las inquietas cámaras que en todo momento hacen testigo y partícipe al espectador. Incluso las que realizan grabaciones para los medios televisivos, que van transmitiendo segundo a segundo el paso del incontrolable tren.

Si bien el triangulo actoral está bien marcado por Denzel Washington, Pine y Dawson, los que secundan lo hacen correctamente y acompañan la realización hasta el fin.

Con muy pocos toques de exageración, Imparable, cumple con lo que promete y logra mantener cautivo y expectante hasta el desenlace, donde solo dos cosas pueden pasar: la posible salvación o la casi inminente tragedia.

El film de la realizadora de Perdidos en Tokyo cuenta la historia de Johnny Marco (Stephen Dorff), un actor de primera linea con perfil de chico malo, que tropieza por una vida de excesos, mientras vive en el legendario Chateau Marmont de Hollywood.

Sus días son una mezcla de bebidas, chicas y coches rápidos. Sumergido en este mundo artificial, Johnny ha perdido el rumbo. Hasta que su hija de once años, Cleo (Elle Fanning), aparece inesperadamente y, sin darse cuenta, comenzará a ser su ancla.

La frágil conexión de Johnny con la vida real, lentamente se reaviva con la joven presencia Cleo y sus días se irán llenando de vida.

El film se basa fundamentalmente en las actuaciones principales de Stephen y Elle, que sostienen la historia hasta el fin.

Y aunque a la película cueste levantar vuelo, es quizás el ritmo adecuado para contar como transcurren los días de este famoso actor, que como él mismo dice, siente que no es nadie real.

Sofía Coppola va afianzando su carrera como realizadora después de Perdidos en Tokyo, María Antonieta o Las vírgenes suicidas, en todos los casos, marcando su sello. En Somewhere no necesita de golpes bajos, pero sí una mirada muy reflexiva.

La Locura está en el Pueblo

El realizador Breck Eisner està muy vinculado al mundo de las series televisivas (Taken, Beyond, etc) y también encargado de la dirección del film Sahara con el multifacético Matthew McConaughey.

En este caso, pone en escena una remake de George Romero del año 1973, The Crazies, que a nuestro país llega con bajo el nombre de La Epidemia.

La historia se centra en los habitantes de una pequeña localidad de Kansas, que son perseguidos por la muerte y la locura, tras un accidente de un avión militar que transportaba en secreto un arma química que contamina el suministro de agua.

Los habitantes de este poblado comenzarán a enloquecerse, asesinando a sus familias, suicidándose y dejando a su paso desolación.

El ejército norteamericano, con un estilo extremista, intentará aislar la zona disparando a todo aquel que intenta salir de la región, incluyendo a las personas no contaminadas por el virus.

Manteniendo la clásica modalidad de Romero, Eisner va llevando al espectador por la brutalidad y las típicas miserias humanas, mientras los protagonistas, un alguacil llamado David Dutten (Timothy Olyphant, quién participará en Rango junto a Johnny Depp y en Soy el Número 4, la nueva producción de Disney) y su esposa embarazada Judy Dutten (interpretada por Radha Mitchell de Identidad sustituta, junto a Bruce Willis) intentan sobrevivir y escapar de toda esa demencia.

Si bien la cinta no cuenta con incontables sobresaltos, logra cautivar la atenciòn hasta el final, dejando un sabor amargo y melancólico típico que lograba quien hoy sòlo ejerce el rol de productor ejecutivo, el señor George A. Romero.

Muchas muertes, tensión y el uso de los medios para informar que es lo que ocurre en un desolado poblado, de donde huir será toda una locura.

Lo impensable, puede pasar hoy!

El Día del Juicio Final llega a las carteleras de cine, como la película jamás estrenada en los Estados Unidos. Con una trama más que interesante, al igual que su reparto.

Un agente de operaciones encubiertas H (Samuel L. Jackson, Tiempos Violentos, IronMan 2) junto con un escuadrón anti-terrorista está a cargo de la interrogación de Younger (Michael Sheen, quien interpreto a Tony Blair en La reina y próximamente se lo verá en Tron: El Legado), la persona más buscada de Norteamérica, pero su vez cautivo del gobierno.

Younger o Josebh Mojamed, es un sospechoso americano-musulmán acusado de haber colocado tres dispositivos nucleares en diferentes ciudades estadounidenses y solo divulgará su solicitud el último día, antes de que los dispositivos estallen.

Tanto el misterioso H como la Agente del FBI Helen Brody (Carrie-Ann Moss, Trinity en Matríx ) tendrán menos de cuarenta y ocho horas para dar con el paradero de las bombas.

El film cumple su cometido: mostrar el lado más sucio de la guerra y qué es lo que ocurre cuando las cosas se invierten y el enemigo está en territorio propio para sembrar el terror a toda costa.

Los instrumentos son los mismos de un lado de la batalla, que del otro, mucho caídos, tortura y un sinfín de interrogantes.

El director logra transmitir en El Día del Juicio Final la sensación de paranoia en la que muchas vidas corren peligro. Ya sea una sola explosión en Estados Unidos o más lejos. Además de la bruta idea militar de que "todo vale" en tiempos de guerra y lo plasma perfectamente en su papel Samuel L. Jackson.

Lo mismo ocurre con la convincente interpretación de Michael Sheen, demostrando más allá de todo, el sufrimiento que puede soportar una persona, esta vez no por una idea política sino religiosa.

Lo demás en el film puede ser reprochable, pero Unthinkable tensiona y moviliza al espectador. Lo que no es poco.

Entre la vida y la muerte

En este film de Richard Berry (actor, guionista y director), Jean Reno interpreta a un miembro de la mafia retirado que lleva tres años viviendo una plácida vida, dedicado a su mujer y a sus hijos.

Una mañana, unos hombres lo atacan y es prácticamente dado por muerto después de haber recibido veintidós balazos en un estacionamiento subterráneo del casco antiguo del Puerto de Marsella.

Pero este ex mafioso llamado Charlie Matteï sobrevivirá milagrosamente y buscará por todos los medios al responsable del atentado. Todos los caminos lo conducen hacia Tony Zacchia, el único hombre capaz de atreverse a matarlo y ex amigo de Charlie. El error de Tony Zacchia, fallar en su intento, hará que la furia de Charlie se le venga en su contra y una guerra mafiosa se librará en las calles de Francia.

La historia acierta de principio a fin, tanto en el uso de la música de ópera, como en la elección de los colores y la fotografía, donde predomina el ocre, los verdes y un mar celeste.

Otro punto a favor es la mezcla de culturas en una Francia moderna donde hoy conviven árabes, japoneses y todo tipo de ciudadanos, haciendo que este grupo mafioso sea realmente creíble.

El Inmortal transporta al espectador a hermosos parajes franceses y a ocasionales visitas al cementerio, donde los crímenes tienen también su historia.

Con buenas interpretaciones tanto de Jean Reno, quien recuerda mucho a El Perfecto Asesino con Natalie Portman, como las de Kad Merad (Bienvenidos al país de la locura) o la de Jean-Pierre Darroussin en el papel de un amigo atrapado entre la verdad y la mentira.

Reno nuevamente se pone en la piel de un asesino, cuyas reglas evitan matar a gente desarmada. Aunque, en ocasiones, las mismas tienen excepciones.

Invasiones eran las de antes

En La Invasión (SKYLINE) se puede ver como recordar a los antecesores films de visitantes extraterrestres, pero todo en tan solo 90 minutos y con algo de nostalgia por el tiempo pasado.

Los hermanos Strause (Alien vs Predator: Requiem), cuya compañía Hydraulx ha estado a cargo de los efectos visuales de títulos como Avatar y Iron Man 2, El curioso caso de Benjamin Button y 300, son los encargados de dirigir y producir esta cinta de ciencia ficción.

En este caso narra como Jarrod (Eric Balfour, el actor de La masacre de Texas) y Elaine (Scottie Thompson, de Star Trek) organizaron un viaje de fin de semana al sur de California con motivo del cumpleaños del mejor amigo de Jarrod, Terry (Donald Faison) junto a su novia, Candice (Brittany Daniel, de Club Dredd, ¿Y dónde están las rubias?, Chiquito pero peligroso). Skyline

Pero la bella estadía se verá empañada por unos invasores que azotarán la ciudad con una fuerza adúctiva que amenaza con tragarse a toda la población humana de la faz de la Tierra.

Con una gran similitud a Cloverfield, muchísimo de La Guerra de los Mundos y con algo de El Día de la Independencia los hermanos Colin y Greg fueron pincelando (o salpicando) esta producción cinematográfica que incluso trajo a la memoria, sobre el final, al film Sector 9.

Quizás las interpretaciones del elenco y el sonido no estuvieron muy cuidados, a tal punto que cuesta hacer sentir al espectador momentos de real suspenso y todo se ve como demasiado inverosímil.

La Invasión podrá satisfacer a los amantes del género e incluso hacer pasar un buen rato a quienes quieran ver algo nuevo en la cartelera de cine, pero a estar atentos que Skyline no viene a combatir a los demás films; Solo es una película más de invasores e invadidos, con una promesa de amor que se cumplirá hasta el final. Nada más...

La perla negra de Nicolás Del Boca

El clan Del Boca sigue unido y salta de la televisión al cine con esta película que cuenta con guión de Enrique Torres y que habla del desarraigo de dos argentinos que viven en Estados Unidos.

Un buen día es un drama romántico rodado en la ciudad de Los Angeles y tiene como protagonistas a Aníbal Silveyra y Lucila Solá, como Manuel y Fabiana, dos argentinos que rehicieron sus vidas en el exterior y cuyos caminos se unen por accidente en una cafetería. Habrá que esperar para saber por qué.

Con este planteo, la película está alimentada por una verborragia constante (¡que bien vendría un silencio!) y construye situaciones poco creíbles que parecen salidas de la peor telenovela de la pantalla chica.

Claro que los responsables máximos son el guionista y el realizador, pero tampoco ayudan los actores. Silveyra (recordado por la versión teatral de El beso de la mujer araña), cuyo personaje es un autor, no encuentra el registro adecuado ni para el drama ni para la comedia, brindándole tics al mejor estilo Francella. Por su parte, Lucila Solá (la argentina que se convirtió en mujer de Al Pacino), se muestra sin la menor convicción para el protagónico que tiene a su cargo.

Mientras tanto, la historia juega con las corridas; los encuentros en un muelle; los recuerdos de un accidente (salpicado con un flashback por si no se entiende); las reiteraciones insoportables de palabras; caminatas en la playa y una historia de amor que tarda en concretarse y que incluye un tono dramático con "toque fantástico".

Andrea Del Boca presta su voz al papel de la madre de la protagonista y aparece en los últimos cinco minutos de película, con peluca, para simular más edad. Ella convence más que el resto y tiene experiencia en el tema.

Sin dudas, después de haber visto el film, uno descubre que los nubarrones se han adueñado de la pantalla grande. Y no hay salvación posible.

Basada en el cuento "Baster" escrito por el afamado novelista ganador del premio Pulitzer Jeffrey Eugenides y publicado en el New Yorker. Papá por accidente se centra en un neurótico hombre (interpretado por Jason Bateman, Hancock, 2008) que averigua que su mejor amiga (Jennifer Aniston) desea tener un hijo por inseminación artificial.

De forma clandestina y tras una terrible borrachera reemplaza el semen de su donante por el suyo y está forzado desde entonces, a vivir con el secreto de que es el padre real del niño.

Este argumento, en las comedias románticas, de los amigos congelados que desean ser algo más, es un tema desgastado y lo es aún más el de la mujer intentando ser madre soltera a pesar de todo. Sin ir mucho más lejos, este año, ocurrió con el caso de Jennifer López en Plan B, una conservadora y aburrida comedia.

En el caso de Papá por Accidente, las cosas suceden sin que nada ocurrente pase, Aniston interpreta una vez más su clásico papel desde Friends, que solo cambió para el buen film Nuevamente Amor junto a Aaron Eckhart. Mueve su cabeza con cabello perfecto y como es común en ella, juega con trabarse cuando habla y está nerviosa. Nada nuevo, ni arriesgado para la actriz.

Los gags son pocos y no resultan graciosos, teniendo en cuenta que se trata de los mismos productores de Pequeña Miss Sunshine y La joven vida de Juno los que están a cargo. Pero si puede dudarse de los realizadores Will Speck & Josh Gordon, los mismos que en el 2007 filmaron la mediocre Patinando a la Gloria con Will Ferrell y Jon Heder.

Papá por Accidente es una comedia olvidable a pesar de contar con un reparto interesante como Jeff Goldblum, recordado por papeles más felices como en La Mosca y Parque Jurasico. Y la buena actriz, Juliette Lewis (Asesinos por naturaleza), quién se caracterizaba por su espontaneidad, está hoy irreconocible después de su intervención facial, que le quitó frescura y le cuesta hacer registro de su rostro tanto aquí como en su pequeña participación en R.E.D.

The Switch (Papá por Accidente) es sólo una película con algunas buenas intenciones, pero para Will Speck & Josh Gordon, los padres de esta producción, quizás sea otro accidente en sus carreras cinematográficas.

Libertad de Credo

El realizador Alejandro Amenábar se pone en los hombros un proyecto más que ambicioso, Agora es su quinta película luego de su gran reconocimiento mundial tras la premiada con un Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2005, Mar Adentro. Y después de Los Otros es su segundo film en inglés.

Contar una historia como ésta no es tarea sencilla, trasladar al espectador al Egipto del siglo IV es uno de los obstáculos que debió sortear y lo pudo lograr con mérito.

La cinta se basa en la vida de la brillante astrónoma Hypatia (Rachel Weisz, Oscar por El Jardinero Fiel) y su lucha por salvar las sabidurías del mundo antiguo dentro de la majestuosa biblioteca.

Mientras que en las calles de Alejandría se gesta una guerra religiosa entre judíos y cristianos, dentro del palacio su joven esclavo, Davo (Minghella), se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los seguidores de Cirilo. Agora

Todo resulta perfectamente amalgamado, desde la cuidada fotografía, pasando por las buenas interpretaciones y por un resultado que deja entrever que, más allá de los siglos que pasaron, las luchas ideológicas continúan enfrentando al hombre y, más que nunca, con inútiles pérdidas humanas.

Agora es una historia que merecía ser contada, para poder ser disfrutada y más aún con este nivel de figuras como elenco, el joven Max Minghella (Syriana), Oscar Isaac (Red de Mentiras), Rupert Evans (Hellboy), Ashraf Barhom (The Kingdom), Sami Samir (Natividad) y el veterano actor francés Michael Lonsdale (Munich).

Un País Soñado

La vida de Muna transcurre entre la pesadez diaria de los puntos de control de Cisjordania, una madre muy particular y la sombra de un matrimonio fracasado, pero todo parece cambiar cuando obtiene un permiso de trabajo y residencia para EE.UU.

Sabiendo que es la única manera de conseguir un futuro mejor, Muna y su hijo adolescente, Fadi, dejan Palestina en busca de una nueva vida en una pequeña ciudad de Illinois.

La hermana de Muna, su marido y sus tres hijas, serán los encargados de hospedarlos en su casa. Allí tendrán que esforzarse por encajar en una nueva cultura sin perder la propia. Tarea nada fácil.

Una excelente propuesta de la National GeAmerrikaographic que cautiva desde el primer minuto, al ver a esta madre intentando mejorar su futuro y en especial el de su hijo, Fadi.

Las discriminaciones en un país ideológicamente tan defectivo como Norteamérica, no tardarán en llegar. A la vez, este mismo, se muestra perfecto en contraste con lo que se vive en su Palestina natal.

Todas las historias encajan como un gran rompecabezas, dando un gran panorama de lo que debe vivir-sufrir, un inmigrante de Oriente Medio en el siglo XXI, ya que para muchos, son tomados como potenciales terroristas y sin importa de qué lugar de Medio Oriente vengan.

La actuación de Nisreen Faour es extraordinaria y el director, Cherien Dabis, muestra a Muna como una mujer sumamente bella y con una fortaleza que la hará salir adelante.

Este film ganó el Independent Spirit Award, el Cannes Film Festival-Ganador del FIPRESCI Prize y el Ganador del Best Arabic Film, entre otros.

Amerrika es una película que merece ser vista y analizada, pero a la vez disfrutada ya que más que un drama convencional, cuenta su historia con mucha ternura y humor.

En busca de la libertad

Tal cual lo presenta en este tráiler Antonio Banderas, quién también fue el encargado de hacerlo en varios festivales, El Lince Perdido es una aventura animada que recorre los días de Félix, un lince con muy mala suerte que cura sus heridas en un Centro de Recuperación.

Mientras que en un majestuoso barco, un excéntrico millonario llamado Noé quiere crear su propio refugio para animales en peligro de extinción, sin que le importen los método que tiene a su alcance. Incluso, hasta es capaz de alquilar los servicios de Newmann, un despiadado cazador, para que lo ayude a cumplir su poderoso plan.

La historia resulta entretenida y muy llevadera, más cuando Félix y sus amigos (en especial un muy insoportable y paranoico camaleón) son rastreados para ser atrapados y llevados con el resto.

La fábula tiene buen ritmo y está destinada a un público de chicos de hasta 9 o 10 años, pero quienes los acompañen también gozarán de un buen film animado que se llevó un Goya a la "mejor película de animación".

Como broche de oro, el relato rinde homenaje a uno de los films más recordados de animales, El Rey Leon. Y hay que estar atentos y no levantarse de las butacas hasta que pasen los créditos, ya que el final llegará después.

Agregalo como Amigo

Facebook, la red social más concurrida de la web ya tiene su film, que estuvo durante dos semanas en el primer puesto de la taquilla norteamericana. La pelìcula fue seleccionada para abrir el 48 Festival Anual de Cine de Nueva York, y ahora llega a la cartelera nacional con los protagónicos de Jesse Eisenberg, Justin Timberlake y Andrew Garfield (el nuevo Hombre Araña).

El film cuenta que en una noche de otoño del año 2003, Mark Zuckerberg, alumno de Harvard y genio de la programación, quién quería pertenecer a un club universitario y conocer gente, luego de ser rechazado por una chica, se sienta frente a su computadora y con entusiasmo comienza a desarrollar una nueva idea.

En medio del furor de los blogs y la programación que comenzó en la habitación de su colegio, pronto se convirtió en una revolución dentro de las comunicaciones: una red social global.

Red Social

Seis años y 500 millones de amigos después, Zuckerberg (protagonizado por Jesse Eisenberg del film Tierra de Zombies) es el billonario más joven de la historia, pero no todo lo que reluce es oro y el éxito le traerá complicaciones personales y legales.

La Red Social demuestra que no se hace quinientos millones de amigos sin hacer unos cuantos enemigos. La película está producida por Scott Rudin, Dana Brunetti, Michael De Luca, y Ceán Chaffin.

Fincher y Aaron Sorkin enfocaron su objetivo en una historia de amistad, lealtad, y traición, con un personaje central multifacético que es igual de complejo como de listo.

La cinta transcurre entre flashbacks y el presente del joven prodigio, narrando como un grupo compuesto por dos hermanos emblemáticos de Harvard, que demandan a Mark. Al igual, y con algo más de causa, su mejor amigo de la universidad, interpretado por Andrew Garfield.

La historia es tan interesante como cautivante y el realizador David Fincher, el mismo de La Habitación del Pánico, Pecados Capitales y El curioso caso de Benjamin Button, supo el desafìo ponerse al hombro y narrar con éxito.

El relato deja en claro que nada de lo que Mark hizo a terceros fue personal y que dentro de su mundo calculador, se esconde una persona vulnerable.

Dirigida y protagonizada por Ben Affleck, Atracción Peligrosa (The Town) es una adaptación de la novela de Chuck Hogan, “The Prince of Thieves”.

Donde el filme se centra en Doug MacRay (Ben Affleck), un criminal y líder de un grupo de implacables ladrones de bancos, quienes acostumbran robar lo que quieren y siempre salen limpios.

Aunque este vez, Doug, papel correctamente interpretado por Ben, tiene miedo de perder a alguien cercano a él, una joven gerente de un banco que robaron y la además tomaron como rehén.

La cinta tiene varios condimentos: acción, buenas interpretaciones del reparto en general, una interesante trama; más el agregado para el protagonista de tener un padre preso, una madre que lo abandonó y un romance capaz de cambiar el curso de la historia.

El argumento tiene potencial, el FBI está tras ello, Doug trata de tomar otros rumbos pero ni las amistades, ni la presión mafiosa se lo harán fácil.

El film cumple su cometido, atrapa y seduce, a la vez que crea una empatía con el villano, quién está a punto de la redención o de la prisión.

De nerd a arma mortal

Mi Vecino es un espía es una comedia familiar que tiene como protagonista a un grande de la acción, Jackie Chan, interpretando a un agente de la CIA, muy enamorado de su vecina y a punto de dejar su profesión por ella. La única dificultad es que los tres hijos de ésta, creen que él es un aburrido vendedor de bolígrafos.

Cuando ella sale de viaje por que su madre enferma, Bob Ho (Jackie Chan) le propone cuidarlos y ahí todo se transformará en una película de aventuras. El experto en artes marciales terminará enfrentándose a agentes secretos rusos, después de que uno de los niños descargue sin querer un código.

Mi Vecino es un Espía

La primera parte del film es predecible y hasta un poco insulso, incluso el doble papel de Chan: al comienzo se lo ve como un "nerd" y luego como una experta arma mortal de la CIA.

A pesar de las sobreactuaciones de los villanos de turno, se debe recordar que se trata de una “comedia” familiar.

La segunda parte del relato tiene mucho más ritmo y acción, se hace llevadero y permite que Jackie demuestre todos sus dotes atléticos y marciales.

Mi vecino es un espía es una película que podría haber pasado directamente a la pantalla chica, en formato DVD, pero quizás ante la falta de material infantil en los cines, tenga suerte.

La cuarta entrega de la franquicia protagonizada por Milla Jovovich está basada nuevamente en la popular serie de vídeo juegos y se exhibe en 3-D

En un mundo asolado por un virus infeccioso que convierte a sus víctimas en muertos vivientes, Alice (Jovovich, vista en Encuentros de cuarto tipo) continúa en su búsqueda por supervivientes para ponerlos a salvo. Su batalla a muerte con la Corporación Umbrella llega a alturas insospechadas, pero a la vez recibirá ayuda de una vieja amiga.

La cinta muestra lo que los fanáticos de la saga esperan ver: mucha acción, incontable muertos vivientes que estallan y son destruidos por la protagonista y sus amigos. Con el agregado de las múltiples apariciones de Alice, las tomas aéreas de la ciudad y el beneficio de la tecnología 3D, que aporta bastante al film. En especial en los momentos de lucha o el reiterado pasar de un martillo-hacha gigantesco, que obligará a más de uno del público a agacharse.

Como puntos más flojos, quizás, alguna similitud innecesaria con Matix, ya que sobre el comienzo del film hay ciertas conexiones que se podían haber evitado. Pues Resident Evil tiene un grupo importante de espectadores que merecían originalidad.

Resident Evil 4: La resurrección (Resident Evil 4: Afterlife), como aseguró la protagonista y esposa del director, es "la primera en romper la marca del puesto número uno en todo el mundo y es la mayor película de la franquicia”.

La película está dirigida por Paul W.S. Anderson y el reparto está conformado por Ali Larter, Kim Coates, Shawn Roberts, Sergio Peris-Mencheta Spencer Locke y Wentworth Miller (de Prison Break).

Resident Evil 4: La resurrección cumple su cometido, entretiene con meritos a los no seguidores y dará una nueva batalla a los fans de la saga.

La historia continua...

Después de haber participado en proyectos como Hairspray, 17 Otra Vez y High School Musical, Zac Efron, el galán estadounidense que causa furor entre el público adolescente ha decidido encarar un nuevo desafío en el ámbito del séptimo arte.

La nueva película que lo trae de vuelta a la pantalla grande es Charlie St. Cloud, un drama dirigido por Burr Steers que en el caso de la República Argentina, se presenta como Más allá del cielo.

Esta obra en la que Efron ha tenido como compañeros a artistas como Amanda Crew, Kim Basinger, Charlie Tahan, Donal Logue y Augustus Prew está inspirada en una novela del mismo nombre que, hace unos años, publicó el escritor y periodista Ben Sherwood.

Su historia merece la oportunidad de ser contada porque habla de amor, obsesión, culpa, sueños y muerte, todas cuestiones conocidas por el común de los mortales.

Envuelto en los hermosos paisajes de Canada, la historia, narra la vida de dos hermanos muy unidos que viven con mucha pasión y disfrutan juntos de la náutica. Pero luego de un trágico accidente que provoca el fallecimiento de Sam, el hermano menor de Charlie, todo parece dar un vuelco.

A partir de ahí, es donde se inicia para él un camino nuevo que lo lleva a comprobar que el vínculo que hay entre ellos es tan fuerte que no pudo romperse ni con la muerte.

Es aquí donde Zac debe mostrar su talento y no realizar un papel que lo muestre como alguien que está loco o no del todo cuerdo, sino todo lo contrario, implantar un personaje que por su intenso amor, aùn sigue unido a su hermano ya muerto.

El realizador Bur Steers, quién ya había trabajado junto a Zac en 17 Otra Vez, pudo sacar del protagonista lo que deseaba en esta cinta no tan convencional.

Claustrofobia en estado puro

Realizar un film de suspenso no es tarea fácil, más cuando solo se cuenta con un protagonista, un celular, algún que otro elemento poco relevante y como escenario: un cajón de madera sepultado en el desierto.

Con estos elementos el realizador español, Rodrigo Cortés (Concursante, 2007), pone en marcha una historia llena de intriga e inteligencia que logra como pocas atrapar al público y tenerlo sumergido bajo tierra por más de noventa minutos.

Un transportista norteamericano es atrapado y enterrado vivo en Irak luego de una emboscada. El objetivo: pedir un rescate al gobierno de los Estados Unidos.

Algo sencillo y aparentemente insostenible en el tiempo, pero que gracias al talento y la audacia narrativa de Cortés, consiguen llevarlo adelante como pocos. Desde el principio, la excelente banda sonora va dando el ritmo a esta aventura subterránea y los diálogos telefónicos que el protagonista mantiene con el exterior, son tan reales que no podrían ser nunca del mundo de Hollywood.

Dentro de este gran universo, que es el cajón, Paul Conroy intentará sobrevivir por todos los medios. Ryan Reynolds es el actor recordado por compartir pantalla junto a Sandra Bullock en la comedia La Propuesta y se lo verá próximamente en la piel de Linterna Verde. Su trabajo no es sencillo y mucho menos tener la cámara sobre el rostro durante toda la película.

La cinta logra con meritos su cometido: entretener a la audiencia, entregar un productor distinto, sostener la intriga hasta el segundo final y, por sobre todo, dar un profundo sentido del valor de la vida.

No tan distintos

Mi familia (The Kids Are All Right) fue dirigida y además guionada en gran parte por Lisa Cholodenko (La Calle de las Tentaciones 2004) y es, sin lugar a duda, una pequeña gran historia.

El film hace un retrato de las familias modernas y esboza un nuevo concepto sobre matrimonio. Haciendo mira en Nic y Jules (Annette Bening y Julianne Moore) que están casadas hace varios años y comparten su perfecta vida en pareja con sus respectivos hijos adolescentes, Joni (Mia Wasikowska, Alicia de Tim Burton) y Laser (Josh Hutcherson), ambos concebidos por inseminación artificial.

Mientras Joni se prepara para ir a la universidad y su hermano menor busca que ella, que ahora tiene 18 años, lo ayude a encontrar al padre biológico de ambos.

El “bio-padre” Paul no es otro que Mark Ruffalo (quién ya había compartido pantalla junto Julianne en Ceguera), un llevadero y agradable ecologista, dueño de restaurantes.

Los chicos se verán atraídos por este estilo de vida de Paul, especialmente en contraste con una de sus madres Nic, una médica de principios que siempre ha establecido sus reglas en la casa. Y a medida que este nuevo integrante se va insertando en la vida de la familia, los lazos familiares serán redefinidos.

Pero esto que hasta acá resulta, a las claras, una historia original, pasa a ser mucho más que eso, si bien el argumento es prometedor, cuando el espectador se sumerge dentro de esta familia puede notar que más allá de los géneros, Nic y Jules tienen los roles de una pareja bien definida, que hacen sentir a cualquiera en su propia casa.

Esta pareja interpretada por Julianne Moore y Annette Bening pasan durante la película por problemas maritales normales y tratan de llevar adelante un hogar con dos hijos en pleno cambio. Nic y Jules pasan además por los mismos miedos de cualquier padre que quiere a sus hijos y eso hace aun más creíble el relato.

Para referirse a las interpretaciones, están todos tan correctos en sus papeles que es muy difícil encontrar grietas en estas columnas formadas por Annette Bening y Julianne Moore, y por Mark Ruffalo. Incluso los partícipes como reparto que terminan amalgamando a esta familia que resulta no ser tan distinta a muchas otras.

Mi Familia está plagada de buenas actuaciones, mucho humor, una mirada inteligente y, sobre todo, no necesita de golpes bajos para esclarecer un tema que a muchos les puede resultar una fosa subterránea.

Un universo conflictivo

Este es el segundo largometraje de la directora Andrea Arnold y con su primer trabajo, Red Road, logró el Premio del Jurado en el Festival de Cannes en el 2006.

En este caso, la mirada se centra en Mía, una joven quinceañera algo inestable y con problemas para encajar en una familia compuesta por una madre sobrepasada (Joanne) y su pequeña hermana.

Mientras todas las piezas en la vida de Mía están desencajadas, la llegada de Connor, un extrovertido personaje que mantiene una relación con su madre, parece poder traer algo de calma a su hogar. Por otro lado, desemboca en algo peor y le dará a Mía la decepción que no necesitaba.

Connor es interpretado por un rostro conocido, el actor Michael Fassbender, quien dejó su marca en la pantalla grande gracias a la reciente creación de Tarantino, Bastardos sin Gloria.

El Rebelde Mundo de Mía es una pequeña historia, narrada correctamente, y las actuaciones acompañan, pero el argumento quizás quede chico para los conflictos que se suelen ver de manera cotidiana.

Un espía en la familia

El realizador de películas como Legalmente Rubia, Una Suegra de Cuidado o La Cruda Verdad (También protagonizada por Heigl), Robert Luketic, trae a dos intérpretes que se saben manejar con comodidad en este género.

Ashton Kutcher interpreta a Spencer, un superagente secreto con licencia para matar, papel que le sienta mejor que su última incursión en Amante a Domicilio (y tuvo que adherir a su cuerpo algunos quilos de masa muscular que le sientan bien).

Spencer decide abandonar su excitante trabajo al conocer a la mujer de sus sueños, Jen Kornfeldt, papel encarnado por la siempre creíble Katherine Heigl (27 bodas, Levemente Embarazada).

Jen no sólo viene de una mala relación, sino que trae consigo a un padre sumamente controlador (el siempre recordado por su papel en la serie de los ´80, Magnum) Tom Selleck, como Mr Kornfeldt, y una madre alcohólica y poco útil para los consejos, la eficaz, Catherine O'Hara (como Mrs Kornfeldt).

Cuando la vida de Spencer y Jen comienza a tomar un cauce normal de pareja con tres años de casados, es donde se inicia la diversión para el espectador. La cabeza de Spencer tiene precio y todos la quieren. Ya no se podrá confían en nadie y cuando se dice nadie es nadie.

El relato resulta divertido tanto por las interpretaciones de los protagonistas, como por la de los padres, vecinos y conocidos que aconsejan a Jen en todo momento.

El ritmo no decae y cuando amenaza con hacerlo siempre ocurre un hecho que introduce acción y humor. El guión, que no es muy creativo, se acomoda bastante bien al género.

Spencer y Jen deberán hacen buen equipo y averiguan quiénes son los misteriosos personajes que quieren verlos muertos, antes de que los matones acaben con ellos…¡y con su matrimonio!

Un hada en apuros

Los estudios Disney siempre nos sorprenden con sus films, si no es desde lo visual, es por lo novedoso o, como en este caso, con una pequeña historia y sin la necesidad de apoyarse en los efectos del 3D. El resultado es un buen producto que hace pasar al espectador un buen momento.

El director Bradley Raymond junto con Bob Hilgenberg y Rob Muir se ocuparon del guión de esta aventura que cuenta las andanzas de Tinker Bell (Campanita) durante su estancia de verano en Tierra Firme.

El film animado narra cómo la inquieta Campanita es descubierta accidentalmente mientras investiga una pequeña casa de hadas que una niña construyó con sus propias manos. Mientras el resto de las hadas -con Vidia a la cabeza- organiza un gran operativo de rescate en medio de una feroz tormenta, Tinker Bell forja una amistad muy especial con la pequeña y solitaria chica.

Decidida a reparar la relación entre la pequeña y su padre ausente, Campanita rechaza el rescate de las hadas para ayudar a su nueva amiguita, poniendo en riesgo su propia seguridad y el futuro de todas las hadas.

Esta película plagada de ternura y amistad es ideal para edades tempranas y niños no mayores de ocho años –los adultos presentes también la disfrutarán- ya que juega con la ilusión y la imaginación de los infantes. Pero a los padres los hará reflexionar sobre el valor que tiene el tiempo dedicado a sus hijos.

Tinker Bell explica que un hada surge en el momento que un bebe se sonríe por primera vez y que cada una tiene una ocupación en especial. Ella se encarga de reparar cosas, pero podrá reparar esta relación entre padre e hija?

Volver al ruedo

Luz Cámara y si hay alguien que sabe de acción es Sylvester Stallone, que en este film no duda en armar un equipo de primera y jugarle un partido a cualquiera que le haga frente.

Los Indestructibles son algo así como un comando sin afinidad a ningún país ni identidad oficial, por lo tanto cuentan con total libertad y eligen los trabajos que desean.

De los mismos productores de Rambo (2008) y bajo la dirección y guion de Stallone, Los Indestructibles, tiene todo lo que tiene que tener un buen film de acción, con el agregado de contar con figuras de la talla de Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Eric Roberts, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Mickey Rourke y el propio Stallone.

Con una larga lista de estrellas en la que cada uno aporta lo que mejor sabe hacer, el dueño del clan (Stallone) se da el lujo de bromear con su edad y ser vencido en una lucha cuerpo a cuerpo con un contrincante más joven.

El film entrega todo lo que prometía, hazañas en la medida justa, explosiones, peleas, persecuciones bien logradas, humor y mucha melancolía (en especial al ver la camioneta clásica similar a la usada en Cobra). Es agradable ver a estos grandes del género jugando en el mismo equipo y bromear como si fueran grandes amigos.

Lo mismo ocurre cuando llega el esperado momento del encuentro Stallone, Willis y Schwarzenegger, donde Sylvester no duda en bromearle a Arnold que no le cae bien, y menos porque sabe que quiere ser presidente.

Los Indestructibles son grandes mercenarios del cine, que si algunos de ellos se hubiera jubilado, hoy nos estaríamos perdiendo este film.

Corre Salt, corre

He aquí un producto de la mano de Sony Pictures que prometía acción, suspenso y mucho espionaje y cumplió. El director Phillip Noyce nacido en Griffith, Nueva Gales del Sur, Australia y creador de películas como Juego de patriotas (1992), Peligro Inminente (1994) o El Coleccionista de Huesos (también junto a Jolie), entre otras, demostró que como realizador sabe muy bien qué es lo que el público espera ver.

La cinta narra como la oficial de la CIA Evelyn Salt (Angelina Jolie), quien realizó un juramento de deber y honor hacia su país, queda en el ojo de la tormenta cuando su lealtad se pone a prueba, ya que un desertor la acusará de ser una espía rusa.

Salt debe ocuparse de escapar utilizando todas sus habilidades y experiencia para evitar ser capturada. Además de encontrar a su pareja (pequeño papel interpretado por August Diehl, quien se dió a conocer al público estadounidense por su papel en Los falsificadores) y salvar su vida de una balacera provocada por sus propios compañeros de la CIA.

Todo lo que realiza Salt para probar su inocencia, sólo sirve para poner más sospechas en su contra, mientras que la cacería humana continúa.

El film logra atrapar la atención desde el primer momento y la suma de buenas interpretaciones, tanto de Jolie como de Liev Schreiber (La Profecía, Desafio) ponen en duda a cada paso la identidad y el bando al cual poertenece esta integrante de la CIA, que como dice el afiche, logrará que el espectador también se pregunte ¿Quién es Salt?.

Niños Perdidos

El director YIM Phil Sung tuvo una visión algo particular sobre la legendaria historia de los hermanos Grimm e intentó contar qué hubiese pasado si esos niños odiaran a los adultos que los descuidaron, maltrataron y abandonaron.

De estem odo, narra cómo Eun-soo, un joven que se pierde en el bosque luego de un accidente automovilístico, es invitado a un extraño hogar por una dulce jovencita.

Luego de notar excepcionales sucesos, intentará escapar pero lo afligirá el hecho de dejarlos abandonados en esa misteriosa casa.

Poco tiene que ver esta historia con la original y cuesta vincularlas entre sí. Aunque el argumento contenga ciertas menciones sobre el libro Hansel y Gretel, el final vislumbra otra cosa.

La cinta fue rodada en Corea del Sur y trae tiempos distintos que los acostumbrados en los films Hollywoodenses, británicos o incluso del cine francés. Además, se perciben pequeños errores cinematográficos.

Esta película cuenta qué es lo que hubiese ocurrido con los niños que dan nombre al libro si no hubieran regresado a su casa y se hubieran quedado en el bosque cargados de rencor, poco coincide con lo que deja ver. Y además de sucesos sobrenaturales, la historia se desfigura sobre el final.

Una película que prometía suspenso y toques fantásticos, pero que, sin lugar a dudas, quedó a mitad de camino de ambas cosas.

Esperanza de vida para el Cine

El director Rachid Bouchareb (Days of Glory) pone en escena un drama que va más allá del hecho en sí.

Aunque la trama remonte a los atentados ocurridos en Londres el 7 de Julio de 2005, la sensación va muchísimo más lejos.

Dos padres que, luego del ataque, pierden contacto con sus hijos y en forma independiente y sin conocerse, viajan a Londres en busca de algún rastro.

Uno de ellos es Ousmane, papel interpretado por Sotigui Kouyate y por el cual recibió el Oso de Plata al Mejor Actor en el Festival de Berlín 2009, un musulmán que vive en Francia y se dedica a ser guardaparque.

Por otro lado, Sommers, en el cuerpo de la correctísima Brenda Blethyn, una mujer británica que habita en una pequeña isla del Canal de la Mancha.

Pero lo que el director Bouchared logra con la llegada de Sommers a Londres es magnífico: la muestra sumamente conservadora, preocupada más porque su hija le alquila a un musulmán que por la desaparición de ésta. Tan tensa al enterarse que su hija frecuentaba a un chico “negro” y que también estudiaba "árabe". Ella se pregunta: ¿Para qué la gente quiere saber árabe? y ¿Para qué mi hija?.

Todas estas sorpresas significan demasiado para una madre que espera lo mejor para su hija, más cuando queda de manifiesto que ella crió sola a su pequeña y quedó viuda al perder a su marido peleando en el frente de Malvinas contra un país sudamericano.

¿Cómo harán para unir sus caminos Sommers y Ousmane? Con buen criterio de cineasta y tras luchas internas de la protagonista. Lo que plantea el realizador es enaltecedor para el cine: un film basado en buenas interpretaciones, escasa banda de sonido, prejuicios por parte de la protagonista y la indiscutible decisión de saber qué es lo que se quiere transmitir.

London River es un film bienvenido y deja la grata sensación de saber que el cine de autor no murió.

Están de regreso

Los estudios 20th Century Fox traen de regreso a la pantalla grande a uno de los personajes que se encargaron de atemorizar a Arnold Schwarzenegger y Danny Glover en el pasado: Los Depredadores.

Esta vez, la historia se desarrollará en el planeta natal de estas criaturas, donde será llevado un grupo de violentos humanos capturados para ser utilizados en una partida de caza en medio de una jungla donde serán liberados y perseguidos.

Los libros que fueron escritos por Robert Rodríguez en 1990 pensando en Arnold Schwarzenegger, debieron ser adaptados al siempre correcto Adrien Brody (El Pianista, King Kong).

Con un comienzo prometedor, la película pone en escena a todos los personajes y poco a poco la trama empieza a tomar ritmo de suspenso. Pero luego todo se asemeja a lo ya visto y poco es lo que asombra.

La cinta que aseguraba reflotar la saga y empañar el flojo desempeño de las últimas entregas, no aporta nada nuevo a la pantalla y deja un gusto semi amargo sobre el final.

Visualmente pulido y con muy poco que reprochar en lo técnico y sonoro, estos Depredadores solo se alimentarán de los seguidores de la saga y quizás de todos aquellos que esperan ver algo de ciencia ficción que no abunda en cartel.

Una historia de seducción, mentiras y verdades

El realizador egipcio Atom Egoyan (Exótica, El viaje de Felicia y Where the Truth Lies) es el encargado de dirigir este film donde lo cotidiano se vuelve engañoso.

Catherine (Julianne Moore) y David (Liam Neeson) forman un matrimonio perfecto a simple vista. Ella es médica y él es un profesor, están felizmente casados y con un hijo adolescente talentoso.

Pero la ausencia de David en su fiesta de cumpleaños da el indicio de que algo anda muy mal en la pareja. Las dudas que Catherine tiene sobre su marido se ponen cada vez más al descubierto: cree que él le ha sido infiel y para comprobarlo contrata a Chloe (Amanda Seyfried Mamma Mia, Querido John), una joven seductora, para que lo compruebe.

La cinta que cuenta con estos tres excelentes intérpretes y con sus precisas actuaciones pintan la pantalla de firmes dudas sobre lo que está pasando en este triangulo amoroso. Cada pincelada, lejos de dar claridad, van esfumando aún más lo verosímil del relato.

Atom Egoyan supo colocar a los protagonistas en tres focos de historias, ya que con los personajes en juego, los barajó a su antojo y el resultado fue muy satisfactorio.

Cada secuencia pondrá a Catherine y David al borde de un precipicio sin retorno y, de este modo, si lealtad quedará a prueba.

Una historia que podría haber entregado más porque cuenta con buenos intérpretes, pero el relato quedó corto para versátiles artistas: el desenlace es previsible.

Matar o morir por amor

La directora Catherine Corsini pone a su personaje Suzanne en el tapete pero no lo juzga. Kristin Scott Thomas encarna a la esposa de un médico influyente y madre de familia que luego de llegar a sus cuarenta y, con hijos adolescentes, decide retomar su trabajo de kinesioterapeuta, abandonado al casarse.

Ella no imagina que un fuerte e irrompible lazo de pasión la unirá con, paradójicamente, el encargado de restaurar el consultorio. Ivan es un albañil catalán, además es ex convicto y reside en Francia mientras intenta rehacer su vida, papel interpretado por el multifacético Sergi López (se lo pudo ver en Ricky).

Todo se complicará cuando el matrimonio se despedaza y su marido toma cartas en el asunto mediante controles de poder y económicos.

La historia que parecía ser un drama más, cargado de sensualidad y efusión, deja entrever dos escenarios reales: uno el de la mirada del médico de clase alta acomodada, que mide su poder a su antojo y echa en cara a diario a su esposa que todo lo que tiene “es gracias a él”. Y por otro lado, la vida que debe llevar una pareja que se encuentra fuera del sistema europeo, donde los trabajos (que además no abundan) son casi esclavisantes.


Con más de una vuelta de tuerca, Catherine, supo llevar adelante la historia, agregando hechos que nutren mucho al film. Al mismo tiempo, unió los extremos con un principio de historia que deja la duda hasta el final: “un disparo" que sólo se develará en el último segundo.

Amores, pasiones, deseos, reclamos y venganzas en una película que trata sobre las relaciones y el volver a sentirse vivo.

Un cuento en 3D

Con un enfoque puramente ecologista los directores se sumergen a contar una historia ineludible, pero sin un considerable gancho como para atraer al público.

La cinta basa su narración en el clásico literario de Horacio Quiroga, con alguna que otra modificación, poniendo al espectador como testigo de los crímenes que el hombre ocasiona al planeta.

La escena transcurre en la tranquila selva americana, donde todo cambia con la llegada de unos barcos llenos de camiones y máquinas.

Oncade, es un hombre obsesionado con su trabajo, que está en la selva con su hijo, Tomy, de 8 años y presta servicios para el millonario señor Davius, que está a punto destruir la selva tropical.

El Yaguareté es el que advierte a los demás animales del peligro por venir. Y mientras la mayoría no creen lo que dice, el coatí, que ha visto las maquinas, tiene miedo pero hará algo para evitar la extinción de todo y todos.

Tomy, no muy convencido con los planes de su padre, decidirá ayudar a los animales. Esto dará inicio a una lucha, donde algunos animales resisten y otros tratan de escapar. Mientras el coatí tratará de convencer a todos para que se queden y peleen por lo que les pertenece.

Podría decirse que es un clásico cuento que, como tantos, es llevado al cine. Lo que da pena es la falta de dinamismo en los diálogos y hasta la poca (o nula) crítica política sobre la desforestación. Incluso, como lo ocurrido en Plumíferos, no siempre es interesante escuchar voces que no provengan de los profesionales del doblaje, ya que el color y la entonación en la voz de los encargados de esa tarea, es otra y se nota claramente.

Los efectos visuales, si bien se sabe que no se está hablando de una súper producción de Disney o Pixar, es pobre. Y en los tiempos que corren no es una condición sine qua non el realizar un film en animado en 3D. Se puede realizar simplemente en 2D y dar más hincapié a los detalles y diseños para que los chicos vean y se sientan atraídos por el film. No, como en este caso, que solo los más menudos pueden sentirse cómodos con la propuesta.

Cuentos de la selva no es más ni menos que un cuento animado que tal vez en un mañana pueda ser proyectado en los colegios y jardines, pero por ahora: solo en cines.

La vuelta al mundo según Mangold

El director James Mangold pone en escena una película que venía prometiendo acción, romance y mucha diversión, y cumplió. Encuentro Explosivo (Knight & Day) es una aventura que desde el primer minuto resulta entretenida.

La trama cuenta cómo Roy Miller (Tom Cruise), un agente secreto del FBI, es enviado a una misión de la cual no se espera que regrese. June Havens (Cameron Diaz) se cruza no por accidente en su camino y quedará atrapada entre el agente y aquellos que él dice le tendieron una trampa.

Como un laberinto de traiciones, escapes cercanos, y falsas identidades, se dan cuenta que para sobrevivir tendrán que confiar el uno en el otro.

La pareja Diaz y Cruise resulta la ideal para esta historia: él acostumbrado a las misiones imposibles, interpreta al agente con carisma y le agrega un toque de locura que hace gracioso lo inverosímil del proyecto.

La bella actriz (C. Diaz) pone un toque de ingenuidad (pero no como en otras producciones donde pasa por tonta), mucha agilidad y la complicidad justa para la dupla.

La cinta que recorre las ciudades más hermosas del mundo, lejos de ser un típico city tour, hace estallar todo a su paso, como un real Encuentro Explosivo.

Para los que buscan un film para entretenerse y pasar un buen momento, la versión americana de Knight & Day es la adecuada, sin tiempo para cabeceos, con una puesta vertiginosa.

El niño tiene sed.

Esta nueva película de Stephen Frears, basada en la novela de igual nombre, hace hincapié en la París de principios del siglo XX. Donde se centraba el mundo moderno.

Los artistas, la moda, el teatro, la música y por sobre todo pone la mira en las cortesanas, esas mujeres tan bellas y experimentadas en el arte del amor que llegan a ser mantenidas con gran confort por los hombres poderosos de la época.

Léa de Lonval (Michelle Pfeiffer), una cortesana retirada del ruedo, lleva una vida agradable y placentera. Hasta que una mañana va a desayunar con su antigua compañera de rubro, Madame Peloux, exageradamente interpretada por Kathy Bates (recordada por su papel en Misery), quién la espera acompañada de su joven y único hijo, Chéri (Rupert Friend).

Chéri es algo así como un escuálido sujeto antipático con escasas virtudes (en general no suele ni siquiera sonreírse), con una vida acomodada pero con costumbres poco sanas.

Madame Peloux tiene grandes proyectos para él, per debe convertirlo primero en un hombre, por lo cual le pide a Léa para que enseñe a madurar al joven.

Este trabajo free se convierte en un apasionado amor que dura seis años. Y como una fiel simbiosis, ambos transitan los días como una insólita pareja.

Mientras Madame Peloux, planificará en secreto el matrimonio de Chéri con Edmée (Felicity Jones), la hija de otra cortesana rica, Marie-Laure (Iben Hjejle), la vida de Léa comenzará a desmoronarse.

Esta historia que transcurre al borde del drama y la casi comedia es una extraña combinación de buenos intérpretes y actuaciones que por momentos son creíbles y por momentos realmente exageradas.

Quizás resulte bien como un atractivo paseo por la Belle Epoque, sus imponentes palacios, majestuosos jardines y esplendidos paisajes.

Después poco queda al ver la cinta, tal vez un capricho del buen director Stephen Frears que imaginó a este nene llamado Chéri de esta manera. Con ojos de lenguado, tomando Pommery a su antojo e insatisfecho de la vida, como un bebe sin su chupete.

Más hormonas y menos sangre.

Eclipse llegó y es uno de los estrenos más esperados del año para los fervientes adolecentes seguidores de la saga Crepúsculo.

Esta, tercera entrega de la mano del director David Slade, basada en la novela homónima de Stephenie Meyer, cuenta (para los que no leyeron el libro) que Bella se encuentra nuevamente rodeada de peligros, cuando Seattle es atacada por una serie de misteriosos asesinatos. Detrás de estos, la recordada Victoria, una malvada vampira en búsqueda de venganza.

Bella, al borde de jugar a dos puntas, deberá elegir entre su amado Edward y el protector Jacob sabiendo que su decisión puede comenzar una lucha entre vampiros y hombres lobos.

Filmográficamente la cinta es correcta: la luz, los efectos especiales (bastante bien logrados en las luchas), las tomas en la montaña y las típicas transformaciones. Quizás la mejor lograda de las tres películas.

El guión (Melissa Rosenberg) es mucho más congruente que el de la antecesora, Luna Nueva, que incluso había dejado a los fanáticos y lectores no muy contentos.

El trío conformado por Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner no solo expanden hormonas por toda la pantalla (en especial la dupla: Bella y Jacob, que están siempre a punto ebullición), sino que también intentan dar un poco de calor humano y algo de mejor interpretación, que ambas cosas estaban en escases.

Como todos saben los seguidores de la historia venían pidiendo más piel e incluso que en alguna de las sagas intimara la hermosa Bella con su poco gestual novio, Edward. Obviamente no se puede contar si eso ocurre o no, pero al parecer ella también estaría de acuerdo con esa idea.

Para Bella la graduación es su punto límite y se verá enfrentada a la decisión más importante de su vida. ¿Se convertirá en vampiro para permanecer eternamente con Edward o decidirá quedarse con el robusto Jacob y sus abdominales?.

La cinta, sin lugar a duda es llevadera y logra mejorar ciertos puntos flojos de las anteriores. Con el aliciente que puede ser disfrutada, incluso, sin haber visto previamente las anteriores.

Remake de un clásico de los ´80

El cineasta Harald Zwart, el mismo de La Pantera Rosa 2 y Superagente Cody Banks, trae a escena una película que cautivo a gran parte de los jóvenes de los ´80: Karate Kid.

Esta vez la acción se traslada a la tierra del Kung- Fu, quizás una muy buena idea para dar una vuelta de rosca a la historia. (Contraste de culturas, imágenes de lugares históricos y un Jackie Chan, local)

El argumento si bien es similar al original: Dre Parker (interpretado por Jaden Smith, hijo del actor Will) tiene doce años y si bien podría haber sido el chico más popular de Detroit (donde vivía junto a su madre), pero el último traslado profesional de ella (Taraji P. Henson) lo lleva a China.

Dre es un recién llegado, se enamora de su compañera de clase Mei Ying. Y aunque el sentimiento es mutuo, las diferencias culturales hacen que su amistad sea casi imposible.Y todo empeorará aún más porque los sentimientos de Dre hacen que se enemiste con un matón de su clase que es un niño prodigio del kung-Fu.

Sin ningún amigo en una tierra extraña, Dre no tiene a quién acudir excepto al hombre de mantenimiento que es unas de las pocas personas que lo acepta, Mr. Han (Jackie Chan), que en secreto será su sensei.

La película no aporta demasiado nuevo con respecto al argumento, pero sí en emoción. La actuación del joven Smith es más que aceptable y deja en claro que hace lo que le gusta.

Para los que busquen a Jackie Chan derribando paredes, este no será el film más indicado, si bien asume momentos con buena acción y artes marciales; no es el papel que debe interpretar. Incluso ahonda en un terreno con algo más de dramatismo, de lo que está acostumbrado a mostrar.

Karate Kid es una correctísima remake (casi calcada) para los desmemoriados que seguramente luego de ver la antecesora hayan asistido a alguna clase de Karate y hoy quieran compartirla con algún hijo o familiar menor. Sino puede estar destinada al público adolecente, ya que deja un mensaje claro de enseñanza.

Salvar a una pequeña gran porción del mundo salva a un hijo.

A la 1:17 hrs. los relojes se detuvieron, un resplandor de luz convirtió al mundo en un lugar sin fe, ni esperanzas y la vida dejo de ser lo que conocíamos como tal.

Cuesta creer que desde el año pasado se tome como referencia en tantos films la era post apocalíptica y apocalíptica. Comenzando con superproducciones como 2012, películas más chicas y de acción como es el caso de El Libro de los Secretos o de animación como cuando los muñecos de trapos y algunas máquinas eran el único legado del ser humano en Número 9, al igual que otros films que muestran virus mortales o la llegada de los zombies a este mundo.

Esta vez, La Carretera, nos relata una historia aun más pequeña pero no menos importante. Un padre y su hijo deben recorrer un largo camino con menos de lo necesario para subsistir. Una carretera hacia el sur llena de peligros, gente hambrienta y una naturaleza que no existe.

Un padre interpretado por Viggo Mortensen que intentará por todos los medios salvar a su hijo (Kodi Smit-McPhee) de lo que parece inevitable, la muerte.

El director John Hillcoat realiza una eficaz adaptación de la novela de Cormac McCarthy, ganadora del Pulitzer y muestra a través de flashbacks como era la vida de una familia común antes del cataclismo. Un pasado lleno de luz y color que luego se transforma en un paisaje donde los árboles se encuentran muertos, la vegetación no aflora, todo es de color ceniza y tabaco e íntegramente todo parece amenazador como el mismo cielo que simula un sembradío de relámpagos.

Y mientras el suicidio familiar es la solución para muchas familias, como bien dice la ganadora del Oscar, Charlize Theron, “Todas las familias lo hacen” este padre intentará mantener vivo el fuego interno de su hijo y al mismo tiempo del espectador.

Además de Theron (Monster), La Carretera cuenta con la presencia de un desfigurado Robert Duvall, a quién cuesta reconocer detrás de su impecable maquillaje y que pese a su muy pequeña participación deja su huella en el film.

Más alla del Bien y del Mal.

Esta súper historia animada trae en escena a los clásicos personajes que ya se habían hecho querer en las dos anteriores emisiones (Buzz, Woody, Tiro al Blanco, Señora y Señor Cara de Papa y Jessie). Pero en un relato que habla de la amistad, el apego, el crecimiento, la lealtad y la esperanza como sostén.

Con un argumento sencillo, el film atrapa y sorprende: Andy ha crecido, ingresa a la universidad y sus juguetes, incluido Buzz, son guardados en el ático dentro de una bolsa. Pero accidentalmente son tirados a la calle, confundidos con los desechos.

Woody logra rescatarlos del camión de la basura, pero no de la mamá de Andy, que los envía a la guardería "Sunny Side" donde deben tratar de sobrevivir a los descuidos y “salvajes” tratos de los niños de pre-escolar. Pero ésta no es la única amenaza en “Sunny Side”, que obviamente no se develará acá.

Woody intentará salvar a sus amigos y hacerlos regresar con Andy antes de que se vaya a la universidad. Pero ¿lo logrará?.

Nos encontramos ante la aventura más ambiciosa que pudo haber soñado el realizador y a la vez con un resultado magnifico, que no dejó nada librado al azar. La película entretiene a los chicos y deja satisfechos a los adultos.

Sin lugar a dudas, Toy Story 3 es la consagración, no sólo de los creativos que trabajaron en ella y actores que pusieron sus voces, sino de los personajes. Pues en esta cinta logran su máxima plenitud “actoral”, en especial Buzz con sus "cambios de estado".

Si tenemos en cuenta la animación, no hay nada que reprochar, al igual que el excelente y entretenido guión, cargado de inteligentes gags. Además de los homenajes a títulos como Misión Imposible, con Tom Cruise y Cabo de Miedo, entre otros, recrea escenas clásicas o de culto.

Toy Story 3 es el film ideal que deben ver los que eran pequeños en el momento de estreno de la primera parte. Toy Story 3 es la mejor opción en materia de animación y la cinta que todos nos debemos. Al menos, para saber si queda algo de la niñez en nuestro corazón.

CALIFICACION: EXCELENTE

Datos adicionales:

Con la tercera entrega llega una nueva tanda de juguetes dispuestos a complementar a los existentes. Son 14 nuevas creaciones:

Guisantitos, unos trillizos adorables con forma de guisantes ideales para los más pequeños de la casa y para llevarlos de llavero.

Lots-o, es un oso color rosa y blanco que huele a frutas. Es el jefe de la guardería.

Buttercup, es un bonito unicornio de peluche con corazones como orificios nasales. (Voz:Cristián De La Fuente)

Trixie, es el típico dinosaurio de plástico que todo el mundo ha tenido alguna vez. ¿Tendrá algo con Rex?.

Stretch, es un pulmo pegajoso de color violeta.

Dolly, está llamada a ser toda una revelación como muñeca de trapo.

Sr Espinas, es un erizo suave y redondito.

Ken, un coqueto personaje que oculta algo más que su exclusivo guardarropa. (Voz: Mike Amigorena).

Voces Versión Subtitulada

Tom Hanks ... Woody (voz)
Tim Allen ... Buzz Lightyear (voz)
Joan Cusack ... Jessie (voz)
Ned Beatty ... Lotso (voz)
Don Rickles ... Mr. Potato Head (voz)
Michael Keaton ... Ken (voz)
Wallace Shawn ... Rex (voz)
John Ratzenberger ... Hamm (voz)
Estelle Harris ... Mrs. Potato Head (voz)
John Morris ... Andy (voz)
Jodi Benson ... Barbie (voz)
Emily Hahn ... Bonnie (voz)
Laurie Metcalf ... Andy's Mom (voz)
Blake Clark ... Slinky Dog (voz)
Teddy Newton ... Chatter Telephone (voz)

Esta súper historia animada trae en escena a los clásicos personajes que ya se habían hecho querer en las dos anteriores emisiones (Buzz, Woody, Tiro al Blanco, Señora y Señor Cara de Papa y Jessie). Pero en un relato que habla de la amistad, el apego, el crecimiento, la lealtad y la esperanza como sostén.

Con un argumento sencillo, el film atrapa y sorprende: Andy ha crecido, ingresa a la universidad y sus juguetes, incluido Buzz, son guardados en el ático dentro de una bolsa. Pero accidentalmente son tirados a la calle, confundidos con los desechos.

Woody logra rescatarlos del camión de la basura, pero no de la mamá de Andy, que los envía a la guardería "Sunny Side" donde deben tratar de sobrevivir a los descuidos y “salvajes” tratos de los niños de pre-escolar. Pero ésta no es la única amenaza en “Sunny Side”, que obviamente no se develará acá.

Woody intentará salvar a sus amigos y hacerlos regresar con Andy antes de que se vaya a la universidad. Pero ¿lo logrará?.

Nos encontramos ante la aventura más ambiciosa que pudo haber soñado el realizador y a la vez con un resultado magnifico, que no dejó nada librado al azar. La película entretiene a los chicos y deja satisfechos a los adultos.

Sin lugar a dudas, Toy Story 3 es la consagración, no sólo de los creativos que trabajaron en ella y actores que pusieron sus voces, sino de los personajes. Pues en esta cinta logran su máxima plenitud “actoral”, en especial Buzz con sus "cambios de estado".

Si tenemos en cuenta la animación, no hay nada que reprochar, al igual que el excelente y entretenido guión, cargado de inteligentes gags. Además de los homenajes a títulos como Misión Imposible, con Tom Cruise y Cabo de Miedo, entre otros, recrea escenas clásicas o de culto.

Toy Story 3 es el film ideal que deben ver los que eran pequeños en el momento de estreno de la primera parte. Toy Story 3 es la mejor opción en materia de animación y la cinta que todos nos debemos. Al menos, para saber si queda algo de la niñez en nuestro corazón.

CALIFICACION: EXCELENTE

Datos adicionales:

Con la tercera entrega llega una nueva tanda de juguetes dispuestos a complementar a los existentes. Son 14 nuevas creaciones:

Guisantitos, unos trillizos adorables con forma de guisantes ideales para los más pequeños de la casa y para llevarlos de llavero.

Lots-o, es un oso color rosa y blanco que huele a frutas. Es el jefe de la guardería.

Buttercup, es un bonito unicornio de peluche con corazones como orificios nasales. (Voz:Cristián De La Fuente)

Trixie, es el típico dinosaurio de plástico que todo el mundo ha tenido alguna vez. ¿Tendrá algo con Rex?.

Stretch, es un pulmo pegajoso de color violeta.

Dolly, está llamada a ser toda una revelación como muñeca de trapo.

Sr Espinas, es un erizo suave y redondito.

Ken, un coqueto personaje que oculta algo más que su exclusivo guardarropa. (Voz: Mike Amigorena).

Voces Versión Subtitulada

Tom Hanks ... Woody (voz)
Tim Allen ... Buzz Lightyear (voz)
Joan Cusack ... Jessie (voz)
Ned Beatty ... Lotso (voz)
Don Rickles ... Mr. Potato Head (voz)
Michael Keaton ... Ken (voz)
Wallace Shawn ... Rex (voz)
John Ratzenberger ... Hamm (voz)
Estelle Harris ... Mrs. Potato Head (voz)
John Morris ... Andy (voz)
Jodi Benson ... Barbie (voz)
Emily Hahn ... Bonnie (voz)
Laurie Metcalf ... Andy's Mom (voz)
Blake Clark ... Slinky Dog (voz)
Teddy Newton ... Chatter Telephone (voz)

La Última Canción es un film basado en la novela del autor Nicholas Sparks (Un paseo para recordar y El diario de Noa) y pone en pantalla una historia que comienza como una película más para adolescentes y luego se va transformando en un drama familiar.

Todo arranca casi sin explicación de porqué una madre lleva a sus dos hijos, una es Ronny interpretada por Miley Cyrus (Hannah Montana), a pasar el verano junto a su padre(Greg Kinnear) en un pequeño pueblo costero del sur de Estados Unidos.

La joven y rebelde Ronny sentirá esta situación como castigo por estar obligada a convivir con quien, ella considera, la abandonó.

El padre intentará volver a conectarse con ella a través de lo único que poseen en común: la música, pero obviamente no le será nada fácil.

Junto a las nuevas experiencias, amistades, el primer amor y un descubrimiento familiar muy bien guardado, Ronny y su padre intentarán darse una segunda oportunidad y quizás conquistar en un verano lo que no lograron en mucho tiempo: entenderse.

Esta cinta tiene dos partes: la primera, destinada a jóvenes y, una segunda, que quizás como lo que le ocurre a la protagonista, se pone más seria y auténtica.

El film está dirigido por Julie Anne Robinson, en base a un guión de Sparks y Jeff Van Wie que no aportaron frases muy profundas, ni demasiado sentidas, posiblemente para una fácil comprensión de los menudos seguidores de la ex Hannah. Algo similar sucede con las interpretaciones: la más correcta es, sin lugar a dudas, la de Greg Kinnear (Pequeña miss sunshine, 2006).

Cuando los ángeles se pelean

Un año cargado de films apocalípticos. Legión de Ángeles no es la excepción, Dios totalmente cansado de los desórdenes e ingratitudes humanas decide ponerle fin a este mundo. Pero esta vez no con inundaciones, ni fuegos caídos del cielo o congelamiento terrenal, sino enviando a una legión de ángeles en los cuerpos de los humanos con el fin de exterminar todo. Y en especial, a un bebé que está por venir, hijo de Charlie (Adrianne Palicki) la camarera de un bar rutero en medio de la nada.

Esta original visión del director y guionista Scott Stewart mezcla suspenso, acción y algo de terror. Además cuenta con algunos efectos visuales bien logrados y quizás rememora a George Romero en los momentos de las invasiones de los humanos mutados y, cuando por medio de la TV y la radio, se enteran lo que sucede a su alrededor.

Paul Bettany (Código Da Vinci) interpreta al Arcángel Miguel que viene a la tierra en contra de la voluntad de Dios y con el único fin de mantener con vida al recién nacido. Y dispuesto a pelear y morir si es necesario por ello.

La película por momentos decae y se vuelve inconsistente, si bien logra captar la atención del espectador, tiene situaciones previsibles y deja muchos cabos sueltos. No muestra nada nuevo, quizás sólo la historia, que no es para nada celestial.

Las vertiginosas arenas del tiempo

El futuro puede corregirse a cada paso y cada uno forja su propio destino, es algo de lo mucho que dejó esta súper producción cinematográfica de los estudios Walt Disney que prometía acción, entretenimiento y muchísimo despliegue. Y cumplió.

El argumento en que se basa la película de uno los estudios que más sabe de entretenimiento, cuenta las andanzas del hijo adoptivo del rey Sharaman, protagonizado por Jake Gyllenhaal (El día después de mañana), el Príncipe de Persia (cuyo verdadero nombre es Ervey) en su travesía por las lejanas tierras de oriente.

Después de equivocadamente atacar una ciudad sagrada, obtener la daga misteriosa y capturar a la hija del Maharajáh, juntos continuarán un viaje en busca de la verdad, pero plagado de obstáculos que no le darán respiro a los protagonistas, ni al espectador.

La película es sumamente divertida y no decae en ningún momento, con pasos de Indiana Jones, Robin Hood o La Momia y potencia cada momento con un toque muy personal y gags en la medida justa.

El film de director Mike Newell está cargado con un reparto de actores como Alfred Molina (El Código Da Vinci) a quién también se lo verá este año en El Aprendiz de Brujo; Gemma Arterton, a quien se vio en la remake de Furia de Titanes y un hombre X como es Ben Kingsley, que hace muy poco se lo pudo disfrutar en La Isla Siniestra. (Todos sumamente correctos).

Saltos, corridas, magia negra, traiciones, amor y mucha acción en esta historia que de seguro traerá secuelas.

Mi heroe: Un Perro

Esta es una historia basada en hechos reales. De modo deleitable, el director Lasse Hallström narra cuando un profesor de piano universitario (Richard Gere) se cruza en la estación de tren con un cachorro.

Este pequeño de raza Akita hace notar su presencia y decide adoptar a Gere. Si, claramente el Akita adquiere a su amo.

Con el tiempo, el vínculo que los une se transforma en algo tangible y Hachiko, o Hachi, tal como lo apoda su compañero de vida, no precisa de palabras para expresar sus ideas y emociones.

El perro va cada mañana a la estación para despedirlo y también acude todas las tardes puntualmente para recibirlo.

Pero es entonces cuando ocurre una desgracia que pondrá a prueba el sentimiento de fidelidad existente entre ambos.

Nada más se puede agregar sobre el argumento de esta bellísima y cuidada historia. Donde Lasse Hallström prolijamente adornó con pulcros matices de luz en composé con el vestuario y una banda sonora que acompaña cada momento con exactitud (piano, instrumento que tocaba el protagonista).

La participación de Richard Gere es correctísima, al igual que la del grupo de reparto que componen la película como Jason Alexander (Amor ciego), Cary-Hiroyuki Tagawa (Elektra) y otros. Pero la actuación del canino Hachi, logra lo que pocos han podido realizar, sus miradas y gestos son casi teatrales.

Con una cámara casi canina, partes de la historia se pueden ver a través de los ojos de Hachi. Y este mundo puede resultar tan tierno como doloroso. La cinta lo hará notar no sólo por la altura de grabado, sino también en el detalle del cambio de tonalidades brindados por la visión del can.

El film fácilmente llegará al espectador y no solo lo tocará, sino que lo atravesará tiernamente con su relato.

Y es quizás la mejor manera de poner a prueba la sensibilidad humana personal, si este film no logra sensibilizarte, acaso nada lo hará.

¿Pueden siete días redimir a un policía de Brooklyn que ha tirado veinte años de su vida a la basura? Eddie Dugan (Richard Gere), al menos, piensa intentarlo. Después de que su matrimonio hace agua por todas partes y de buscar consuelo en una prostituta, se esforzará por enseñar todo lo que sabe a los jóvenes que acaban de incorporarse al cuerpo.

Otro policía, Sal (Ethan Hawke), está llegando al límite de sus fuerzas. Ya es padre de cinco hijos, pero su mujer ha vuelto a quedarse embarazada. Así que su sueño de irse a vivir a una casa grande y hermosa se está esfumando. Sólo su gran espíritu de sacrificio le permite levantarse cada mañana por un sueldo ridículo.

El tercer policía de esta historia es Tango (Don Cheadle), que tras llevar varios años infiltrado en bandas criminales ha sido abandonado por su mujer. Ahora, por fin, le han ofrecido ascenderlo, mejorarle el sueldo y retirarlo de estas misiones peligrosas. Pero antes tendrá que cumplir un último encargo: meter en la cárcel a su mejor amigo, Caz (Wesley Snipes).

Con este complejo argumento casi imposible de hilvanar, el director Antoine Fuqua, el mismo de El Rey Arturo (2004) y El Tirador con Mark Wahlberg (2007) supo ir desmembrando paso a paso cada historia y a la vez generar un vínculo de apego con tan desdichados personajes.

Al mismo tiempo todas las historias se encuentran al final, como si fueran canales de agua que plácidamente o torrentosamente desembocarán en el mismo mar.

Un drama policial que tiene como escenario las calles de Brooklyn, pero podrían ser las de cualquier ciudad. Con una problemática arraigada en muchos países, policías mal pagos, contextos carentes de apoyo y pasajes reflexivos sobre la vida policial.

La cinta funciona quizás como una crítica real a un problema real, y eso lo deja bien en claro.

Un caso serio y con poca gracia.

En este film Jennifer Lopez (Zoe) interpreta a una mujer autosuficiente que ha decidido que no está dispuesta a seguir esperando a que aparezca su pareja perfecta. Y está empeñada en convertirse en madre decidiendo hacerlo en solitario.

Ese mismo día, Zoe se encuentra con Stan (Alex O'Loughlin), un candidato con muchas posibilidades.

El Plan B intenta ser una comedia romántica que cambia el orden “normal” y para el director Alan Poul pretende ser graciosa. Quizás este tema tratado unos veinteaños atrás, podría haber sido ocurrente; hoy y, de esta manera, no.

Entre los protagonistas de una comedia romántica es más que necesario la complicidad y las miradas de conexión o lo que se suele llamar "feeling", ingrediente escaso en esta unión.

Las situaciones carecen de gracia y son casi todas predecibles, si bien es un género desgastado, este film no es la excepción y será uno más para agregar a la lista de películas olvidables.

Oculto para ser visto

El Mural es la última producción de Héctor Olivera, prestigioso realizador y productor argentino, premiado dos veces con el Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín, por recordadas películas como “La Patagonia rebelde” y “No habrá más penas ni olvido”, y director entre otros films también premiados como La nona, La noche de los lápices y su último film Ay Juancito. En la mayoría de los casos, plasma en el cine la realidad de un país que confecciona incidentes a diario.

En este caso se sumerge en parte de una historia donde la política, el arte, la literatura, las pasiones y los dramas familiares se barajan de una manera única. E imaginar una trama así, con la posibilidad de que sea cierta, pocos realizadores serían capaz de abordar.

Menciona cuando el muralista mexicano, David Alfaro Siqueiros (Bruno Bichir), llega al país en los años treinta para exponer y dar una conferencia. Además con el deseo de pintar un mural con temática revolucionaria en un gran silo de granos ubicado en La Boca. Todo se frustra.

Y el millonario Natalio Botana (impecable Luis Machín), poderoso editor del diario Crítica y amigo del Presidente de la Nación Agustín P. Justo (Luis Campos) le propone pintar un mural en el sótano de su quinta Los Granados, una gran mansión ubicada en las afueras de la ciudad.

Siqueiros acepta el trato, llama a su mujer Blanca Luz Brum (Carla Peterson), que había dejado en Montevideo. La cinta, con Los Granados como escenario, entre celos, muertes, enfrentamientos y una contradictoria Salvadora Medina Onrubia, (la siempre correcta Ana Celentano), hacen que la mansión se transforme en un campo minado, y que cualquiera lo pueda hacer estallar.

La película es sumamente correcta en detalles de vestuario y escenografía, al igual que la mayoría de las interpretaciones, que dan una imágen casi calcada de la época.

El film pasa cortesmente, pero deja pocas sensaciones en su camino, quizás falta de dramatismo (por ejemplo en la escena de la muerte) o las pasiones que eran desmedidas, pero poco transmitían.

La historia impacta por el contenido y por las personalidades que convivieron y transitaron por esos jardines: Pablo Neruda (Sergio Boris), entonces Vicecónsul chileno en Buenos Aires y amigo personal de Siqueiros.

Mi marido: el peor padre de Italia

Documental que narra sucesos jamás contados mediante testimonios y relatos dramatizados de manuscritos y expedientes que se encontraban guardados en los archivos centrales del estado italiano.

Quizás la historia menos conocida del Duce, es que Ida Dalsen, una intelectual y culta mujer, mantenía una relación sentimental con Venito Mussolini. Ella que se encontraba en una cómoda situación económica, cuando Venito decide darse a conocer y comenzar una carrera política, vende todo sus bienes para financiar el emprendimiento de su amado.

Venito Mussolini, feliz por esto, demuestra su contento de una manera muy particular. Abandona a Ida y se va en busca de reconocimiento y poder.

Ella entra en bancarota y, con Venito a la distancia, debe soportar las frecuentes infidelidades y el alejamiento del Duce, con el agregado de tener en su vientre un hijo de ambos.

Cuando Mussolini se entera de este embarazo, la vida de Ida será seguida por dramáticos sucesos, como persecuciones y calumnias. El mismo karma sería heredado lamentablemente a su hijo, hijo que no conocerá el amor de su papá, el primer mandatario italiano.

Historias de poder, amor, persecución e injusticias son parte de este documento fílmico que se baso en testimonios reales y cartas que nunca llegaron. Hay que tener en cuenta que si bien se dramatizaron algunos escritos con las voces, lo demás es un típico documental bien editado. Pero lo más importante de este film no es sólo eso, sino el trascendental contenido histórico que contiene. Contenido que hasta hace poco era solo un antiguo mito urbano.

Un gato hace la diferencia

La siesta del gato mas vago del mundo será interrumpida por Garzooka, el enorme y musculoso supergato que llega al Mundo de los Dibujos.

La malísima villana Vetkis ha atacado el pacífico planeta de Tontolandia y robado una invención que la ayudará en su afán de conquistar ambos mundos.

Garfield se unirá entonces a Garzooka y a su intrépido escuadrón de mascotas, conformado por las versiones de superhéroes transformados de Odie, Nermal y Arlene, para ayudar a salvar el universo.

Una producción llena de colores de altísimo contrastes y realizada íntegramente en 3D. Se debe tener en cuenta que este film no se vincula en absoluto con las anteriores cintas del popular y dormilón gato. Siendo esta una película totalmente animada y no como las predecesoras donde Garfield interactuaba con los humanos reales.

Además este film se dirige a un público exclusivamente de chicos (no tanto de grandes), que de seguro encontrarán una nueva aventura para disfrutar de este querible personaje.

La pesadilla soñada.

Su regreso era inminente, luego de tantas remakes, uno de los villanos más recordados de los ochenta está de vuelta. Su característica para el ataque también, Freddy Krueger cobra vida cada vez que una de sus víctimas duerme o simplemente pestañea por la somnolencia; un segundo puede ser mortal.

Y esto queda bien plasmado en este interesante film del realizador Samuel Bayer, un realizador que viene del campo del video clip para banda como Metallica y The Smashing Pumpkins. Pero en este caso supo no solo generar el clima adecuado para este asesino de adolecentes, sino se encargo de narrar la historia para que las nuevas generaciones supieran de quien se habla cuando alguien nombra a Freddy Krueger.

El actor Robert Englund, quién protagonizaba en el pasado al personaje, no se hace presente en este film. Es el turno de un nuevo Fredd, ya que debajo del chamuscado rostro se encuentra Jackie Earle Haley, conocido por su papel de Rorschach, en Watchmen. Jackie supo rendir homenaje a las anteriores pesadillas, trasladando gestos y movimientos del tradicional Freddy.

La trama además de hacer saber sobre los comienzos de este letal protagonista, trata de develar que vinculo existe entre los jóvenes que padecen de estas mortales pesadillas, en una comunidad que parece desconocer sobre el pasado de sus propios hijos.

Con el óptimo uso de los recursos de Las Pesadillas, el director Samuel Bayer supo aprovecharlas al máximo, cada parpadeo puede ser un nuevo lugar y cada puerta que se abre, una dimensión nueva a explorar. Sin excesos de efectos, muy bueno de sonidos y una excelente canción para el final de la cinta, esta Pesadilla sin duda, es el proyecto mejor soñado para este principiante realizador.

Para todos aquellos que en los ochenta perdían el sueño con Krueger y que quieran volver a verlo o para aquellos que quieran conocerlo, este es el film indicado. Ya que logra sintetizar en 90 minutos el espíritu original del personaje y consigue dejar atrás el triste recuerdo de la serie televisiva.

La Historia continua...

La historia continúa en donde había quedado, el poco modesto y millonario inventor Tony Stark anuncia al mundo que él es Iron Man y la fama le acarreará nuevas amenazas.

Ahora el gobierno lo considera un arma y desean que entregue (como irónicamente dice Robert Downey jr.) su prótesis especial.

Pero ese no es su único peligro, el proyecto primitivo del generador de energía cayó en las manos equivocadas; un hijo (Mickey Rourke, El Luchador) que busca venganza y reconocimiento, quién se unirá a un codicioso personaje (Sam Rockwell, Todos están Bien) que desea ser el privilegiado proveedor de armas de los Estados Unidos.

Con la sociedad dividida en dos y mucho en su contra, incluso su salud, Iron Man debe apoyarse en su fiel secretaria Pepper Potts (Gwyneth Paltrow, Los Amantes), James "Rhodey" Rhodes (Don Cheadle, Traidor) y algunos nuevos personajes (que no adelantaremos) y tejer una nueva alianza para enfrentase a estos múltiples enemigos.

La cinta desde el principio resulta cautivante, llena de acción y variados efectos, que nada hace pensar que hubiese sido mejor realizarla en 3D. Y cuando la tensión comienza a caer, toda la operación vuelve a arrancar y no habrá ojos capaces de captar todos los sucesos.

Los diálogos como es costumbre suelen tener mucha gracia, más cuando salen del egocéntrico Tony, con el agregado de la cautivante personalidad de Downey.

Este film cuenta con la participación de su director Jon Favreau (Solo para Parejas), que además de encargarse de llevar la cinta adelante, puso su talento como actor para interpretar al asistente y chofer de Tony Stark.

Entre las participaciones especiales están la de Samuel L. Jackson y la bellísima Scarlett Johansson que junto a algunas puntas de información, van desmadejando esta precuela de lo que será próximamente Los Vengadores.

Y para los que deseaban ver al Increíble Hulk o al Capitán América deberán conformase por ahora, solo con la aparición su escudo. Paciencia…

El amor, un problema universal.

La trama de Todos tenemos un… EX se centra en las vidas entrelazadas de seis parejas.

Una de ellas se encuentra conformada por Philip y Catherina (Nancy Brilli), un matrimonio roto que se encuentra en plena guerra de divorcio y cuya principal batalla gira en torno a la custodia de sus dos hijos.

Por su parte, Sergio (Claudio Bisio) un psicologo que debe hacerse cargo de la educación de sus dos hijas luego de la repentina muerte de su ex esposa.

Elsa (Claudia Gerini) se encuentra viviendo uno de los mejores días de su vida dado que contraerá matrimonio con Corrado (Gianmarco Tognazzi) pero, en el lugar menos pensado, se encuentra con su ex, quien actualmente es conocido con el nombre de Don Lorenzo (Silvio Orlando).

Julia (Carla Signoris) debe mudarse a Nueva Zelanda por lo que su relación sentimental con el parisino Marc (Malik Zidi) debe continuar a la distancia con miles de kilómetros que los separan.

En último lugar está Pablo (Fabio De Luigi), quien ve que su noviazgo con Monique (Cécile Cassel) peligra con la llegada de David (Alessandro Gassman), su celoso ex novio.

Llena de ocurrentes pasos de comedia la cinta va corriendo y logra atrapar con mezcla de ternura, humor y algo, porque no, de dramatismo al espectador.

Estas parejas europeas no se ven tan diferentes a las del resto del mundo, ya que el director Fausto Brizzi escribió el guión de manera casi universal con muy pocos toques de la cultura y costumbres que suelen verse en el cine italiano.

Todos tenemos un Ex, es una película muy fácil de seguir y las historias entrecruzadas jamás se anudan, permitiendo hacer más que llevadera a esta comedia romántica de dos horas.
Historias de amor y desamor entre adultos y adolescentes ya que al fin y al cabo todos tenemos un ex…

El origen del mal

Para hablar de La Cinta Blanca, inicialmente se debe mencionar que fue creada por un director emblemático de origen alemán, Michael Haneke. Cineasta que además a sus obras suele pincelar con sus otras dos profesiones: la filosofía y la psicología. Trazos que ya pudieron ser disfrutados en sus anteriores films La Profesora de Piano y Caché-Escondido y que dan un sello Haneke a sus creaciones.

La Cinta Blanca que como ya se había dicho en otras entregas, trata sobre una serie de sucesos que transcurre en un pueblo protestante del Norte de Alemania, hacia 1913/1914 en vísperas de la Primera Guerra Mundial.

Mientras todos se ven conmovidos por una serie de extraños e inexplicables incidentes que adquieren la forma de un ritual de castigo, un profesor tratará de ir demostrando una posible teoría de lo acontecido.

Los protagonistas principales de la historia son el barón, el pastor de la Iglesia, los niños del coro, un doctor viudo y el maestro de escuela que es partícipe y, conjuntamente, el encargado de ir narrando los hechos.

Pero esta historia viva no está basada en un hecho real, sino como dice el autor y lo traslada al comienzo del film “No sé si la historia que quiero contarles es verdadera en todos sus aspectos”, pero de seguro logra su cometido, dejar ese gusto amargo en la boca y esa sensación de querer saber más.

La cinta contó con más de 100 extras que resultaron de castings que se hicieron en zonas rurales de Rumania y Alemania, no dejando nada al azar como los rostros de los jóvenes del coro y el singular profesor y su prometida. (Escena inolvidable la de su primer encuentro, tanto por el dialogo como por la interpretación de ambos).

Como cierre Haneke decidió realizar la película íntegramente en blanco y negro para darle un entorno más creíble y de documento.

La Cinta Blanca resulta una ilustración cinematográfica que fue premiada en diversos festivales entre los cuales se hizo acreedora de Palma de oro Festival de Cannes (2009), Premio FIPRESI (2009) y Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera (2010).

Un bebe poco especial

Está Vivo!, está basada en la película de Larry Cohen filmada en 1974, cuenta la historia de Lenore (Bijou Phillips) una joven que está embarazada de su novio de toda la vida Frank (James Murray), pero algo horrible sucede en la sala de parto donde el doctor y las enfermeras son asesinados dejando únicamente con vida a la madre y al recién nacido.

La película solo se queda con las ganas de recordar a la antecesora, ya que no logra asustar ni cautivar al espectador. Por lo contrario, son muy pocos los momentos que consigue llamar la atención del público.

Sin buenas actuaciones, pocos afectos y mal uso de los recursos de sonidos, la cinta se queda a mitad de camino en algo que podía haber sido un homenaje a aquel Está Vivo!. E incluso se permitió pequeños bloopers, como por ejemplo cuando el hogar de Lenore y Frank se encuentra a oscuras y sin energía eléctrica, el timbre suena sin ningún problema.

En las películas de bajo presupuesto siempre es mejor no mostrar y dejar que el espectador se imagine, que mostrar algo de mala calidad o malo. Es algo a lo que el director Josef Rusnak no hace caso, cuando casi al final del film deja ver al pequeño bebe haciendo sus travesuras como si fuera un juguete sacado de un canasto de saldos.

Mucha sangre, muchos gritos y pocas ganas de recordar a una película que cautivo a sus espectadores totalmente atemorizados y que hoy se encontrarán con un film que no deja nada más que ganas de ir y alquilar el film de 1974.

Las cartas, testigos de un amor

Estados Unidos, Primavera de 2001: John Tyree (Channing Tatum) es un soldado de las Fuerzas Especiales y Savannah Curtis (Amanda Seyfried) una universitaria de una acomodada familia que está en casa por las vacaciones.

John y Savannah pertenecen a mundos diferentes, y cuando se conocen se sienten inmediatamente atraídos. Y pasan juntos dos inolvidables semanas, que marcarán para siempre a la joven pareja.

Cuando John decide volver a sus fuerzas de despliegue y Savannah tiene que regresar a la universidad, la pareja promete escribirse. Y es lo que los mantiene unidos, como único vinculo palpable, además de su incondicional amor que, pese a las distancias, se mantiene presente.

El director Lasse Hallström basó este relato sobre una novela del exitoso autor Nicholas Sparks, que narra cómo John debe alejarse de Savannah durante 6 largos años, las esporádicas visitas que él realiza y las mutuas cartas son el combustible que mantiene a esta relación en marcha.

Lasse supo utilizar los pocos recursos actorales del bello actor Channing y exprimir a la hermosa y talentosa Amanda (Mama Mia) generando una buena dupla de intérpretes.

Entre los que participan en Querido John se encuentra el conocido actor Richard Jenkins, quién participo de películas como ¿Bailamos? o se lo puede encontrar en Algo pasa con Mary, Yo, yo mismo e Irene, de los hermanos Farrelly; Caprichos del destino, de Sydney Pollack; o En tierra de hombres, de Niki Caro. En este caso interpretando al padre de John, que es un obsesivo y atento coleccionista de monedas. Y mantienen una relación entre sí tan fuerte que los defectos y diferencias de ambos, se hacen invisibles.

Querido John es una hermosa historia amor y una muestra de apego, fe y esperanza donde todos los vínculos parten del corazón.

El amor sucede

Si la vida te da limones, quizás solo te queden dos caminos: amargarte o hacer limonada.
Este es el concejo del siempre creíble actor Aaron Eckhart (Gracias por Fumar), que en este caso debió meterse en el papel de un viudo que tras la muerte de su amada esposa, decide escribir un libro con pasos para mejorar la vida de las personas. Marcando ni más ni menos que eso – que de un hecho lamentable, pueden ocurrir cosas para bien-.

En sus viajes de recorridas, la historia lleva a este gurú de la autoayuda a presentar su libro y dar unas charlas a Seattle, el lugar donde vivía su mujer con sus padres.

Mientras que los seguidores se sienten fortalecidos con sus palabras, desde el comienzo, nada de lo que él diga parece convencer al joven viudo y en la intimidad el director Brandon Camp lo muestra inseguro y triste.

Pero, como dice el afiche: Cuando uno menos se lo espera… Y es ahí que aparece en escena una joven florista, que está interpretada por Jennifer Aniston en un papel que le va mejor que en otras oportunidades, ya que logra relajarse y salir de su monoactuación, como en Viviendo con mi Ex o su más reciente film El Caza Recompensas donde realiza a menudo los mismos gestos y movimientos.

En esta oportunidad, si bien está algo más distendida y no sale de su peinado habitual, si permite otros matices de emociones e incluso realiza mucho menos su registrado tartamudeo.


Ella logrará llamar la atención de este orador y sin quererlo podrá sacar a la luz un lado oscuro y secreto, que al revelarlo quizás sea la liberación para él, pero a la vez un posible fin para el gurú del A-Okay.

El film cuenta con todo lo que puede tener una historia de amor: drama, secretos, ternura, humor, un loro y hasta un suegro interpretado por Martin Sheen (Los Infiltrados), un actor de raza que logra en sus pocas apariciones hacerse odiar y querer en diferencia de minutos.

Nuevamente Amor es el claro reflejo de que las cosas suceden, cuando uno menos se lo espera, suceden y está en uno en ver que hacer con eso.

Un caja sin muchas sorpresas

La Caja Mortal, The Box, aunque se la presente como una terrorífica cinta, es una compleja combinación de suspenso y ciencia ficción. Basada en el clásico cuento corto Button, button de Richard Matheson, fue escrita para la pantalla y dirigida por Richard Kelly, quién en su anterior trabajo (Donnie Darko 2001) fue premiado por Independent Spirit Award a la mejor ópera prima y mejor guión.

En este caso, la trama se centra en una pareja y su hijo que viven en los suburbios de los Estados Unidos. Ella, Norma Lewis, interpretada por Cameron Diaz (El Descanso), es una maestra de un colegio privado y él, Arthur, encarnado por James Marsden, un ingeniero de la Nasa. James se dio a conocer por participar de series como La Niñera o Party of Five. Pero sin lugar a dudas, su popularidad llegó a las masas cuando personificó a Cyclops en la producción de Marvel, X-Men.

La historia comienza rápidamente en una madrugada de 1976, cuando el timbre despierta a la familia. Si bien es vísperas de Navidad, la sorpresa que encontrarán detrás de la puerta no será el regalo más esperado. Ahora en sus manos se encuentra este extraño presente que puede cambiar sus vidas.

Un misterioso hombre con el rostro terriblemente desfigurado aparecerá en su domicilio (el correctísimo Frank Langella) y será el encargado de explicar que esta caja trae consigo la posibilidad de obtener un millón de dólares y, a la vez (sin posibilidad de elección), alguien morirá en otro lugar. Esas serán las reglas y de ellos dependerá como sigue la historia.

Si bien la película tiene un buen y prometedor comienzo, que logra llamar la atención del espectador, después todo se diluye y lo concreto se hace agua. La historia se dispara hacia otros rumbos y la cinta va dejando a su paso muchos cabos sueltos. Más algunos pocos e innecesarios malos efectos especiales que lograron empañar el correcto trabajo de la gente de ambientación e iluminación.

La actuación de Cameron Díaz sigue siendo apropiada al contexto del film, al igual que Frank Langella, pero el clima general y los baches mencionados no ayudan mucho al resultado final..

Más allá de todo, muchos se preguntarán que se esconde detrás de esa caja mortal y quien maneja los hilos de esta fuerza sobrenatural.

Hay casos que nunca deben abrirse

Emily Jenkins, correctamente interpretada por Renée Zellweger (El Diario de Bridget Jones, Nueva en la Ciudad o Chicago entre otras,) es una consagrada trabajadora social especializada en problemas familiares que ha visto todo tipo de horrores domésticos, mentiras, negligencia y abuso.

Como toda trabajadora social cuenta con mucho trabajo y como ella misma cuenta: Tiene 38 casos. Hasta que le designan un nuevo expediente, su caso número 39. El de Lillith Sullivan, papel interpretado por Jodelle Ferland, una niña de 10 años de edad, cuya familia perturbadora y hermética deja a Emily conmocionada y preocupada.

Pero a la vez, se genera desde un principio un vínculo entre Lilith y Emily que va más allá de lo profesional. Lilith repite que sólo quiere que la quieran.
Cuando los padres de Lillith tratan de hacerle daño en un ritual nocturno, Emily interviene y logra salvarla.

Desconsolada por la soledad e inocencia de Lillith, Emily decide algo que nunca antes había hecho: involucrarse íntimamente. Con la esperanza de ayudar a la retraída niña, Emily le ofrece a Lillith un hogar cariñoso y feliz hasta que encuentre una familia adoptiva.

Y este argumento es el primer paso a una nueva vida en la existencia de ambas, para bien o para mal, ya que luego de este acercamiento, raros sucesos comenzarán a suceder y muy difícil será probar si realmente existe un culpable o son solo hecho fortuito y accidentes frecuentes.

Se puede decir que la película está dividida en dos partes bien definidas, una más oscura con datos inciertos y con muy poca claridad de que tema se está hablando. Y una segunda, en donde con todas las cartas sobre la mesa, la protagonista no sabe cómo hacer para seguir y terminar con lo que empezó: un expediente que nunca debió abrir.

El film del director Christian Alvart rodó otra película con mucho suspenso llamada Pandorum, y sigue usando como recurso el miedo psicológico. Y lo hace bien, ya que resulta efectivo y logra conectar al público con la pantalla.

Entre los que acompañan a Renée Zellweger, se encuentra uno de los actores más aprovechados por Hollywood en los últimos tiempos, Bradley Cooper (¿Qué pasó ayer?, Alocada Obsesión), que si bien se lo vincula con la comedias, las historias románticas o las de acción, como será próximamente el caso de Brigada A, lleva dignamente su papel de psicólogo infantil y a la vez le abre un camino a un rubro diferente.

La película cumple su cometido: atrapa, altera e inquieta, ¿Pero qué cosa tan terrorífica puede esconder una pequeña que aparentemente sólo busca que la quieran?...

Creer o no creer, esa es la cuestión.

Cuando se avista un OVNI, se llama encuentro de primera clase. Cuando se encuentra evidencia, es conocido como encuentro de la segunda clase. Cuando se hace contacto con los extraterrestres, es el de tercer tipo. El siguiente nivel, el secuestro o abducción, es el de cuarto tipo.

El film de Olatunde Osunsanmi, Contactos de cuarto tipo, viaja entre la delgada línea entre la ficción y la posible verdad o realidad. La historia cuenta que en Alaska misteriosamente desde la década de ´60, un número desproporcionado de la población ha sido reportada como desaparecida cada año.

A pesar de múltiples investigaciones que el FBI supuestamente ha llevado a cabo, la verdad nunca ha sido descubierta. En esta remota región, la psicóloga Dr. Abigail Tyler, interpretada por Milla Jovovich, la misma de Juana de Arco, de Luc Besson y de la saga Resident Evil, comienza a grabar en video las sesiones con los pacientes traumatizados y sin saberlo, irá descubriendo algunas de las evidencias más inquietantes jamás reveladas.

La película, muy bien editada y dirigida, relata los traumas que padece esta especialista y como su pequeño mundo se va expandiendo a medida que descubre lo casi inentendible. Y cómo para los demás esa realidad está más cerca de la locura que de lo verosímil.

Si bien no es la primera vez que nos encontramos con una producción de este estilo, recordando El proyecto Blair Witch, la española Rec o incluso la poco creíble Actividad Paranormal, ésta mezcla filmaciones de la protagonista y otras con la supuesta Dra. Abigail Tyler y lo mismo hace con algunos de los pacientes, haciéndolo de esta manera un film documentado.

Sin lugar a dudas, Olatunde Osunsanmi supo ir por ese camino, para dejar en todo momento migajas de dudas y así como dice la protagonista al comienzo del film: "está en uno creer o no".

Entre los protagonista se encuentra Elias Koteas a quién se lo conoce por ser protagonista de la serie La Ley y el Orden y trabajar en películas como El curioso caso de Benjamin Button (2009), además de Corey Johnson y Will Patton conocido por Armageddon (1998) o El Mensajero de la Oscuridad (2002), junto a Richard Gere.

Ahora solo queda verla y que cada uno saque sus propias conclusiones. Creer o no creer.

Los años en la mira

Amante Accidental es una comedia romántica justamente con esos dos componentes: humor y romanticismo, donde el director y guionista Bart Freundlich escogió a Sandy, una madre moderna ocupada con las tareas cotidianas y abocada de lleno a sus dos hijos, Catherine Zeta Jones, que viven en las afueras de la ciudad en un barrio y un hogar soñado.

Pero la trama da inmediatamente un giro cuando en forma accidental, revisando unos videos, encuentra a su marido con una de sus amigas. Sin mucho para pensar, en busca de cambio, deja esa vida detrás y viaja con sus hijos a la gran ciudad.

Está ciudad la espera con la suma de otras más obligaciones y riesgos. Se las verá sola, muy segura de sí misma, pero frágil a la vez y, con cuarenta años recién cumplidos buscará trabajo y donde vivir con sus hijos.

En esa búsqueda conocerá a Aram Filkestein (Justin Bartha) un joven veinteañero, que si bien se encuentra diplomado, trabaja en la cafetería que se encuentra debajo de su departamento.

Está relación que comienza como una amistad, sigue con el pedido de Sandy en ofrecerle a Aram que cuide de sus hijos y lo que continua es fácil de imaginar.

Aram se siente parte de la familia, el vinculo que se ha generado es muy grande, pero las diferencias de edades para la protagonista pasó de ser algo gracioso a pesarle fuerte y deberá decidir qué hacer con esta relación que se parece mucho al amor.

Con algunos momentos flojos o que no se cerraron bien en la historia, la película resulta muy llevadera, además de no ser muy extensa, que es un punto a favor a la hora de hacer una comedia para no perder el ritmo.

Enredos, risas, reflexiones e hijos de por medio dan una pantallazo de una realidad que hoy se ve más cotidianamente y que asombra a muy pocos. Diferencias de edades, de creencias, de culturas, de sexos o sociales ya no son un impedimento frente a los otros, sino muchas veces hacia uno mismo. Quizás sea lo que Bart Freundlich, el director, propone contar en esta historia de humor y amor.

Como perro por su hueso

Los estudios DreamWorks, los mismos que ofrecieron Madagascar, Kung Fu Panda e incluso Shrek, traen a las pantallas de los cines una aventura animada donde la historia se centra en un joven vikingo llamado Hipo (Hiccup).

Hipo habita en la isla de Berk donde los robustos pobladores pelean a diario con los diversos tipos de dragones, como si fueran plagas, ya que estos no sólo demuestran ser peligrosos, sino que también roban gran parte de sus rebaños e incendian las viviendas del lugar.

El joven vikingo si bien es el hijo de jefe del lugar, resulta ser un fracaso como guerrero y su popularidad es tan baja como su autoestima. Pero su voluntad y decisión lo empujan a intentar ser un verdadero vikingo como los son los demás pobladores.

Pero todo cambiará accidentalmente cuando conozca al dragón más temible de todos los tiempos y descubra su verdadera vocación. Pero lo más difícil será cuando intente demostrarle a su gente que esas bestias, tal cual las conocían, no son lo que parecen.

La historia entretiene a cada momento con mucha acción y momentos graciosos, y al enfocarse sobre un adolecente era inevitable agregarle momentos de drama e incertidumbres por parte del protagonista y su padre, pero no generan más que realismo a la situación.

Los efectos 3D están bien logrados, en especial en los momentos de vuelo y de explosión, que es donde más se genera el cambio en la vista, vista que de a poco se va acostumbrando a este tipo de imágenes.

Recordemos que este film se basó en el libro de Cressida Cowell y está dirigida por Chris Sanders y aunque en las salas se la verá doblada, en su versión original cuenta con las voces de Jay Baruchel a quien se lo verá próximamente en El Aprendiz de Brujo y Gerard Butler (300, Días de Furia), quein estará dentro de muy poco en las carteleras con Caza Recompensas.

Una cruda verdad

Una excelente historia contada en 1990 por Giuseppe Tornatore, en una inolvidable versión protagonizada por Marcello Mastroianni en una interpretación memorable.

Está vez una adaptación mucho más americana del argumento donde Robert De Niro interpreta a un reciente viudo que vive solo y se encuentra jubilado.

Quién a la espera de las fiestas de cada año, su única ilusión es ser visitado por sus ocupados hijos dispersos por los EEUU. Que si bien ya son adultos, los recuerda como pequeñas criaturas e incluso les prepara cosas y objetos no acorde a la edad.

Cansado de esperar y en contra de su salud y los diagnósticos médicos, decide emprender un viaje e ir en busca de sus presencias y sorprenderlos en sus actividades cotidianas.

Pero para sorpresa de él, las aparentes perfectas vidas de sus hijos, no son tal como las imaginaba y poco a poco las celestes nubes dejan ver un oscuro cielo de verdad.

Con sólidas actuaciones tanto por parte de De Niro como por los integrantes de esta familia conformada por Sam Rockwell, Drew Barrymore y Kate Beckinsale, que van develando uno a uno su verdadero mundo.

El director Kirk Jones logra una atmosfera de nostalgia en todo momento y muestra durante la película una metáfora casi explícita, los cables de teléfonos al costado de la ruta o el tren, como gritando en silencio que en estas épocas de tanta comunicación, fuera eso lo que faltara realmente -Comunicación-.

Si bien la versión italiana tiene todo la carga emotiva y de fuerza de las familias de esa región que suelen ser mucho más estrechas que las americanas, esta historia es muy consistente y creíble. Y puede llegar a ser un golpe bajo para muchos, ya que es un padre que desea que lo visiten y no le mientan.

Las imágines y las interpretaciones van relatando el film como si fuera una triste canción, que minuto tras minuto va llegando al final. Un final, que seguro, feliz no será.

Cámara, acción, fe y devoción

Sobre un marco post apocalíptico de la tierra, los directores Allen Hughes y Albert Hughes (ambos Desde el Infierno en 2002) muestran un mundo desolado y árido, donde solo abunda la necesidad, la miseria y el peligro.

En esas comprometidas calles una persona llamada Eli (Denzel Washington), provisto de lo indispensable para su viaje: armas, un misterioso libro, valor y mucha fe.

La película va llevando al protagonista por distintas pruebas de fuerza y decisión, que logra surfear bastante bien, como un guerrero inmortal y capaz de desafiar todo lo que se le cruce en su camino.

Pero como las provisiones son escasas debe a diario negociar elementos propios o encontrados para conseguir otros. Es así que sin desearlo se encontrará con un excéntrico buscador de libros (Gary Oldman), al que solo le interesa uno, ese libro lleno de fe que empuja a Eli hacia su destino.

Sin ningún desperdicio, la cinta corre junto al protagonista con buen ritmo y va entre la mística del bien y el mal y la acción de este personaje que es como Highlander infiltrado en la película de Madmax.

El director no se molesta en ocultar lo inevitable, dejando ver con facilidad de que libro se trata, pero guarda un pequeño secreto para el final, que le da un buen encuadre a la historia.

Mucha acción, buenas ambientaciones y como casi siempre, unas solidas interpretaciones tanto por parte de Delzen como así también del estupendo Gary Oldman.

Una comedia que intenta hacer reir

El director Marc Lawrence, quien tiene en su haber algunos títulos bastante conocidos, como Amor a Segunda Vista (Two Weeks Notice) y Letra y Música (Music and Lyrics), ambos también encabezados por Hugh Grant -uno junto a Sandra Bullock y el otro con Drew Barrymore-. En este caso, comparte cartel con Sarah Jessica Parker, Sam Elliott y Mary Steenburgen.

La historia parte desde una pareja de clase alta de Nueva York, sumamente exitosos ambos, pero a punto de separarse y que en forma accidental son testigos de un asesinato.

La policía una vez conocido el hecho, intenta protegerlos de este peligroso asesino y deciden ponerlos en un programa de protección de testigos, típico de películas americanas. Esta vez la idea es llevarlos de la Gran Manzana, a un pequeño pueblo en las afueras del estado de Wyoming.

Con muchos temas que hablar y otros tantos que solucionar, Meryl (Sarah Jessica Parker) y Paul (Hugh Grant) Morgan, ahora con nombres nuevos y vidas flamantes comenzarán a reconstruir una relación que hasta ahora venía cuesta abajo.

Son pocos los momentos de verdadero humor y muy pocos los enredos, que hacen que la comedia pase de largo y se vaya transformando en un drama light. Sin duda el director no supo aprovechar a dos buenos actores y los recursos del lugar (como geografía, costumbres de pueblo, accidentes, etc). Más teniendo en cuenta que son una buena pareja para la comedia romántica y suman espectadores solo con poner sus rostros en la cartelera.

Elisabeth Moss, Michael Kelly, Wilford Brimley, Seth Gilliam, Kim Shaw, David Call, Chad Brummett, Henry Herman y Beth Fowler, son algunos de los actores secundarios, que junto a los protagonistas componen este film, que sin lugar a dudas será uno más, pero poco recordado en sus carreras.

Otra visión sobre la historia de Genghis Khan

Mongol ahonda en los dramáticos y angustiosos primeros años del gobernante nacido bajo el nombre de Temudgin en 1162.
A medida que acompaña a Temudgin desde su peligrosa infancia hasta la batalla que va a sellar su destino, la película dibuja un retrato multidimensional del futuro conquistador.

Y lo muestra, no como la bestia malvada de apariencia vetusta, sino como un líder influyente, intrépido y visionario. Además como un hombre extraordinario y la fuerte relación con su esposa Borte, el amor de toda su vida y su más leal consejera.

Plagado de mística y fuerza el protagonista debe reponerse una y otra vez a cada caída. Y cada una de ellas, es una a una más profunda. Con luchas externas y consigo mismo, debe decidir qué es lo correcto para él, su familia y todo su pueblo.

Filmada casi en su totalidad en exteriores, en las tierras que vieron nacer a Genghis Khan, Mongol es una excelente forma de conocer esta apasionante historia y desigual cultura, para muchos, bastante desconocida.

Este film fue rodado en el 2007 y cosecho a su paso dos importantes nominaciones, una al Oscar a Mejor Película de Habla no Inglesa(2008) y otra como Mejor Película en los Premios de Cine Europeos(2008).

Buenas interpretaciones, lugares únicos, una historia legendaria e interesante son algunos de los componentes con los que cuenta esta súper producción dirigida por Segei Bodrov. Que si bien tiene acción, crueldad y escenas de drama, no deja de tener un trasfondo de historia de amor y superación.

Con el agua hasta las rodillas

Sólo para parejas es una comedia romántica que puede ser disfrutada mejor por aquellas personas que tienen algunos años de convivencia, ya que la propuesta y ópera prima del director Peter Billingsley trae en esencia, a cuatro parejas de cuarentones tipos.

Ellas son llevadas debido a la insistencia de uno de ellos a la isla paradisiaca Edén, encargada de solucionar problemas maritales a cargo de Jean Reno (La Pantera Rosa 1 y 2). Todo se ve hermoso y placentero hasta que descubren que si desean permanecer en la isla deberán someterse a test físicos y evaluaciones psicológicas.

Con un elenco de notables actores, Sólo Para Parejas, es una comedia que pasará seguramente sin ser recordada, ya que son muy pocos los momentos de pleno humor. Si, quizás, de dramatismo y reflexión. Entre el elenco Kristin Davis (Sex and the City), Jason Bateman (Amor sin Escala). Ken Jeong, John Michael Higgins (Sí Señor), Kristen Bell (Latidos), Malin Akerman (La Mujer de mis Pesadillas).

Cabe recordar que en el guión fue escrito por dos de los interpretes Jon Favreau y Vince Vaughn. Jon Favreau puede encontrarse en muchos films como actor secundario y es el responsable de dirigir las dos entregas de Iron Man, mientras que Vince Vaughn es recordado por papeles como Viviendo con mi Ex o Psicosis, y además es productor de esta cinta.

Entre las curiosidades de esta película pueden encontrarse al cantante y actor Carlos Ponce, interpretando a un sensual profesor de yoga un tanto exótico.

Pero lo más esclarecedor sin lugar a duda es la portada que representa al film, donde las parejas protagonistas están con el agua hasta las rodillas, quizás indicando que es momento de reveer las situaciones personales de cada uno.

Suspenso sueco

Los hombres que no amaban a las mujeres es una extraña mezcla de novela de protesta, perversión, romanticismo moderno y género negro. Ingredientes que unidos han dejado una muy comercial y entretenida película.

Esta es la primera parte de la trilogía de novelas Millennium, escrita por Stieg Larsson, y que ha vendido más de diez millones de ejemplares en todo el mundo. Por desgracia, Larsson no vivió para ver el fenómeno en que se han convertido sus obras y murió repentinamente en 2004 poco después de entregar los manuscritos a su editor sueco. La película en Europa recaudó más de 100 millones de dólares y fue vista por siete millones y medio de personas.

En esta entrega la historia se basa en el esclarecimiento de un confuso caso de hace casi cuarenta años, en el que una joven llamada Harriet Vanger, de una muy poderosa y adinerada familia, desaparece.
Su tío la cree muerta y sabe que alguien del clan está implicado. Para resolver este hecho contrata a Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist), un periodista con serios problemas legales. Al que luego se le suma una atormentada joven hacker llamada Lisbeth Salander (Noomi Rapace).

Con este argumento y una visual muy de serie televisiva, la cinta va logrando captar la atención en la historia, al mejor estilo de las novelas suspenso de Hadley Chase o Agatha Christie, con el agregado, obviamente, de las nuevas tecnologías de búsqueda de información para resolver el caso.

El director Niels Arden Oplev, más acostumbrado a las series que a los films, olvidó el reloj e hizo correr la cinta. Pero los 150 minutos que dura la proyección son muy llevaderos y dejó todo bien preparado para su continuación. (La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina y La reina en el palacio de las corrientes de aire).

La justicia en manos equivocadas.

Una interesante mirada sobre la justicia y la ley. Si bien no es la primera vez que se trata este tema en una producción cinematográfica (pena de muerte, arreglos judiciales, leyes limitadas, entre otros), este film tiene algo de todo esto, más el agregado excesivo de algunos detalles de sadismo.

El director F. Gary Gray (el mismo de La estafa maestra) cuenta la historia de un hombre interpretado por Gerard Butler (La Cruda Verdad), que luego de diez del asesinato de su mujer y de su hija frente a él y en su propia casa, queda totalmente desconforme con los resultados de la ley. Entonces regresa para realizar justicia por mano propia. No sólo contra sus agresores, sino también contra el fiscal del distrito (Jamie Foxx, El Solista) que llevo a cabo el caso contra los criminales.
Está venganza, no solo amenaza al hombre que permitió una condena leve para los asesinos, sino también al sistema y la ciudad.

Quizás con pocos momentos de intenso suspenso, la cinta lleva bastante bien la historia e incluso logra no imaginar un resultado final. Pero cuando se devela el secreto, el director decide finalizar rápidamente el film, dejando un sabor a inconcluso.

Y si bien la película arranca con muchísima fuerza y crueldad, luego va tomando un cauce mucho más psicológico y de tinte dramático. Con buenas actuaciones de todos los intérpretes: el premiado Foxx (quien está semana también se lo podrá ver en un papel más distendido en Día de los enamorados), la historia se deja ver y puede dejar conformes a los espectadores.

Un clásico, renovado

Si bien Astroboy tuvo sus comienzos en el año 1951, en 1963 protagonizó una serie en blanco y negro. Y cosechó tal éxito que en 1980 y en 2003 fue re-estrenada, ya en su última entrega se la pudo ver en canales como Cartoon Network y Warner Channel.

La historia está ambientada en la futurista Metro City, donde Astro Boy es un joven robot con poderes increíbles. Propulsionado por energía "azul" positiva, está dotado de súper poderes, visión rayos X, una velocidad insuperable y la habilidad de volar.

La película comienza con un suceso triste, ya que el hijo del Dr. Tenma muere accidentalmente, pero el realizador no da tiempo al dramatismo e inmediatamente comienza la trama, donde este famosísimo científico crea una réplica de su amado hijo, pero robot.

Y es ahí donde surgen los problemas de identidad, amor y la difícil labor de crecer en un mundo donde el pequeño Astro Boy no encaja.

El film es dinámico, tiene buena animación y respeta bastante bien la historia original, esto es un mérito, ya que contar la historia del robot, agregarle acción y entretenimiento en sólo noventa minutos, no era tarea fácil.

Esta propuesta animada cuenta con las voces de grandes artistas como: Nathan Lane, Donald Sutherland, Freddie Highmore (Astroboy), Bill Nighy, Samuel L. Jackson, Charlize Theron, Kristen Bell y Nicolas Cage como el Dr. Tenma, pero lamentablemente en la versión doblada no se pueden disfrutar.

El film logra su cometido y el realizador David Bowers (Ratónpolis o como se conoció en nuestro país Lo Que el Agua se Llevó) sabe entretener y elaborar historias, en este caso, un mito animado, Astro Boy.

Corridas, sangre y carne por doquier

Era hora de que un film de zombies sea realmente de humor. Esta comedia está protagonizada por Woody Harrelson (en el papel de Tallahassee), un tipo duro y cazador de zombies, que luego de perder lo más preciado en su vida, decide salir a un mundo plagado de muertos vivientes y exterminarlos. El otro, es Jesse Eisenberg (Columbus en la ficción) un joven adolescente, sistemático y algo miedoso que va camino a la casa de sus padres, con el fin de retomar los lazos familiares.

A ellos se suman dos hermanas mentirosas y sumamente desconfiadas: Emma Stone (como Wichita) y Abigail Breslin (Little Rock y quien fuera Pequeña Miss Sunshine), quienes desean librarse de los carnívoros ambulantes y también suelen sacarse de encima con facilidad a los seres vivos que caen en sus telarañas.

Desde el comienzo la película es entretenida y con muy buenos efectos visuales, y el joven Columbus va narrando en forma de cuento consejos y comentarios de los zombies y de los demás integrantes.

Disparatada de principio a fin, la propuesta del director Ruben Fleischer, logra entretener y jamás aburre, en momentos donde otros hubieran agregado minutos: son algo más de 80 que pasan rápidamente, sin extenderse en detalles con poco sentido e incluso poco deja saber de dónde proviene el virus que convierte a los simples mortales en entes.

Con la participación especial de un caza fantasma, como es el actor Bill Murray, que es visitado en su mansión por estos cuatro personajes. Bill, en este caso, hace de sí mismo y le agrega a la historia un toque de nostalgia y humor.
Tierra de Zombies es una propuesta muy interesante, que no tiene desperdicio y con un cierre de historia, que si bien es predecible, está bien logrado.

Justicia, sin Justicia ni justiciero

La película nos cuenta la historia de Julián Alvarenga (Diego Mesaglio), un joven de 25 años que tiene todo pero que la rutina diaria lo lleva a reflexionar y darle un rumbo sorpresivo a su vida.

Decide suicidarle, pero para darle sentido a su muerte, quiere matar a Jorge Rafael Videla (Dictador genocida argentino) y así justificar su decisión de morir. Previamente unirá lazos con su madre (María Fiorentino), amigos (Felipe Colombo) y terminará a relación con su novia, Lucía (Emilia Attías).

Este film cuenta con la participación especial de Juan Leyrado, en el papel de sacerdote y confesor de Julián, la aparición de Estela de Carlotto y la dirección de Nicolás Capelli. Este joven realizador de cine y TV con 27 años tiene una vasta experiencia en materia histórica, ya que filmó en el 2004 un documental llamado Historias de la Historia y en el 2005, Reconstruyendo la Fe, un documental sobre los testimonios de un oriundo de Luján y sus recuerdos.
Sobre Matar a Videla, quizás no hay demasiado que contar, es un film con un argumento poco profundo y con situaciones sin sobresaltos ni dramatismos.

Quizás lo único que nos mantiene a la expectativa y despiertos frente a la pantalla es el recurrente despertador del protagonista que suena todas las mañanas a las 7 am, como para marcar la división entre día y día. En definitiva, se podría haber llamado Matar a Cualquiera.
Sin lugar a dudas, se esperaba una mirada más comprometida del director y no la sensación de frio que transmite la película, que es lo único que transmite...

El regreso de otro clásico

Siempre es agradable redescubrir las clásicas historias de la mano de los estudios Disney y del dúo de realizadores John Musker y Ron Clements (La Sirenita, Hércules), quienes se encargaron también del guión. Esta vez contaron con música del ganador del Oscar, el compositor Randy Newman.

Basándose en el argumento del libro, esta película animada cuenta las aventuras de un atractivo y entusiasta príncipe, quien luego de llegar a la ciudad de Nueva Orleans, es encantado por un malvado personaje, y por medio de un maleficio, es encerrado en el cuerpo de un sapo. Pero, tal como cuenta la leyenda, solo el beso de una princesa puede romper el hechizo. Es ahí cuando entra en escena Tiana, una damita afroamericana honesta y trabajadora que, por intentar ayudarlo, se verá envuelta en un sinfín de complicadas travesías.

Con algunas variantes sobre el argumento original, esta mágica fabula tiene todos los ingredientes a los que nos tiene acostumbrado este sello, villanos muy malos, animales parlanchines, musicales con puesta en escena tipo Broadway, momentos emotivos y un final bien logrado.

Cabe aclarar que esta historia no tiene versión en 3D, lo cual sorprende, ya que venimos de un año con varios films en ese formato tridimensional.
En este caso, es una clásica aventura de Disney, que entretiene a los más chicos y deja, a lo largo de noventa minutos, sin aburrir a los mayores . Una cita con un cuento que hemos escuchado infinidad de veces.

Luchar por vivir

Tarde pero seguro, es la frase que mejor la va a esta propuesta de los hermanos Luc y Jean-Pierre Dardenne.
Luego de diez años de espera y de solucionar unos problemas legales, llegó el día de ver esta producción franco-belga en pantalla grande.

Escrita y dirigida por los hermanos Dardenne, la historia cuenta los malabares de una joven de 17 años, Rosette (Émilie Dequenne), para buscar y mantener un trabajo, en un mundo donde no sobran las posibilidades, y la lucha personal para no pasar a ser una marginada más de la sociedad.

Lidiando día a día con una madre alcohólica y viviendo en un lugar precario, la protagonista pondrá todo su empeño en conseguir un nuevo empleo.

Con una excelente actuación de Émilie Dequenne, la cual le valió un premio a la mejor actriz, en el Festival de Cannes (1999) y otro Premio al Mejor Film, en esta producción.

Rosette es una película con diez años… pero recomendada para los tiempos que corren.

La vida kurda

El director kurdo-iraní Bahman Ghobadi, es el responsable de Media Luna. Y lo ha hecho más que bien, al punto de ser merecedor de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián.
Esta historia se centra en Mamo, un anciano músico kurdo, que luego de 35 años de espera, le conceden un permiso para dar un concierto con su banda en Kurdistán.
Si bien parte de la historia es previsible en un país con burocracia, esto es sólo el comienzo.
Mamo y Keko (su fiel amigo) comienzan su travesía en un bus escolar y, para colmo, deben buscar a los diez hijos de este particular cantante, que viven en diferentes lugares de la región.
Además de sortear varios obstáculos, todavia queda una tarea: Mamo cree que para el concierto es necesario un voz femenina, la voz de Hesho.
Mujer que se encuentra recluida en la montaña, con otras 1333 iraníes. El Irán, las mujeres tienen prohibido cantar frente a los hombres, cosa que Mamo, decide no tener en cuenta y hará lo imposible por llegar a destino con la cantante e,incluso, pasar los controles policiales.

Media Luna es una obra ejemplar para disfrutar. Su historia, la música, la magia del lugar y sus personajes son queribles.

Mucho roce, poca chispa

Claramente una comedia sexual, pero a no imaginarse nada de otro mundo.

Para las seguidoras de Ashton Kutcher (Nikky, en la ficción) seguramente aportará a la parte visual de la película, el verlo semi desnudo y haciendo posiciones de Kamasutra, en muchas ocasiones y con diferentes mujeres. Pero no sumó nada.
La sensación que queda es algo negativa, si bien Ashton Kutcher en algunas comedias es hasta entretenido.

La cinta tiene dos partes bien diferenciadas: una con la presentación del personaje central, donde se lo muestra como un chico que viaja a Los Ángeles para experimentar una buena vida. Y las imágenes lo respaldan, ya que el joven (sin casa, ni auto) pasa de fiesta en fiesta y aprovecha techo, comida y dinero de la amante de turno.
En la segunda parte del film, mientras tiene una relación casi free con una chica de mediana edad (Anne Heche de John Q), conoce a una camarera llamada Header (Margarita Levieva de Invisible), quien definitivamente lo atrae por diferentes motivos.

En esta parte, es cuando quizás la trama toma color y se torna más interesante, pero no logra conquistar demasiado la atención. Con un final bien resuelto, el director David Mackenzie (quien en el 2007, ganó el Oso de Plata del Festival de Berlín por su film Hallam Foe ) le da un cierre prolijo y casi inesperado.

Una película recomendada para las miles de seguidoras de la red social del joven actor, los demás… paciencia.

¿Un niño que sólo quería llamar la atención?

En esta comedia negra, el director Dany Levy nos transporta a fines del año 1944, cuando el mundo podía sentir que el poderío de Hitler se encontraba en sus últimos días.
Mientras que el argumento muestra a un Adolf Hitler (Helge Schneider) en los finales de su poderío y como quizás muchos lo imaginan: deteriorado, débil y casi al borde de la locura. Con la necesidad de ayuda y el apoyo de un profesional que aumente su credibilidad y oratoria, para el discurso de Año Nuevo, ante una Alemania cansada y casi sin fe.

Para lograr esto, sus colaboradores deciden retirar de un campo de concentración a un maestro actor judío, Adolf Grünbaum (Ulrich Mühe) que va negociando su trabajo a cambio de pedidos inimaginables para el pensamiento nazi de la época.

En casi toda la película se lo puede ver al Fuhrer como un nene caprichoso, inestable y atormentado por los recuerdos de un padre que solía golpearlo.

Mientras este couch de la actuación trata de elevar la autoestima del dictador alemán y lucha con la idea de matarlo y vengar a su pueblo, los espectadores se irán enterando del plan que tiene la SS de matar al Fuhrer y cargar la culpa a Grünbaum.

Con algunas ideas ya vistas en la cinta de Tarantino (Bastardos sin Gloria): la traición al Fuhrer, las cámaras filmando la situación y la idea del atentado en manos de gente vinculada al cine. Esta historia comienza con mucho potencial pero no logra su cometido, que es hacer humor, y aunque la ambientación general es buena y muestra una Berlín casi destruída (con el agregado visual de imágenes en blanco y negro), se hace muy difícil mantener la atención en la pantalla y, más aún, reírse por las situaciones que presenta.

No hay dos sin tres, en 3D.

Suena raro comentar una película que fue estrenada en 1999, pero creo que con más razón hay una gran cantidad de público que merece verla y más en pantalla grande.

Está renovada propuesta de los estudios Walt Disney Pictures y Pixar Animation en un formato 3D es la excusa perfecta para que padres que ya la vieron, acompañen a sus hijos o ¿por qué no? tíos, hermanos o amigos, acompañen a alguien que no ha podido disfrutarla aún.

Son de esas historias que no tienen desperdicio, que tanto grandes como chicos puden disfrutar y pasar un muy buen momento. En este caso la aventura comienza cuando Andy esta en un campamento de verano y Woody es secuestrado por Al McWiggin, el codicioso propietario de la juguetería "Al´s Toy Barn" quién colecciona muñecos para venderlos a museos.

Los inolvidables personajes de siempre: Buzz, el Señor Cara de Papa, el perro Slinky, Rex y Hamm saldrán al rescate de su amigo vaquero. Y pasaran por los más peligrosos e inimaginarios lugares, donde solo estos valerosos juguetes lograrán llegar. Y lo peor: saben que si Al comercializa a su buen amigo Woody, jamás lo volverán a ver.

Esta aventura es el paso previo que nos llevará a Toy Story 3, la última de la saga, que se verá en julio de est año. En esta última parte se podrán apreciar los mejores efectos en 3 dimensiones, ya que Toy Story 1 y 2 fueron sólo remasterizadas.