Hasta que la peste los separe

Algunas cosas han cambiado para esta tercera entrega de zombis rabiosos. Ya no están en un edificio ni la historia es narrada en primera persona con cámara en mano. Los cambios, sabido es, no siempre agradan a todo el mundo.
Aquello que daba un plus a un tema tan trillado era la manera de contarlo, desde el punto de vista de alguien que grababa lo que sucedía a costa de su propia vida. Ahora el desparramo se arma en una fiesta de casamiento y es mostrado de una manera cinematográficamente clásica. No hay demasiadas sorpresas, apenas cierta tensión bien manejada en el inicio. Uno de los invitados está infectado y no pasa mucho tiempo hasta que se le despierta la voracidad.
La pareja recién casada pelea por sobrevivir y reencontrarse en medio del caos. La sangre en pantalla crece a tono con el clímax que ofrece un festival de mutilaciones que hará las delicias de los fanáticos del género.
No más que eso.

El mal de occidente

Sabido es que Japón es uno de los paises con mayor tasa de suicidios del mundo. El japonés con problemas acaba con su propia vida. En los EE.UU., aquel que tiene problemas acaba con la vida de aquellos que están a su alrededor, y luego tal vez, si tiene lo que hay que tener, se suicide.
A través de un relato deliberadamente teñido de una estética indie que logra saturar de la peor manera, la directora Lynne Ramsay se la agarra con la buena de Eva, exitosa editora de libros de turismo que lleva una vida felíz junto al exasperante Franklin, hasta que tiene su primer hijo. Abundan entonces las idas y vueltas en el tiempo para narrar cada momento en la vida de esta pobre infelíz a quien la autora del relato decidió hacerla sufrir lo indeseable.
Si hay algo que destila este filme es sadismo, para con la protagonista y también hacia el espectador que asiste a cuanta humillación Eva pueda ser sometida. ¿Y por qué le pasa todo lo que pasa? Desde el inicio se insinúa una tragedia. La que comienza con el primogénito que de tanto llorar y llorar logra que su madre disfrute del ruido de un taladro en plena calle con tal de no escucharlo gritar. Un auténtico chico-problema, o lo que en nuestro argot rioplatense denominamos un "pendejo insoportable" que mientras va creciendo va adoptando una personalidad realmente satánica que muestra solo a su madre.
Hay que destacar la actuación de Tilda Swinton quien encarna un personaje llevado al extremo al que es complicado acercarse, establecer cierta empatía incluso desde su fisic du rol, tan andrógino. Lamentable es el rol dado al siempre eficiente John Reilly, su personaje carece de profundidad, es apenas un boceto de lo que debería y por eso molesta más de lo que aporta. Los chicos que interpretan a Kevin cumplen con creces su interpretación de la maldad hasta que Ezra Miller corona al personaje como el adolescente sin límites que desata el horror.
Película de difícil asimilación, con serios desórdenes argumentales, acaba siendo un manjar solo apto para masoquistas.

Psicopateada

La joven rusa Sabina Spielrein (Keira Knightley) sufre crisis neuróticas que llevan a sus padres a internarla en Zurich donde el doctor Jung (Michael Fassbender) la trata con nuevos métodos psicoanalíticos. Es durante su tratamiento que la joven capta el interés de Jung más allá de lo profesional. Una vez curada, Spielrein junto a Jung frecuentan a Sigmund Freud (Viggo Mortensen) con quien discuten diversas tesis psicoanalíticas, encuentros que con el tiempo acabarán modificando el curso del psicoanálisis.
Keira Knightley hace gala de un oficio interpretativo encomiable al poner el cuerpo a un personaje en crisis. Su actuación es realista y por ende incomoda como solo un psicótico podría hacerlo.
El director asume una actitud más bien contemplativa, deja a sus personajes hacer delante de la cámara. En este caso Cronenberg, como Polanski en "Un dios Salvaje", filma teatro. Solo que este último deja su sello en el filme, algo que Cronenberg no consigue. Cuesta hallar al director de "Promesas del Este" o "Crash" en este filme prolijo y tedioso.
Las largas parrafadas que tienen a su cargo los actores tal vez hagan las delicias del público psicoanalizado o aquel que tenga interés en la materia. A los neófitos solo les queda el aburrimiento luego de haber conocido a los personajes en general bien interpretados, con excepción de Fassbender a quien no se le termina de creer del todo.

Tres para la aventura

Dos agentes de la CIA, compañeros inseparables capaces de dar la vida el uno por el otro, se proponen seducir y conquistar a una misma mujer. Esto sucede por una situación absolutamente casual, pero que los lleva a competir hasta llegar al límite de perder su amistad.
Uno de ellos tiene un hijo y está separado, el otro es soltero y siempre listo para la aventura amorosa. Ella viene de una ruptura sentimental algo vergonzante y acepta el juego de salir con dos a la vez, aunque ignora que ellos se conocen.
En el medio de esta situación romántica hay un malo muy malo que desea vengar la muerte de su hermano, caído en un combate descomunal que se presenta en el inicio del filme.
Comedia romántica que alterna momentos de acción bien logrados, todo a cargo de un trío solvente y con buena química. Reese Witherspoon se destaca con un rol hecho a su medida, en tanto Pine y Hardy conforman una pareja que da para más aventuras.
Pasatista, prolija y sin mayores pretenciones que las de entretener con calidad. Ideal para los que van al cine en un primera cita con segunda intenciones.

Otra lección del maestro

"Muchos escriben la historia desde el presente, pero olvidan el contexto" le dice un ya anciano Hoover a quien escribirá sus memorias. Clint Eastwood -director, productor y compositor de la música de esta película- se asegura de construir este relato basándose en esa frase y logra poner al controvertido personaje en una dimensión más justa. El Hoover que interpreta DiCaprio, con gran solvencia y credibilidad, es un hombre que ama a su país y a su sistema, y por ello detesta a todo aquel que quiera corromperlo. Es un hombre sincero, no hay especulación personal en su accionar.
A comienzos del siglo XX en los EE.UU. azotaban las bandas de bolcheviques que ponían bombas aterrorizando a la población. El joven Edgar observaba como la policía carecía de elementos para capturar a los terroristas. Su ímpetu y visión pronto lo pusieron al frente de la Oficina de Investigaciones que unos años más tarde lograría la autorización para actuar en todo el país, pasándose a llamar Oficina Federal de Investigaciones (FBI). Eastwood muestra con detalle la obsesión del hombre que no soportaba que los cirminales se salieran con la suya y dotó al FBI con lo último en tecnología aplicada a la investigación. Al mismo tiempo, Hoover se encargaba de investigar a todos aquellos que le parecían sospechosos de pensar siquiera en contra de su nación.
Eastwood no juzga, solo presenta las acciones de un hombre en el fondo débil. Su mirada es más bien humanizante, casi piadosa. El Hoover que chantajeaba a los presidentes para poder seguir en el cargo, solo porque se consideraba imprescindible. Y sabido es que a los imprescindibles la naturaleza los frena en algún momento.
La calidad del filme es la habitual en un maestro como Eastood, notable fotografía para crear momentos únicos acompañados además por la música del propio Clint. Un punto flojo es -a esta altura imperdonable- el maquillaje de los actores utilizados para convertirlos en ancianos. Según la luz, el de DiCaprio pasa, pero lo que le hicieron a Armie Hammer, quien interpreta al fiel compañero de Hoover, es inadmisible. Su buena labor es totalmente opacada por una máscara, no solamente exagerada, sino totalmente artificial. Es llamativo que semejante detalle haya sido pasado por alto en una producción de esta magnitud. Por lo demás, el ritmo del relato es constante, sin puntos sobresalientes, solo transcurre, sin efectismos.

Justicieros de azotea

Cuando los empleados de un edificio de lujo neoyorquino se enteran de la pérdida de sus seguros de retiro a manos de un estafador, el gerente (Stiller) junto a otros perjudicados organizan un plan para recuperar lo suyo.
El estafador es nada menos que un magnate de las finanzas quien además es el administrador del edificio, personaje inspirado abiertamente en Bernard Madoff, que es magistralmente interpretado por Alan Alda.
El leit motiv musical del filme es marchoso, un beat pegadizo con el que Ratner procura emparejar el relato. Ben Stiller al frente, secundado por un Eddie Murphy decidido a volver a las pistas y los siempre eficaces Matthew Broderick, Casey Affleck y Téa Leoni dan el soporte necesario para que la comedia funcione. En cuanto a la acción y la parte más "seria", la película hace agua, por predecible y poco rigurosa.
De todas formas lo que los protagonistas prometen desde la promo es otra cosa, y en eso cumplen.

Sombras, nada más

Si algo funcionó, entonces mejor no cambiar. O en todo caso, tal vez, exacerbarlo un poco. Con esa premisa Guy Ritchie lleva adelante esta segunda aventura del detective inglés protagonizado por Robert Downy jr., y bien acompañanado por Jude Law.
Aquí se ve a un Holmes más desquiciado y desopilante que en la anterior película, nuevamente hace uso de su peculiar percepción para encarar una pelea y sus discusiones con Watson son más extremas, como la acción que propone el filme.
El problema radica en el escaso interés que provoca un caso bastante débil contrapuesto con una acción excesiva que no consiguen amalgamarse del todo. Como resultado obtenemos algunas secuencias algo morosas que solo se salvan por la química de sus protagonistas.
Downey y Law forman una pareja preparada para lucirse hasta en la comedia más sofisticada, y aquí hacen su show propio que deja en segundo plano a la aventura.
Como en el primer filme, el trabajo de producción y dirección artística es destacable, como así también los efectos especiales.

Esta es la propuesta, si decide aceptarla

Esta cuarta entrega de la versión cinematográfica de la serie televisiva "Misión Imposible" está hecha a la medida del ego de Tom Cruise, mucho más que las anteriores. En este caso el argumento fuerza un conflicto con Rusia, desempolva la "guerra fría" y desarrolla una trama tan trillada y floja de argumento que solo le queda la acción.
La mala noticia es que la acción por la acción misma se parece mucho a subir a una montaña rusa, algo que tiene gracia por un rato nomás. El paso para que algo excitante pase a ser soporífero es muy corto y el director Brad Bird consigue darlo con precisión.
Engolosinado por el uso de gadgets a lo James Bond pero sin la gracia de ese personaje, Cruise hace lo que puede con Ethan Hunt, espía irrompible que encara sus misiones arriesgando lo máximo con tal de robar cámara. Así, el bueno de Cruise escala una torre en Dubai -con el consecuente apoyo de marketing que indica que la escena la hizo sin dobles-, salta entre plataformas, se desliza por un cable con su cinturón, etc.
Pero el descuido llega al punto de desaprovechar al actor sueco Michael Nyqvist (""Los Hombres que no Amaban a las Mujeres") a quien le hacen poner cara de malo o quitarse máscaras al mejor estilo Scooby Doo sin que pueda desarrollar su rol por sí mismo.
Es justo señalar que las escenas de acción están muy bien realizadas y algunas tomas son absolutamente espectaculares. A algunos con eso tal vez les alcance. A otros no.

El gato liberado

Tal como sucede en “Shrek”, donde varios personajes de cuentos populares se mezclan para dar forma a una historia, en “Gato con Botas” aparecen también personajes y situaciones de otros relatos ajenos al clásico de Perrault.
En esta, su primera película solista, Gato encara una aventura de características épicas, nada menos que rescatar las habichuelas mágicas capaces de hacer crecer un árbol tan alto como para llegar al castillo del gigante poseedor del ganso que pone huevos de oro. En la aventura no está solo, le acompañan una seductora gatita que le moverá el tablero y un viejo amigo con algunos inquietantes secretos.
El gato en cuestión es astuto y hábil con la espada, entrenado en el arte del embaucamiento y con un pasado que ahora se devela al espectador para ayudarlo a comprender el por qué de ciertas actitudes. El filme ofrece en sus primeros minutos una sucesión de gags efectivos y no exentos de gran creatividad. Es imposible no sorprenderse ante la calidad artística y tecnológica que se ofrece en esta producción. Los efectos logrados en la imagen son espectaculares y ponen el listón muy en lo alto para futuras producciones de este estilo.
La animación alcanza tal nivel de perfección que cuesta aceptar el hecho que estamos ante una película de dibujos animados, digitales, pero dibujos al fin.
La voz de Gato está a cargo del español Antonio Banderas, quien lejos de los éxitos que protagonizó como “El Zorro” ahora vive artísticamente a través de este personaje que bastante le debe al legendario enmascarado.
A diferencia de otros filmes similares, en este caso se recomienda su visión en 3D dado que sus detalles pueden ser mejor apreciados, pero no es excluyente.

El tiempo para el que lo disfruta

En un futuro no determinado, a través de la biogenética se logra que los seres humanos crezcan solo hasta los 25 años y a partir de entonces mantenerse jóvenes todo el tiempo que consigan obtener. Sí, porque el tiempo pasa a ser una divisa. Una llamada telefónica, el almuerzo, el colectivo, todo se paga con tiempo que se descuenta del que queda de vida. Es decir, si te quedan dos horas y el taxi te cuesta tres, pagás dos, te morís y quedas debiendo.
Will Salas (Justin Timberlake) es un obrero que vive en el ghetto y al día, literalmente, siempre tiene 24 horas para gastar hasta cobrar otras tantas por su trabajo. Pero un día su destino cambia al toparse con un sujeto que tiene en su haber nada menos que un siglo, es decir una fortuna. Sospechado de asesinato y portando algo que no debería, Salas es perseguido por el tenaz e incorruptible Leon, guardián del tiempo interpretado por el siempre destacado Cillian Murphy. En su huída, Will conoce a otras personas con mucho tiempo a su favor, entre ellos al magnate Weis y a su hija Sylvia (Amanda Seyfried).
En épocas de indignados reclamando distribución más justa de la riqueza mundial, este filme plantea conceptos básicos de economía capitalista llevados al extremo con una vuelta de tuerca interesante. La pareja protagónica tiene química, y ofrece buenos momentos de acción y comedia dentro de una película que se diluye mientras avanza hacia la obviedad y la correción política. Es muy buena la cinematografía en general, con una estética cuasi apocalíptica, no muy futurista y de logrados contrastes entre las diferentes clases que se muestran.
Entretenida, por momentos interesante y hasta casi provocadora, "El Precio del Mañana" no resulta tan caro.

La doble vida

Si bien no es la originalidad lo que se destaca en este filme, sí lo es su factura y la labor de sus actores. La rusa Ksenia Rappoport compone a Sonia, mucama de hotel, habituada a todo lo extraño que suele suceder en ese ámbito, desde suicidas hasta sujetos siniestros. De carácter introspectivo, Sonia frecuenta un bar de solas y solos donde conoce a Guido, un ex policía y actual guardia de seguridad con el que inicia una relación sentimental.
Pero la idílica situación es violentamente interrumpida cuando un hecho delictivo modifica no solo las vidas de los protagonistas sino también el relato. Capotondi, quien dirige el filme, comienza a jugar con el espectador sin que este sepa que deberá jugar. Las piezas del rompecabezas son echadas de manera morosa, casi con desdén. Por momentos modifica el registro, y el suspenso gana lugar. Es interesante la primera hora, tras la cual la tensión decae un poco y enfila hacia una resolución alejada de todo artificio.
Aunque "La Hora del Crimen" no alcanza la profundidad suficiente como para provocar en el espectador planteos acerca de las relaciones humanas, sí brinda varios giros y vueltas de tuerca como para mantenerlo entretenido, que no es poco y además con buen nivel cinematográfico.

La patria insultada

Si después de leer esta reseña todavía quiere ir a ver esta película, entonces no se olvide de agarrar una calculadora. El director se empeñó en contar casi un siglo de nuestra historia sin poner fechas; simplemente, señalando que lo que el espectador ve sucede dos meses después de lo que vió antes y lo que viene ocurre 20 años después y lo que sigue tres meses antes y así, cosa de marearlo bien, ¿vió?
Todo inicia durante las invasiones inglesas. Clarita es una niña bien que deja todo por un soldado y, según se desprende de sus constantes citas a Russeau, su ideales libertarios. Pasa el tiempo, queda embarazada y muere al parir a su hijo, quien con el tiempo se convertirá en un legendario soldado.
La historia nos lleva ahora de la guerra de la triple alianza a la campaña del desierto de la mano del Teniente López (Adrián Navarro), un cazador de hombres. Todo esto con una absoluta torpeza narrativa que mantiene al espectador perdido sin comprender adonde lo lleva el director, si es que lo lleva a algún lado. Si además sumamos la incapacidad que Juana Viale tiene para actuar, todo está escrito.
Pero falta señalar algo peor y es el rubro maquillaje. Ver el rostro de Navarro en primer plano, avejentado a fuerza de lápiz negro para simular arrugas es, a esta altura, insultante. Ni hablar de las barbas y bigotes que parecen de cotillón para alertar sobre este esperpento. Evítenlo.
Que esta sea una película del bicentenario, con la erogación que eso supone, habilita la discusión acerca de a quién y por qué se le da dinero para hacer cine. Esta película no lo merecía.
Nuestra calificación: Esta película no justifica el valor de una entrada.

El capo

Hubo una época en la que simplemente te sentabas a ver los dibujitos, sin el riesgo que apareciera una desubicada alertándote sobre el calentamiento global o tratando de explicarte lo que ya habías visto en la escuela. Solo te sentabas a disfrutar de tu rato libre viendo la tele, ni más ni menos. Uno de esos dibus era "Don Gato y su Pandilla", serie de media hora creada por la dupla Hanna-Barbera, quienes también nos ofrecían con el mismo formato a "Los Picapiedras" o "Los Supersónicos".
A cincuenta años de la primera aparición televisiva de "Top Cat", tal su nombre en inglés, se estrena este filme producido por México y Argentina que combina animación tradicional con gráficos en 3D. El resultado es ver a los personajes bidimensionales sobre fondos 3D que los hacen parecer figuritas flotando en el aire, algo tolerable con tal de poder ver a los personajes sin mayores cambios que alguna sombra agregada para dar un mínimo relieve.
Al margen de lo técnico, la película ofrece una aventura típica que busca divertir sin moralina. El conflicto inicia cuando Lucas Buenrostro se convierte en jefe de la policía, quita al oficial Matute de su lugar en el callejón donde vive Don gato y su pandilla, y comienza a implantar leyes absurdas en la ciudad que motivan al siempre rebelde Don Gato a luchar contra ellas, y contra los robots que Buenrostro puso en servicio en reemplazo de los policías.
Los conocedores de la serie estarán de parabienes al ver nada menos que al violinista Lazlo Lozla en acción y al Marajá que regala rubíes como propina. Pero lo mejor es poder escuchar las voces de Benito y Cucho tal como en la serie original y eso es porque afortunadamente los productores contrataron a Jorge "Tata" Arvizu, quien dobló a esos personajes en los sesentas, cuando también ponía su voz a Maxwell Smart. El trabajo de Raúl Anaya como Don Gato, en lugar del fallecido Julio Lucena, es muy bueno, mientras el argentino Sebastián Llapur compone bien al oficial Matute. Hacemos hincapié en las voces porque son las que han dado identidad a estas series animadas, al punto de hacerlas hasta más cómicas que las originales, y que en el caso de "Top Cat" la hizo más exitosa en latinoamérica que en los EE.UU.
Para disfrutar sin culpa, como antes, cuando solo queríamos divertirnos.

Delante de las narices

Un escritor de novelas deja su puesto como editor en una compañía para pasar más tiempo con su mujer e hijas en la casa que acaban de comprar. No tardan en enterarse que en esa casa, años atrás, se cometieron crímenes atroces. Dicen en el lugar que una mujer y y sus dos pequeñas hijas fueron asesinadas por el padre de familia, quien quedó libre luego de ser declarado inimputable.
Película de suspenso medido en la que no se tarda demasiado en dar la primera vuelta de tuerca, casi como para que el espectador no tenga que pensar demasiado justo cuando todo se vuelve obvio. Hacia el final, otro giro, y la suma de elementos sobrenaturales que convierten a esta historia en algo casi risible, pero el director frena a tiempo y da por acabado un filme que por tan predigerido es casi infantil.
El versátil Daniel Craig ofrece, como siempre, una buena labor actoral acompañado de la atractiva Rachel Weisz y una desdibujada Naomi Watts.

Pastillita, pastillita

Eddie Morra (Bradley Cooper) está bastante maltrecho, parece un pordiosero, su chica acaba de dejarlo y su carrera como escritor está en punto muerto debido a que sufre un bloqueo absoluto que no le permite siquiera empezar su primer libro. La vida es impredecible y Eddie va a comprobarlo al encontrarse en plena calle con su ex cuñado, un tipo dedicado a negocios non sanctos, quien le invita a tomar un trago. Impactado por lo mal que ve a Eddie, el sujeto le obsequia algo muy especial, de lo más caro en el mercado de las drogas, según él legales y próxima a salir a la venta. Una píldora que cambiará el destino de nuestro perdedor.
La pastillita en cuestión despierta la información que ha dormido en el cerebro; si es cierto que apenas usamos el 20 % de su capacidad, esta droga habilita el 80% restante. Así nuestro muchacho aprende a tocar el piano en un par de días, escribe su libro de un tirón y, lo más importante, se convierte en un mago de las finanzas.
El conflicto se presenta cuando otros quieren obtener algo del pequeño secreto de Eddie. especialmente el magnate Carl Von Loon (Robert De Niro) quien a regañadientes acepta el asesoramiento de Morra, solo por conveniencia ya que no lo considera un aténtico hombre de negocios, sino más bien un freak.
El relato es llevado con buen ritmo a lo largo de poco más de una hora y media, aunque con pocos momentos de auténtica tensión el director construye un cuento no exento de acción y algo de humor. en lo artístico no hay mucho para observar, Cooper cumple con el guión y se somete a las maravillas que el maquillaje y los efectos digitales pueden conseguir. De Niro, por su parte, no ofrece nada memorable, y ni falta que le hace.
"Sin Límites" es una historia que el público adoptará por presentar uno de las tantos fantasías del ser humano moderno, el de poseer una pastilla que solucione sus problemas. Magia, ni más ni menos.

Cachos de carne

Si viste las cuatro anteriores, entonces sabés de qué va la cosa. No hay sorpresas. Si no viste ninguna, entonces te contamos que esta entrega cuenta como un muchacho tiene una videncia mientras viaja con un grupo de compañeros de trabajo en un bus. Ve claramente como el puente por el que están pasando se comienza a derrumbar, los autos caen al agua, sus compañeros mueren de las formas más atroces y él junto a otros siete sobreviven. La videncia se hace realidad y los sobrevivientes pasan a ser buscados uno a uno por la muerte que no les perdona haber zafado de ella en su momento.
"Destino Final 5" es un muestrario bastante creativo de muertes mostradas en serie, sin mucho suspenso, casi como un trámite. Artísticamente intrascendente, esta película solo tiene sentido para aquellos que gustan de ver destripamientos, sangre, huesos rotos y otras lindezas, ahora en 3D.
Como acompañamiento para los créditos finales los fanáticos verán un compendio de las espectaculares muertes presentadas en las entregas anteriores con AC/DC de fondo. La frutilla del postre.

Re-construyendo a Cal

El divorcio de Cal (Steve Carell) y Emiliy (Julianne Moore) sirve como detonante para que su mundo, tal como ellos lo conocen, deje der ser como es. Cal es un cuarentón alienado que usa saco y corbata con jeans más grandes que su talle y zapatillas deportivas. Emily sufre la crisis de los cuarenta y necesita sentirse deseada. Claramente, en este punto de sus vidas no son el uno para el otro.
Cal se muda a un departamento y comienza a intentar llevar una vida de soltero. Día tras día bebe en el mismo bar, mientras maldice al hombre con el que su mujer lo engañó. Un galán habitué del lugar (Ryan Gosling) lo observa y decide convertirse en su mentor, quien le enseñe a desarrollar su sex appeal para enfrentar una nueva vida de soltero ganador.
Emily, por su parte, intenta combinar su tarea de madre y recién divorciada con el interés amoroso que despierta en un compañero de trabajo. En el medio, de forma intangible, se manifiesta claramente el daño que la rutina produce a las parejas y cómo al no detectarla estas se rompen.
Lo interesante de este filme es el cuidado conque cada personaje fue elaborado y cómo cada actor lo interpreta con gran solvencia. Claramente, Ryan Gosling como el irresistible y creido de sí mismo Jacob se lleva las palmas. Steve Carell es ya reconocido por su versatilidad, capaz de manejar el delicado equilibrio entre lo desopilante y lo trágico con habilidad, mientras Julianne Moore y Emma Stone ofrecen su belleza, además de talento, para satisfacer diferentes gustos..
El guión es sólido, aunque tanta "casualidad" y vuelta de tuerca terminen banalizándolo. Se trata de una comedia elegante, romántica, divertida, un poco extensa, pero digna de ser disfrutada.

Una maestra!

Elizabeth está a punto de casarse y por ello abandona su trabajo como maestra. Una vida de lujo le espera, pero lo peor está por pasarle: su novio la abandona al darse cuenta que ella sólo lo quiere por su dinero.
A la bella Liz no le queda otra que volver a la escuela que tres meses antes había dejado sin mirar atrás, como huyendo de la miseria. Ahora debe convivir con perdedores que pronto se volverán queribles y hasta necesarios para ella. Trepadora, inescrupulosa, sinvergüenza, sobradora e inmoral, Elizabeth tiene un sola cosa en mente: colocarse siliconas en las tetas. Los métodos a los que echará mano para conseguirlo hacen al chiste de la película, por ende no lo contaremos. Sólo agregaremos que Elizabeth no tiene idea sobre cómo tratar a los niños de su grado y tampoco le importa. Pero otra maestra la vigila y no tarda en sacarle la ficha, claro que no le será fácil culparla.
"Malas Enseñanzas" es una buena comedia, efectiva, con chistes eficaces -apenas escatológica si lo comparamos con el humor promedio que viene de los EE.UU. ultimamente- y que tiene en Cameron Diaz a su mejor elemento. La rubia está a punto de cumplir los cuarenta y aprendió a reirse de sí misma, sacar provecho de lo que tiene y aprovechar lo que la cinematografía puede hacer con ello. Se saca chispas con su contrafigura, la británica Lucy Punch, a quien vimos este año en el rol de la prostituta que acompaña a Anthony Hopkins en "Conocerás al Hombre de tus Sueños" de Woody Allen. Punch se luce como la inosportable maestra dedicada a intentar desenmascarar a Elizabeth, y en ese intento caer en las trampas de la rubia. En un rol secundario, Jason Segel aporta equilibrio y evita que el filme caiga en la desmesura.
El director maneja correctamente el timing de esta comedia que no es nada del otro mundo, pero que consigue lo que se propone: entretener y hacer reir, un rato.

El dolor inabarcable

Becca (Nicole Kidman) y Howie (Aaron Eckhart) forman una pareja adulta, sin apremios económicos que viven en una bonita casa en los suburbios de Nueva York. Todo sería casi perfecto si no fuera por el hecho de que ocho meses atrás su único hijo, de cuatro años, murió en un accidente.
Howie intenta buscar respuestas, o al menos algo de apoyo, en un grupo de ayuda formado por otras parejas cruzadas por la misma tragedia, al que becca no desea asistir. El dolor la hizo más dura, moldeó un humor ácido y áspero en ella mientras él sólo llora mientras ve un video del niño en su móvil.
Todo el filme lleva un ritmo calmo, no exento de golpes bajos, pero a la altura de las notables actuaciones que brinda la pareja protagónica. El director supo capturar los momentos en los que el dolor primero se sugería y luego estallaba. Kidman tiene su momento, en un auto, al romper en llanto, un llanto contenido, catártico, tal vez sanador. Sólo ella y la cámara observándola, en una fotografía natural, sin estridencias.
Acompaña la siempre solvente Dianne Wiest, como la madre de Becca, una mujer que también sufre la peor de las pérdidas, la de un hijo, pero por otras circunstancias distintas a las sufridas por su nieto.
Sin embargo, tanta prolijidad en escena, en la vida de la pareja que no es afectada por ningún otro conflicto, acaba por poner cierta distancia, impide la empatía y por momentos algunas escenas parecen más propias del mundo publicitario que cinematográfico.

Los ángeles del FBI

David Norris (Matt Damon) es la joven promesa de la política estadounidense, pero un diario hace mella en su carrera al publicar en tapa una foto impropia para alguien que pretende ser senador por Nueva York. Mientras David ensaya el discurso de la derrota en el baño de hombres del hotel donde montó su base de operaciones, una bella muchacha sale de uno de los cubículos. El flechazo es inmediato, y así como la chica apareció de la nada, desaparece corriendo por los corredores del hotel.
El encuentro con Elise (Emily Blunt) no fue casual sino algo programado por miembros de la "Oficina de Ajustes", sujetos dedicados a hacer cumplir el "plan" que su "presidente" trazó para cada uno en este planeta. Estos "agentes del destino" son los responsables de que las personas olviden sus llaves o derramen café en sus camisas para ajustar el tiempo y evitar o provocar algo en su futuro. Lo cierto es que Davis no debía volver a ver a Elise, pero un agente comete un error y el encuentro se da, en un colectivo.
Lo que sigue es, una vez más, la exposición de que el amor es más fuerte que todo destino trazado por quien sea, aunque se trate de agentes poco angelicales y más bien gubernamentales de un burocrático ser superior.
La presencia del veterano Terence Stamp, más la siempre efectiva actuación de Damon, no alcanzan para salvar una propuesta que no acaba por definirse y termina a mitad de camino entre una comedia de Disney y una oscura relectura sobre el libre albedrío.

El oso ataca de nuevo

Con los personajes ya presentados en una exitosa primera entrega no queda mucho espacio para sorpresa en esta segunda, por ello los productores apostaron más a la acción que al humor, dado que el listón habia quedado lo bastante alto como para animarse a hacer agua. Esta vez Po experimenta una doble aventura: la de rigor, que impone la acción del filme y una interna, tal vez algo profunda y por momentos oscura para el público más pequeño.
Lo que sí queda claro es que estamos ante una produción visualmente impactante, a esta altura de los más perfecto en materia de animación y detalle que hayamos visto. Los primeros planos de Po, su pelaje, los fondos que por momentos nos hacen dudar acerca de si no estamos ante escenarios reales; las escenas de lucha, impecablemente coreografiadas, todo hace a un conjunto de fantasía demoledor para los sentidos.
El guión no es tan divertido como en el anterior filme, sino que se centra más en la historia personal del panda y su lucha contra un villano implacable e impiadoso, cuya voz en la versión original es de Gary Oldman.
El final es abierto y deja asegurada una tercera entrega, para la cual deberán esforzarce mucho más, aunque la taquilla acompañe.

Alemanes funkys

Desde el inicio del filme, donde vemos cómo el lavavajillas le rompe los platos, tenemos claro que a Zinos las cosas no le salen todo lo bien que desearía. Dueño de un bodegón sin estilo donde sirve minutas y platos poco elaborados, el muchacho ahora está preocupado por el viaje de su novia a China, pero también debe cuidarse de los controles del fisco, de un hermano ladrón que sale en libertad condicional, de un cocinero fundamentalista y de un ex compañero de colegio que quiere quedarse con el terreno donde tiene el local.
Como una bola de nieve, el protagonista sufre cada embate del destino que de yapa le obsequia una hernia de disco. Desopilante, tragicómica, con algo de farsa, así puede describirse esta historia que el alemán Fatih Akin nos cuenta de manera expresiva y dinámica, con buen ritmo de comedia y buenas actuaciones, dotando a la trama con acertados roles secundarios y una banda de sonido que va del funk al rock, pasando obviamente por el soul.
Hacia el final, trastablilla Akin en la resolución, dejando un remate caprichoso, sin ingenio, poco merecedor de todo lo expuesto anteriormente durante el metraje. Sin embargo el resultado final es bueno, como un plato al que sólo puede criticársele la falta de un poco de sal.

Qué cosa fuera...

“Thor” es el nuevo eslabón en la cadena cinematográfica de Marvel, uno más que acabará conformando un todo llamado “The Avengers”. Ahora es el turno del hijo de Odin (Anthony Hopkins), desafiante, atrevido y algo inmaduro para llevar la corona que su padre desea cederle. Su hermano Loki (Tom Hiddleston) cela a Thor desde que eran niños y no se muestra felíz ante el hecho que su hermano herede el trono. Estos datos aportan a la trama el giro shakespereano que tan bien le sienta al director Kenneth Branagh, quien juega con la trama creando una versión muy libre del “King Lear” escrito por El Bardo.
Desterrado de Asgard y obligado a plantearse su forma de proceder, Thor es hallado en la tierra por la tenaz astrofísica Jane Foster (Natalie Portman). El Mjolnir -martillo de poder del dios del trueno- también fue enviado a la tierra, pero Thor no podrá hacer usarlo hasta que sea digno de él. Mientras tanto, los agentes de S.H.I.E.L.D intentan descifrar de qué se trata el extraño objeto clavado en medio del desierto de Nuevo México.
Hopkins se mueve con soltura en el rol de Odín, rey de Asgard. Solvente y fundamental para darle al relato una base sólida en lo actoral alrededor de la cual el resto del elenco cumple satisfactoriamente con los roles asignados, en especial Tom Hiddleston como el misterioso Loki.
En cuanto a Chris Hemsworth, éste se enfrenta al veredicto de los fanáticos del personaje, a quienes tal vez no impacte de entrada pero a los que seguramente conformará con el correr de la cinta, ya que Hemsworth consigue dotar a Thor de las características épicas que corresponden al dios del trueno.
Generosa en escenas de acción, éstas no distraen del conflicto central aunque las escenas terrestres y sus conflictos no estén tan cuidadosamente desarrolladas como las del reino celestial.
Abrumadora en lo visual, los escenarios creados digitalmente son vastos e inabarcables a simple vista. El nivel de detalle es asombroso y los efectos especiales impactantes. Sin embargo, aunque parezca mentira, la producción no encontró la manera de que algunos postizos capilares se vieran naturales. Por otra parte, el filme es altamente disfrutable en su versión clásica en 35 mm, ya que fue filmada en ese formato y el efecto tridimensional agregado en post producción.

"¿Dónde vas, Torrente...?"

En 1999 se estrenó en Argentina "Torrente, el Brazo Tonto de la Ley"; la segunda y tercera entrega no tuvieron distribución el país, ni siquiera en DVD. Ahora, gracias al sistema de proyección digital que abarata costos de distribución, llega la cuarta aventura del desagradable José Luis Torrente. El actor, escritor, productor y director Santiago Segura comenzó desde muy joven a delinear personajes marginales, sexópatas e inadaptados. Torrente es la versión más acabada de sus criaturas. Guarro, corrupto, amoral, sucio, racista y desalmado, es además un perdedor y paria en un sistema que fabrica criaturas como él, pero no tan completas.
Ahora, el ex policía Torrente se ve envuelto en una trama llena de traiciones y sed de venganza. Por motivos que desconoce acaba en la cárcel y para descubrir el por qué debe escapar e iniciar una investigación. Claro que lo hará con la ayuda de los secuaces más frikis que haya mostrado el cine. Segura es hábil para convocar a los más bizarro del medio español. No duden que si hubiera tenido a su alcance a Zulma Lobato la habría incluido en el filme.
El humor de Segura es directo, escatológico, básico y politicamente incorrecto. Pero tiene el mérito de no ser culposo. Al contrario de los Farrelly que manejan un estilo similar, estos necesitan justificarse en un trasfondo moral que de algún modo los redima. Segura no necesita de eso, él va como un cabezazo directo a los dientes, más que tensando la cuerda, rompiéndola, con el único fin de provocar la risa. Ni más, ni menos.
"Ahora hay un negro en la Casa Blanca" se queja ante la tumba de su admirado Fary, cantante popular español fallecido hace un par de años. Tiene sub-alquilado su departamento a "sudacas" indocumentados que valen para él unicamente el dinero que estos le dan y se lamenta por el hecho de que los homosexuales puedan casarse.
La trama queda en segundo plano, está claro que no tuvo interés en desarrollarla y sí en poner la mayor cantidad de gags posibles, como así también en incorporar muchos cameos. Así podemos ver las breves participaciones del Kun Agüero, David Bisbal y el "pipita" Higuaín, por citar a los que pueden ser reconocidos aquí. En pelis anteriores, Segura supo contar nada menos que con José Luis López Vázquez y Oliver Stone.
Esta cuarta entrega de "Torrente" está muy lejos de la calidad de la primera, que nunca fue superada por sus sucesoras. El tono de comedia negra y el buen pulso cinematográfico se perdió a cambio de dar "más de los mismo", slogan con el Segura promocionó oportunamente la segunda entrega. El mismo Segura que prometió seguir haciendo filmes de Torrente siempre que la última sumara un sólo espectador más que la anterior. Está claro que ahora sólo busca satisfacer al espectador medio que no busca la calidad que Segura es capaz de ofrecer, sino una sucesión de gags zafados y apariciones sorpresivas de la fauna mediática española. Y él lo sabe, y lo explota.
Experto en autopromoción, Segura llegó a Buenos Aires para estar presente en el estreno local. Sus películas sólo son conocidas gracias a la web y la posibilidad de bajarlas porque alguien decidió compartirlas; entonces una legión de frikis, snobs y sinceros admiradores de alguien que, a no dudarlo, ama el cine, intentan encontrarlo pese al magro manejo de prensa de la distribuidora que hasta ahora no supo sacarle el jugo mediático a un tipo siempre dispuesto a dar espectáculo.
"Torrente 4 - Lethal Crisis" se presenta en 3D, formato que ayuda a obtener una mayor recaudación y que Segura apenas aprovecha para un par de chistes. Con todo, es de celebrar que aunque no sea lo mejor que pueda dar, igual se estrene en Argentina.

Babosónicos

Rick y Fred son amigos, algo así como Pedro y Pablo de los Picapiedras pero más boludos. Ambos están casados, enamorados, tienen un buen pasar pero no están del todo satisfechos con sus matrimonios. Rick se da vuelta a mirar cuanto culo se le cruza, con su esposa al lado, y Fred acostumbra a masturbarse en el auto cada vez que su mujer se niega a tener sexo. Con este panorama, entre otras situaciones que no develaremos, sus mujeres deciden entonces tomar una decisión final para salvar sus relaciones: darles a sus maridos un pase libre durante una semana para que se comporten como si fuesen solteros y así se saquen las ganas de una vez por todas.
Y ahí van nuestros pavotes amigos a vivir la vida, o al menos a intentarlo. Los Farrelly llevan su humor al extremo, ajenos a cualquier sutileza, grotescos, escatológicos y capaces de generar algunas carcajadas luego de bombardear al espectador con gags a repetición.
La fórmula no es novedosa para quien guste de este tipo de filmes. Hay un poco de todo lo que ya se ha visto desde "Colegio de Animales" hasta "¿Qué Pasó Ayer?". Con un trasfondo moralizante, guión desparejo mas buenas actuaciones, "Pase Libre" es un entretenimiento a medida para espectadores nada exigentes en materia cinematográfica.

Golpe bajo a golpe bajo

Melodrama telenovelesco con tintes sobrenaturales que tiene como protagonista a un médico especializado en el tratamiento del dolor en pacientes terminales. Diego (Eduardo Noriega) es el médico en cuestión, quien luego de una discusión con el marido de una paciente, y con arma de fuego mediante, adquiere un extraño don que le traerá más problemas que soluciones.
En la primera escena se presentan interesantes personajes secundarios, cada uno de ellos con diferentes dolencias, pero que al transcurrir el relato se van desdibujando, con excepción de uno que acaba siendo una pieza clave en la historia al adquirir un protagonismo que a otros bien les habría venido.
Aunque de buena factura técnica, especialmente en la fotografía, el filme flojea en su argumento, agravado por un relato propio de teledramón vespertino. Si a eso le sumamos las actuaciones, correctas en general, pero marcadamente televisivas, el resultado es poco satisfactorio, más allá de las evidentes buenas intenciones.

Los marines de siempre

Extraños meteoritos caen sobre el planeta y pronto se descubre que son naves extraterrestres decididas a atacar a la raza humana. Varias ciudades del planeta son destruidas sin piedad y la ciudad de Los Ángeles no será la excepción. Es entonces cuando un grupo de élite tiene la misión de evacuar un sector antes de que los alienígenas arrasen con todo. Esta tarea es llevada adelante por un grupo de hombres comandado por el teniente martínez, secundado por el sargento Nantz (Aaron Eckhart).
Nantz carga con la muerte de varios de sus muchachos en Irak y esto genera desconfianza por parte de los actuales soldados que dependen de él para sobrevivir en la batalla.
Un acierto del director es presentar a los personajes desde el inicio con agilidad y de manera verosímil, con fluidez introduce a los protagonistas no sin cierto toque de humor. La idea es ir rápido a la acción, no hay lugar para suspenso alguno. Los meteoritos pronto se revelan como naves enemigas de otro planeta y la misión comienza de inmediato. Obviamente no faltan las analogías patrioteras y los lugares comúnes del género.
Con ritmo semi documental, cámara en mano, vértigo en el montaje y buenas actuaciones, la propuesta no tarda en diluirse ante la falta de sorpresa. El director quema los cartuchos muy pronto, la resolución se hace evidente y no queda más que ver la artillería de efectos especiales utilizada para destruir Los Ángeles a la espera del final.

WTF?

¿De qué trata esta película? Vaya uno a saber. Está Nicolas Cage con quincho nuevo, hay una rubia bárbara, hard rock del montón, efectos especiales muy berretas, algunas minas en tetas, autos muy pisteros y un sacrificio diabólico por realizarse.
El guión no tiene ni pies ni cabeza. Pero se adivina que Milton (Cage) busca venganza y cuidar a un bebé que está en manos de seres diabólicos que quieren matarlo para ofrendarlo al diablo. En su camino se cruza con un chica llamada Piper (Amber Heard) que luego de romper con su novio se une a Milton en la aventura. También se topa con "el contador", el mejor personaje del filme a cargo de William Fichtner, algo así como el supervisor de satán que persigue a Milton.
Todo el mundo sabe que el límite entre ser canchero y ser ridículo es muy delgado. El director Patrick Lussier deber saber eso, pero no vió el límite con claridad y el resultado está a la vista. La trama compite en estupidez con "Matar o Morir", aquella con Clive Owen y Monica Bellucci. Más aún, una escena de aquel filme está descaradamente copiada en este.
El destino de esta cinta debería ser su exhibición en el televisor de un pub, de esos con pool y música fuerte, para que alguno la mire de reojo entre bola y bola, cerveza en mano, riendo con lo cutre de la propuesta.

Entre la piedra y la pared

Aron (James Franco) emprende el viaje bien preparado, apenas se deja la Victorinox en un armario, pero por lo demás va equipado para pasar un día recorriendo montañas y quebradas en el desértico paisaje de Utah. La tiene clara Aron, conoce cada rincón del lugar. Si hasta se ofrece de guía a un par de chicas con las que comparte un rato nadando en lagos subterráneos.
Tras despedirse de las señoritas, el joven ingeniero sigue su trayecto. Ante una grieta que no debe suponer ningún desafío saltar, el destino pone literalmente una piedra en su camino que lo hace caer, y junto con él la piedra cae también. Sobre su brazo derecho. Situación: Aron está en una grieta de una montaña, seis metros bajo la superficie atrapado con una piedra aplastando su brazo. Y nadie lo sabe. Porque el ingeniero no dió muestra de inteligencia alguna cuando omitió avisar a sus allegados adonde iba y qué tenía pensado hacer. Ahora está solo, con su equipo de alpinista, una botella de agua y una navaja china sin filo.
El director de "Slumdog Millonaire" optó por un montaje clipero, muy apto para MTV. Si por momentos hasta parece un separador de la otrora cadena musical. Desafortunadamente esa elección estética y los poco profundos pensamientos que tiene el protagonista, mostrados como flashbacks, restan en lugar de sumar. La comparación con "Enterrado" se hace inevitable por momentos. Rodrigo Cortés supo transmitir la angustia del protagonista en un ambiente limitado. Boyle no lo logra, se distrae, se le escapa la intención y al promediar el filme sólo esperamos que se resuelva.
Sin dudas la labor de James Franco, un actor que trabajo tras trabajo va mostrando su versatilidad, es lo más destacable y merece todos los aplausos dentro de una película que no consigue pasar de lo anecdótico.

Búsqueda frenética

El catalán Colet-Serra parece tener predilección por las historias que van en una dirección y luego, drásticamente, cambian de rumbo. Lo hizo bastante bien en "La Huérfana" y ahora lo hace mejor en "Desconocido", aunque la temática de la pérdida de identidad en medio de una intriga es algo harto visto.
El Dr. Martin Harris (Liam Neeson) llega a Berlín con su esposa, pero antes de ingresar al hotel se percata de que olvidó su maletín, con el pasaporte adentro, en el aeropuerto. Sin avisar a su mujer, que está haciendo el check in en el hotel, Harris toma un taxi para regresar por el maletín. En el camino sufre un accidente de tránsito que le provoca un traumatismo que lo deja cuatro días en coma en un hospital. Al despertar va en busca de su esposa pero ésta no lo reconoce. Más aún, ella está con otro hombre también llamado Martin Harris.
La crisis de identidad no tarda en aparecer, y el Dr. harris comienza a dudar, empieza a considerar la locura, pero la memoria no le falla del todo y trata de atar cabos.
Desde el comienzo el clima es inquietante, Neeson impone su oficio y en cada gesto transmite las tribulaciones de su personaje, pero el director no consigue ir más allá. La sombra de Hitchcok se impone y hace que se espere más de esta propuesta. 
En el elenco se destacan dos figuras de lujo: el alemán Bruno Ganz ("La Caída") y Frank Langella, quienes comparten una escena clave dentro del filme, mientras el resto cumple correctamente.
El cambio de registro hacia el final de la historia es algo brusco, repentino, y toda ilusión de originalidad para resolver la trama se pierde por completo, por lo que "Desconocido" no alcanza a ser lo que insinuaba en su primera mitad, pero cumple como un correcto filme de suspenso y acción.

Y si no se tiene fé...

Otra de exorcismos, y esta vez basada en hechos reales. Sólo que en esta caso la trama no se centra en un poseído sino en un aspirante a sacerdote que atraviesa una crisis de fé. La propuesta es seguir a este muchacho en su camino de aprendizaje e intento de recuperar su credo, que incluye un curso práctico de exorcismo en Roma.
Michael Kovak (Colin O´Donoghue) no tuvo una infancia normal. Con un padre dedicado al negocio funerario, creció rodeado de cadáveres a los que ayudaba a maquillar para su ceremonia fúnebre. El recuerdo de su madre muerta sobre la camilla y su padre pintándole las uñas lo visita cada tanto.
Con la decisión de abandonar el seminario en el cuarto año, a punto de ser ordenado, recibe como consejo de su superior hacer un viaje a Italia dada la necesidad que tiene la iglesia de contar con curas exorcistas. Una vez en Roma, más precisamente en el Vaticano, se le recomienda visitar al jesuita Lucas (Anthony Hopkins), experto en posesiones demoníacas.
Kovak comienza a presenciar situaciones que a su entender tienen explicaciones racionales, se contrapone a lo que Lucas intenta demostrarle, aún cuando poco a poco percibe señales que inequívocamente apuntan a él.
Se trata de un filme más que se suma la larga lista de este sub-género del terror. Plagada de lugares comunes, aunque de correcta factura, encuentra en su protagonista el principal escollo. La inexpresividad de O´Donoghue no ayuda en nada a la puesta de un director que, sin ser un genio creativo, podría haber explotado mejor algunas escenas con un actor capaz de interpretar la incredulidad sin confundirla con la impavidez.
Anthony Hopkins tiene tratamiento de estrella desde el primero hasta el último plano, planeados estos dos como para que no queden dudas de que se está presentando a una gran figura. Su labor remite a tantas otras, pero es justo reconocerle que todos sus trucos están al servicio de la escena más relevante del filme donde su oficio salva un poco el asunto.
Sólo para fanáticos que desean sumar otra película a su lista.

No siempre se esconde un bandido detrás de un antifaz

Es un caso particular el de "El Avispón Verde". Su popularidad a nivel mundial se la debe a una serie que apenas duró una temporada pero que estaba co-protagonizada por el astro de las artes marciales Bruce Lee. Las repeticiones del programa ayudaron a producir legiones de fanáticos que vieron en tan sobrio héroe, su ayudante -y especialmente el auto en el que se movían-, algo diferente a lo ofrecido por los fabricantes de personajes súper dotados.
En contraste con la sobriedad de la serie televisiva, que también contrastaba con su contemporánea "Batman" -ambas del mismo productor-, esta nueva versión que nos presenta el francés Michel Gondry ofrece la irreverencia propia de Seth Rogen, y un tono general de comedia que le sienta muy bien. Gondry se permite jugar con la imagen, el tiempo dentro del filme y plasmar algunas buenas escenas de acción. Nada mal para un personaje que nació sin imagen, en la radio, y que en su paso por el cine -como serial- y la tv no consiguió impactar demasiado.
Britt Reid es una especie de Isidoro Cañones dispuesto a dilapidar la fortuna que su padre amasó como editor del diario "The Daily Sentinel". Cuando Reid padre muere, Britt debe ocupar su lugar en la editorial sin tener idea de como se maneja un diario. Ese reto inspira al muchacho a hacer algo nuevo y alocado, como ayudar a quien lo necesite, ser una especie de superhéroe. Para ello asocia a Kato, un hábil asiático que era mecanico de su padre y capaz de prepara el café como le gusta a Britt, además de crear el "Black Beauty", auto que es fetiche de los fanáticos de la serie.
El villano es Chudnovsky, interpretado por el versátil austríaco Christoph Waltz, un malvado con ciertos problemas de autoestima. Hay un malvado menos visible, como siempre, un político -como siempre-. La corrupción y el poder político intentando manipular a la prensa -¿les suena?- es también tema en este filme que plantea como ficción algo nos es muy familiar.
Son varios los frentes que abre Rogen desde el guión y que Gondry intenta salvar desde la narración que se vuelve algo caótica, pero que gracias a lo ramplón de la propuesta se salva de cualquier sesudo análisis. El espíritu del personaje está respetado y hasta revalorizado, que no es poco si tenemos en cuenta de dónde viene.

Lo justo y merecido

En el comienzo de la década del sesenta hizo su aparición televisiva un corto animado de aproximadamente siete minutos llamado “Yogi Bear”. El dibujo animado era uno más en la factoría Hanna-Barbera, de la cual salieron también “Wally Gator” (“El Lagarto Juancho”), “Quick Draw McGraw” (“Tiro Loco”) y "Touché Turtle" ("La Tortuga D´Artagnan"), entre otros con el mismo formato y duración. Así como Bugs Bunny y Mickey se volvieron la cabeza de sus respectivas productoras, Yogi se convirtió en el personaje elegido para encabezar series y largometrajes donde se unieran varios personajes de Hanna-Barbera.
"El Oso Yogi" tiene ahora su propio filme, en 3D e interactúa con actores de carne y hueso. Así como su cortos televisivos no eran más que un sketch en el que invariablemente se veía al personaje intentando robar cestas de visitantes al parque Yellowstone, y así despertar la ira del guardabosques Smith -con una animación limitada y nada preciosista, y un guión simple, gracioso pero sin llegar a provocar carcajadas-, esta película hace honor a sus orígenes, en todo sentido.
Como para que no se quede sólo en una anécdota, se ha introducido el factor ecológico y entonces nuestro plantígrado amigo ayuda a salvar el parque del ambicioso e inescrupuloso alcalde que desea cerrarlo para convertirlo en un negocio agrario.
Humor simple, básico, infantil, absolutamente inocente y eficaz. Actuaciones acordes al cuentito que se desea plasmar en pantalla y Yogi junto a su inseparable Bubu diseñados con detalle, sin descuidar su aspecto original, completan un entretenimiento apto para todo público sin mayores pretenciones que las de entretener en base a un dibujo animado que cincuenta años atrás tenía el mismo objetivo.

Colonizando Liliput

Lemuel Gulliver es un personaje creado por Jonathan Swift para su novela publicada en 1726, donde narra una serie de viajes apócrifos, todos realizados por el capitán Gulliver. En uno de esos viajes el capitán llega a Liliput, un reino habitado por seres diminutos. Ese es el tramo de la historia que nos cuenta el director Letterman, claro que con algunas modificaciones no menores.
Con su histrionismo habitual -para tomarlo o dejarlo- Jack Black toma el nombre de Gulliver pero no su rango de capitán sino que en realidad es un empleado mediocre en una empresa editorial. Desde hace años se dedica a repartir el correo entre el personal, y nada indica que deje ese puesto. Treintañero pavote, fanático de "Star Wars" y adicto al Guitar Hero, es incapaz de invitar a salir a una de las empleadas del lugar, de quien está enamorado. Su torpeza en cuestiones amorosas lo llevan a engañarla y hacerle creer que es capaz de hacer una crónica de un viaje. Y es entonces cuando el buenudo de Gulliver emprende una travesía que obviamente cambiará su vida.
La película es simpática, tiene momentos graciosos y tecnicamente está a la altura de lo que hoy en día ofrece la tecnología digital aplicada al cine. El punto es que de la ironía de la obra original no hay ni rastros y mucho menos de su trasfondo crítico. Por el contrario, en el filme Liliput es absolutamente colonizada por Gulliver, quien no demuestra el más mínimo respeto por las costumbres del lugar y hasta les impone su "american way of life" a los pequeños habitantes del reino. Se crea un Guitar Hero de Kiss pero con personitas, crea un Times Square a su gusto y hasta les cuenta como propias las aventuras de Luke Skywalker. La aculturización en máximo grado, y sin vergüenza alguna.
Para matizar el asunto y que las cosas sean como dicta el manuel de género, hay un villano que por obvio hace que el protagonista sea un héroe.
Con todo, se trata de una aventura entretenida para gusto de los más chicos.

En la pasarela, Angelina

Una misteriosa y elegante mujer es seguida por la policía. No la quieren a ella, sino al hombre con quien va a contactarse. Pero él y ella son astutos, planean todo para despistar a la autoridad. La idea es que ella confunda a la ley acercándose a un hombre de características similares al buscado, y lo hace, en un tren. El plan parece funcionar ya que el pobre hombre, un profesor de matemáticas estadounidense, comienza a vivir una aventura como aparentemente nunca vivió antes.
Ella es Angelina Jolie, él es Johnny Depp, y juntos hacen una pareja que no logra química alguna. Ella pasea ante la cámara su lánguida y huesuda figura, sus labios morcillosos y el director la sigue, dedicándole más tiempo a la exhibición de los modelitos que luce la mujer de Pitt que a cuidar la trama, inverosímil de por sí.
Depp hace lo que puede, como buen actor que es dice su letra, acompaña con el físico y trata de salir airoso en una película que nadie querrá recordar al momento de homenajearlo.
Con vueltas de tuerca previsibles, sólo resta disfrutar del paseo por Venecia, gentileza de un director que mezcló a Bond con Fashion Tv y Travel & Living, obteniendo como resultado uno de los fiascos del año.

Clásico pasado por la planchita

La Disney eligió esta vez el cuento clásico Rapunzel para adaptarlo según sus cánones y de paso presentar un nuevo estilo de dibujo, diferente al de sus anteriores producciones. Más caricaturescos y menos naturalistas, es clara la intención de brindar un diseño más humorístico en sintonía con lo que los más chicos consumen diariamente por tv.
La historia de una niña que es encerrada en una torre por una malvada bruja que desea los poderes que el cabello de la joven tiene es adaptada sin gracia, y hasta con cierto desdén por el conflicto central que prácticamente es dejado de lado por los realizadores en pos de situaciones sin trascendencia y ni gracia.
Técnicamente el filme es inobjetable y los más chicos pueden pasar un rato entretenidos, sin caer en el aburrimiento gracias a una duración apropiada. Por lo demás, lejos está de emocionar o generar una diversión remarcable.
Como casi todo lo que se presenta ultimamente para los niños, este filme se ofrece en 3D aunque nada en su realización lo justifique. Ahórrense el dinero extra y vean esta película en una sala normal si no pueden esperar hasta su salida en DVD.

El coleccionista de clichés

Debía ser un trabajo más. La familia debía estar de vacaciones, la casa deshabitada, la caja fuerte localizada, sólo debería tomar la joya y concretar el negocio antes de medianoche. Pero para Arkin esa no iba a ser su noche de suerte. Otro hombre estaba en la casa y con otras intenciones. De las macabras y sangrientas.
Desde el estreno de "La Masacre de Texas" en 1974 no fueron pocos los que decidieron seguir ese camino de violencia, sangre y mutilaciones, con mayor o menor impacto. Unos años atrás llegó "Saw" para redefinir el género sumando importantes dosis de sadismo a las historias, algo que este filme que nos ocupa le debe. No es original, pero se anima a ir un poco más allá, alcanzando lo risible. Por momentos, el psicópata en turno pone tantas trampas que recuerda, incluso en el tipo de ellas, al coyote en su intento de atrapar al correcaminos.
De todas formas el director logra mantener la tensión en el relato, cierto suspenso y algún que otro susto. Pero es en el guión donde está la mayor falla. La inconsistencia del villano, su falta de historia, la ausencia de su "por qué" le restan presencia y lo dejan al nivel de una presencia ejecutora sin sustento.
Los amantes del género tienen en este filme un entrenimiento digno, con uno de esos finales que tanto gustan a los cultores del terror sádico tan de moda en los últimos tiempos. El resto debería tomar ciertas precauciones antes de ver esta película. No tener el estómago muy cargado, por ejemplo.

Habiendo escaleras el propietario no se responsabiliza...

Cinco desconocidos atrapados en un ascensor, que por causas extrañas no puede volver a funcionar. De pronto la cabina comienza a matar uno a uno a sus ocupantes. ¿Les resulta familiar? Tal vez algunos recuerden un telefime holandés de comienzos de los ochenta acerca de un ascensor que asesinaba a quienes subían a él. Puede que sea el punto en común con este cuentito de terror, el primero de una serie, que nos propone la mente cada vez menos ingeniosa de M. Night Shyamalan. Sólo que aquí, tal su costumbre, involucra cuestiones religiosas y el obvio mensaje moralizante que caracteriza a sus filmes.
El diablo anda suelto y reune a algunos indeseables en un sitio preciso, el ascensor. Uno de ellos puede ser el mísmisimo demonio. Cuando el técnico del edificio no logra solucionar el tema y los aprisionados comienzan a ser hostiles entre ellos, entra en escena el detective Bowden (Chris Messina) quien andaba por la zona investigando un suicidio ocurrido pocas horas antes.
Interesante, mas no descollante, labor de John Dowdle en la dirección. Sabe provocar tensión en el relato, consigue buenas tomas dentro de lo que se supone es un espacio reducido, consigue matices que dotan de interés a la trama, más del que tal vez merecería y si bien la historia es previsible, cumple con el objetivo de brindar algunos sobresaltos y entretener en un tiempo afortunadamente corto.

La cambiadita

Eva (Silvina Acosta) vive junto a su novio, Lucho (Esteban Meloni), en un pequeño departamento. Forman una pareja bien complementada en lo sexual, algo fetichistas, adeptos a los juegos eróticos y al uso de juguetitos. Cierto día suena el portero eléctrico y Eva escucha del otro lado la voz de Sofía (Florencia Braier), su hermana, quien regresa de Europa con su bartulos dispuesta a quedarse un tiempo junto a ellos, en el departamento.
Y se queda. Para disgusto de Eva, y cierto gusto para Lucho, que desde el inicio muestra algo de interés en la recién llegada. Las cosas se complican cuando Eva comienza a dar clases particulares de inglés a un adolescente, cuya madre fotofóbica y sobreprotectora -desopilante Soledad Silveyra- piensa que es gay.
Los directores plasman la historia dentro de una estética algo kitsch, forzada hacia la farsa y con ánimo de provocación constante mas no siempre efectivo. Sin embargo, la apuesta por sumar conflictos, y así alcanzar un crescendo dentro de la trama, logra redondear un filme que en su segunda mitad consigue entretener y finalizar satisfactoriamente.

Game over...?

Aunque parezca mentira esta séptima entrega de la saga más sádica de los últimos tiempos todavía tiene sorpresas. En la película anterior dejamos al detective Hoffman y a Jill, la mujer de John/Jigsaw, brutalmente enfrentados. La continuidad de esa lucha sigue en este nuevo capítulo que para iniciar, como en los anteriores, tiene un juego para entrar en clima. esta vez con un estilo "reality" y una resolución que apenas anuncia lo que vendrá en los minutos siguientes. Porque esta vez las escenas más fuertes van al límite de lo tolerable, aún para el más morboso. Y si a esto le sumamos que también se presenta en 3D, entonces recomendamos pensarlo dos veces antes de someterse a la ilusión de ser salpicados por litros de sangre y trozos de tripas.
El esquema es idéntico a los filmes anteriores, víctimas elegidas por cuestiones moralmente reprochables son sometidas a juegos perversos y sangrientos. Sin dudas, en esta ocasión uno de los mejores es el que tiene a unos xenófobos como protagonistas. Hay que verlo, aunque sea por catarsis. En la trama central, un sujeto que se presenta ante los medios como un sobreviviente de Jigsaw y especula comercialmente con ello.
El crescendo final con las pistas presentadas ante el espectador con el fin que comprenda claramente todo es ya un clásico, y deja abierta la puerta para que una octava entrega llegue a los cines el año próximo; esta vez sí, para que todas las piezas del rompecabezas encajen perfectamente.

La epidemia de nunca acabar

Alice (Milla Jovovich) está de vuelta y decidida a llegar al corazón de la corporación Umbrella. La superficie de la tierra fue devastada y los zombis pugnan por encontrar un cuerpo virgen de virus para comer. La corporación se refugió tierra adentro, literalmente, y nuestra heroína usa sus súper poderes para alcanzar el objetivo deseado. Pero alguien más listo la espera.
Despojada de sus habiliades sobrehumanas, Alice ahora va en busca de un lugar libre de virus y en el camino se encuentra con viejos camaradas de antiguas batallas con quienes librará la que ahora se presenta.
Sin el ritmo de su predecesora y con la mira puesta en los efectos especiales para la versión 3D, sobreabundantes y nada originales; esta nueva entrega de la saga basada en el popular video juego de Capcom no ofrece nada demasiado interesante a nivel argumental, sólo se justifica en la necesidad de mantener la franquicia y seguir facturando con la próxima entrega que ya está asegurada.
Jovovich está muy cómoda en su rol y junto a Ali Larter, quien vuelve a interpretar a Claire, prueban que el combate constante contra zombis, en las peores condiciones climáticas y los días sin el aseo deseado no es óbice para lucir siempre espléndidas, con sus ojos bien delineados y sus labios pintados, suponemos con rouge indeleble de excelente calidad.
Por lo demás, se trata de un filme sólo para fanáticos y espectadores poco exigentes.

El asesino americano

Jack o Edward, según sea el caso, está cansado; se le nota en la mirada, no quiere saber más de ese oficio tan ingrato que es el de matar gente. Su jefe, el que le da las misiones, dice que ya no tiene el "toque" y lo manda a refugiarse a un pueblito italiano hasta completar otra misión.
Por más hosco que intente ser, a Jack se le animan igual, y así se hace amigo, o algo por el estilo, del cura del pueblo y va un poco más allá con una puta del lugar. Mientras, Jack trabaja en el que ya casi tiene decidido será el último encargo.
George Clooney protagoniza un filme muy europeo, no sólo por los paisajes y el elenco sino también por el tono, esa ausencia de prisa a la que nos acostumbró buena parte del cine francés, por ejemplo. El director tensa el clima, propone un filme denso, se apoya en la mirada de Clooney, en su actitud paranoica, esa que permite a su personaje seguir con vida.
El suspenso crece, tal vez hacia lo obvio, una resolución otras veces vista, seguramente. Pero consigue redondear una cinta sin artificios, bien fotografiada, morosa en el relato, algo que se acentúa ante los escasos diálogos que tiene el filme; que por cierto no viene mal ante tanta parrafada gratuita que se suele lanzar ultimamente en el cine.
De acertada musicalización, paisajista fotografía y buenas actuaciones en el elenco, "El Ocaso de un Asesino" no destila originalidad pero sí propone, en cambio, un buen momento cinematográfico.

Otra vez sopa

De nuevo Katherine Heigl en pantalla, decidida a quedarse con el trono de reina de la comedia pasatista. Y esta vez con el control total al asegurarse el cargo de productora ejecutiva del fime. Ahora es una treintañera soltera y desesperada por encontrar una pareja que debe convivir a la fuerza con un soltero mujeriego y despreocupado con quien no se lleva nada bien, especialmente desde una cita fallida hace un tiempo atrás, pergeñada por una pareja amiga de ambos.
Esa pareja tuvo una bebé y al poco tiempo murieron en un accidente de tránsito. Su deseo, plasmado en un testamento, fue que sus amigos se hicieran cargo de la niña. Y ahí están, ella y él, sin tener la menor idea sobre como cuidar a una criatura de un año y viviendo bajo el mismo techo.
El chiste es viejo y remanido. Situaciones ya vistas donde un crío vomita sobre el adulto inútil, o llora porque no dan en el clavo con la comida indicada. Nada nuevo. En medio de todo el enredo propuesto queda la relación amorosa entre la pareja despareja, cuadro también hartamente visto en la pantalla. Y como es previsible, el final será el adecuado para quienes decidan ver esta comedia intrascendente, algo extensa, aunque digna.
Sólo para mujeres ñoñas, parejas acarameladas y mártires decididos a inmolarse en una primera cita.

El ciclista imprudente

Federico (Leonardo Sbaraglia) es ventrílocuo, anima fiestas, se gana la vida como puede, es más bien un cuarentón perdedor sin un horizonte muy ambicioso. Matías (Martín Slipak), en cambio, estudia para ser arquitecto, es joven y vive de joda. Pablo, por su parte, es tatuador y en su mirada se nota cierto desencanto.
Una noche, luego de cenar con su padre, Pablo regresa a su casa en bicicleta, mientras Matías deja por un rato una fiesta en busca de otra licuadora para preparar tragos y Federico termina una actuación. Todos salen en sus respectivos vehículos, con diferentes destinos por las desoladas calles porteñas cuando otro destino, el inexorable, hace que Pablo se distraiga juntando unos papeles que se le cayeron en medio de la avenida. Federico no lo ve, y choca contra su bicicleta y luego de discutir se va, dejando a Pablo puteando y tratando de enderezar el rodado cuando de pronto el auto que maneja Matías lo embiste, y ahora sí, Pablo queda tirado en el pavimento, en mal estado.
La situación parece algo tirada de los pelos, inverosímil tal vez, y lo que sigue en la trama oscilará entre acertados apuntes acerca de la justicia y derivaciones algo caprichosas. La cobardía de Matías al no hacerse cargo de haber matado a un hombre, apoyado por su inmoral padre (Luis Machín), derivará en el castigo al inocente Federico, que luego de purgar una condena buscará algo más que venganza.
No hay mucho por destacar en el filme, al menos desde lo estético; su cinematografía es más bien mediocre. Es la parte actoral la que salva el asunto, con sólidos trabajos de Machín y Federico Luppi, como el padre de Pablo que busca justicia.
El director opta por usar un cartel que indica el tiempo transcurrido entre un acto y otro, recurso simple y directo que evita caer en situaciones que distraerían del eje, pero que sólo el talento de Leonardo Sbaraglia salva. Su actitud corporal y su mirada, sólo esos elementos, alcanzan para saber que pasaron años, que fueron duros y que ya no es el que era. Mientras el resto del elenco y su entorno no alcanza ese nivel, Sbaraglia consigue solito que el tramo final del filme valga la pena. Y eso ya es bastante, aunque no suficiente.

Ese farsante llamado Carrey

Ha logrado engañarnos el bueno de Jim. Lo hizo en "Man on the Moon" donde compuso estupendamente a Andy Kauffman. Lo hizo también en "The Truman Show", tal vez su mejor trabajo, se destacó también en "Eterno Resplandor de una mente sin Recuerdos". ¿Era suyo el mérito? A esta altura y ante el filme que nos ocupa, todo indica que no. Jim Carrey es un elemento peligroso dentro de una película. Debe ser manipulado con precaución, como si fuera nitroglicerina; así de inestable es este actor tan propenso a los excesos.
Aquí interperta a Steven, un policía felizmente casado que de pronto decide asumir su homosexualidad reprimida durante años. También se convierte en un tipo lanzado y ambicioso. El problema es que Steven es muy inteligente, y sabido es que quien delinque nunca es lo suficientemente inteligente y así es como va a parar a la cárcel por fraude. En prisión conoce a Philip (Ewan McGregor), un delicado gay de quien se enamora de inmediato. A partir de entonces todos sus esfuerzos estarán dedicados a satisfacer a Philip y vivir felices fuera de la cárcel, a costa de estafas, mentiras y engaños no sólo a su entorno sino también al Estado.
Esta película tiene un claro problema con el tono. Basada en una historia real, no se decide a parodiarla del todo, pero tampoco a tomársela en serio. Jim Carrey logra por momentos, sólo eso, encarnar al sujeto que se supone que es; pero todo se echa a perder cuando asume personalides ya exhibidas en otros filmes más familiares como "Mentiroso, Mentiroso". Los directores pierden entonces definitivamente el control del filme ante un Carrey avasallador y decidido a gesticular y sobreactuar todo lo posible.
A Ewan McGregor, por su parte sólo le queda dejar que todo fluya y hacer su parte con profesionalismo, sin conseguir plasmar algo de química en la pareja.
Aún con algunos buenos momentos que destilan cierto aire indie, el todo no alcanza a redondear una película que merecía otro protagonista.

El viejo truco

El pastor Cotton Marcus (Patrick Fabian) es fiel a la tradición familiar y se dedica, como su abuelo y su padre, también a los exorcismos. El punto es que lo toma sólo como un negocio y es consciente de que todo es pura charlatanería.
Cansado de tanta superchería, decide protagonizar un documental en el que descubre los trucos con los cuales estafa a los creyentes que tienen a un "poseído" en la familia. Marcus prefiere decir que los ayuda, que en realidad no los estafa; hasta que se le presenta un caso muy peculiar. De pronto lo razonable se derrumba y aquello sobre lo que se burló siempre ahora le plantea un desafío.
Con momentos bien logrados de suspenso, buenas actuaciones -especialmente una actriz como Ashley Bell que consigue impactar con su lograda interpretación de la joven poseida-, "El Último Exorcismo" está rodada al estilo "REC", cámara en mano pero con detalles de edición que dejan planteadas dudas luego del final.
Sin ser una obra maestra, este filme se suma con dignidad a la larga lista que tiene este sub-género de exorcismos y a la más corta de falsos documentales.

Alguien te está mirando

Royce (Adrien Brody) es un mercenario que cae desde el cielo en una selva extraña y amenazante. No tarda en encontrarse con otros siete que corrieron su misma suerte. Todos sujetos de acción, excepto uno, un médico. Han sido elegidos por los alienígenas depredadores para que sirvan como presas de caza y con esta premisa, durante algo más de hora y media, el director Nimród Antal se las ingenia para hacer entretenido el clásico juego del gato y el ratón. Buen manejo del suspenso, escenas terroríficas y mucha acción sin culpa es lo que ofrece esta película que tiene el sello de su productor, el también director Robert Rodríguez.
Aquí Adrien Brody demuestra que es un actor todo terreno, tan capaz de protagonizar un drama de Polanski como de encabezar esta aventura sangrienta en la que se divierte disparando contra monstruos de otro planeta.
Ideal para fanáticos de la franquicia iniciada por Arnold Schwarzenegger en 1987, bajo la dirección de John McTiernan, como para aquellos que sólo quieran entretenerse un rato sin importar si vieron algún filme de la saga.

Un baño pop

Los viajes en el tiempo siempre son atractivos al momento de contar una historia. Activan en el público una fantasía común, igual que cuando se trata de volver rico a un pobre o cambiar de sexo a un individuo. En este caso tres amigos cuarentones se reencuentran luego de que uno de ellos intentara suicidarse, y junto al sobrino de uno de ellos viajan hasta un hotel en la montaña para recordar viejos tiempos. Sólo que el lugar no luce como imaginaban; descuidado, en pésimas condiciones, ofrece un servicio deplorable, especialmente por su botones manco. De todas formas los muchachos deciden quedarse a pasar unos días y es cuando se dan un baño en el jacuzzi que se produce lo inesperado. Los ochentas están de vuelta, 1986 para ser exactos, en el mismo sitio y ante situaciones ya vividas, que ahora deberán respetar si es que no quieren alterar el orden del universo.
Es obvio que estamos ante una parodia, pero que se toma muy en serio. Claro que en lugar de usar un DeLorean para viajar en el tiempo, usan un Jacuzzi. Pero que el botones del hotel sea Crispin Glover, el George McFly de "Volver al Futuro", es toda una referencia. Como lo es la participación de Chevy Chase, ícono de la comedia tonta estadounidense de lo ochentas.
Los gags se suceden unos tras otros con diversa suerte. Muchos escatológicos, otros localistas, varios en referencia a la cultura pop de la época que serán disfrutados por los consumidores de VH1, además de la banda de sonido que ofrece canciones de INXS, Scritti Politti, Poison y Talking Heads, entre otros.
John Cusack ya demostró en varias ocasiones lo versátil que es para moverse bien tanto en el drama como en la comedia; en tanto Clark Duke, a quien ya vimos en "Supercool", "Sex Drive" y "Kick Ass", se va volviendo un rostro conocido y, hay que decirlo, algo monótono si no cambia por lo menos el peinado y su rol de "mister sarcasmo" para el próximo filme.

Salgan al sol, idiotas

Cinco amigos de la infancia se reunen luego de treinta años en el funeral del entrenador que les hizo ganar un campeonato de basquet cuando eran chicos. Cada uno hizo su vida, a algunos les fue bien, a otros no; lo importante es que tienen la oportunidad de estar juntos por un fin de semana, en una casa de campo y revivir los viejos tiempos. Claro que no están solos, sino con sus familias, donde no faltan chicos que viven pegados a sus celulares sin idea de lo que es jugar al aire libre.
El marcado contraste que se muestra entre lo que los padres y los chicos consideran apropiado para divertirse y pasar el rato, vale en definitiva para exhibir la moraleja del filme.
Haciendo base en el humor simplón y escatológico que la comedia estadounidense ha dado en los últimos veinte años, desconociendo así el legado de décadas de comediantes ingeniosos, Adam Sandler se pone a la cabeza de un elenco contemporáneo a él, moldeados desde el "Saturday Night Live", algunos más graciosos que otros, pero todos tocando la misma cuerda. Y eso es justamente lo que hace que, con todos sus defectos, este filme funcione.
Gags a repetición, situaciones creadas como bolas de nieve que a veces rematan efectivamente, y ninguna pretención extra más que la de ofrecer un pasatiempo efímero, son suficientes razones para que el lector tome la decisión por su cuenta y riesgo. No hay sorpresas en esta película, apenas un puñado de comediantes que están a años luz de ser lo mejor que haya dado Hollywood, pero que tal vez puedan arrancar alguna sonrisa.

Leer un libro siempre es una buena opción

El espectador deberá tolerar una hora de acción ridícula y sin sentido con pretensiones de comedia, para llegar a algo parecido a una trama. En esa hora puede el público entretenerse contando las diferentes caras de una Cameron Díaz que definitivamente no cuenta con el cariño del director. Pocas veces se vió en pantalla a una actriz tan descuidada; por la luz, por el plano, por el maquillaje. Bueno, se darán cuenta que no hay algo mucho más interesante para comentar sobre una película que es la nada misma.
Un espía que es perseguido por el FBI usa como objeto de distracción a una mujer a la que cruza en el aeropuerto. El espía, interpretado por Tom Cruise, se gana la simpatía de la mujer, la multifacética Cameron, quien acaba involucrada en una caso de alta seguridad nacional en el que, obviamente, corre riesgo su vida.
Tiros, patadas, piñas, explosiones, corridas de toros, Díaz en bikini y Cruise en cueros son algunos de los ingredientes de un filme en el que el director James Mangold no encuentra jamás el rumbo, si es que tenía uno.

La histeria sin fin

Aquello que en la primera entrega era aceptable y en la segunda tolerable, aquí se hace insoportable. Un director sin el más mínimo sentido del ritmo cinematográfico, incapaz de dotar de cierta creatividad a las interminables y tediosas escenas cargadas de diálogos, demasiados, vacuos, y propios de la más berreta de las telenovelas. Una protagonista que agota con sus contados mohines y una languidez que exacerba el bucólico y desganado rol que le toca ¿componer?. Co-protagonistas que no le van en zaga y una sub-trama sin sustancia que al menos sirve para despertar al espectador que envejece viendo este bodrio con pretenciones románticas.
Bella sigue con su indefinición, y los dos pavotes, uno vampiro y otro hombre lobo, continúan peleando por ella. A esta altura, y con toda justicia, uno se pregunta que le vieron a esta insípida egoista, que ni siquiera está buena. Pero allá ellos, lo que nos importa es que estamos ante un filme aburrido, falto de sorpresa, con algunas de las peores actuaciones en lo que va del año y que empantana a una franquicia que merecía algo mejor, al menos por la expectativa que genera.
Resta todavía la definición de la historia, que será divida en dos para prolongar el negocio un poco más, hasta que aparezca algo nuevo. Es de esperar que entonces se acuerden del público y brinden un espectáculo decente.

Otra vez sopa
Una vez más y con pocas semanas de diferencia, llega a las salas una película que vuelve atrás en el tiempo para tratar el tema de la dictadura y los desaparecidos, y avisamos que queda otra por venir en un par de semanas. Esta vez la propuesta es algo más decente que la impresentable "Eva y Lola". Porque hay en "Cómplices del Silencio" un tratamiento cinematográfico decente, buena producción y algunas actuaciones destacables. Eso sí, dentro de un elenco muy desparejo y con un guión muy pobre y efectista.
Un par de periodistas italianos viajan a la Argentina para cubrir el mundial de fútbol de 1978. Uno de ellos, el protagonista de la historia, tiene familia en Buenos Aires y un encargo por cumplir. Recién llegado a la casa de sus tíos, Maurizio (Alessio Boni) comparte un almuerzo familiar en el que conoce al marido de su prima, un funcionario del ministerio del Interior interpretado por el siempre eficaz Juan Leyrado, quien de entrada deja en claro qué tan oscuro es su personaje, y gracias a su oficio lleva adelante el rol sin caer en la caricatura en la que sí caen muchos integrantes del reparto.
Maurizio busca a una mujer llamada Ana (una correcta Florencia Raggi), a quien debe entregarle dinero de parte de un amigo italiano. El encuentro se produce y por esas cosas del cine, el amor se da a primera vista. Répidamente Maurizio se interesa en saber por qué esa mujer actúa tan misteriosamente. El público también. Nunca se explica por qué Ana y sus barbudos y desaliñados amigos portan armas y viven escondidos. ¿Cuales son sus planes? ¿Qué los llevó a vivir en la clandestinidad? Nada de eso se cuenta en el filme; sí en cambio, se pone mucho esfuerzo en mostrar de qué son capaces los villanos de la historia. Deja vú. Cine argentino del alfonsinismo. Más de lo mismo.
Lo peor son las pésimas actuaciones de quienes hacen de soldados y parapoliciales que deben decir sus líneas prefabricadas, plagadas de lugares comunes. Se animan incluso el director y el guionista, italianos ellos, a asegurar que aquel mundial fue comprado por los militares, faltando así el respeto no sólo a los jugadores de aquella selección sino también a los de la selección holandesa, la única que se manifestó pública y oportunamente en contra de la dictadura imperante.
Esta co-producción italo-argentina se suma a otros filmes que poco hacen por mostrar una porción de nuestra historia con imparcialidad y rigor histórico; por el contrario, se inscribe en el género maniqueo y efectista que se nutre de obviedades que insultan la inteligencia del espectador informado.
En la década del ochenta se podía permitir que el cine se dejara llevar por cierto espíritu militante, en el fragor por contar tantas historias desgarradoras cruzadas por una dictadura sangrienta. Pero en esos años faltaba información. Hoy es imperdonable que con tanta bibliografía disponible y a años de distancia del horror, se sigan produciendo filmes que poco esclarecen y mucho confunden.

Echarse una siesta

Cheka y "el flaco" son hermanos. Su papá murió y lo velan en su casa. No soportan el clima ni a los parientes y amigos que llegan para dar el pésame y de paso comer sanguchitos de miga. Deciden dejar el lugar y dar una vuelta por el barrio a la hora de la siesta. El silencio del velorio parece trasladarse a toda la zona y acompaña a los hermanos en su desganado paseo.
La directora Sofía Mora parece tener la excusa perfecta para practicar encuadres, contraplanos, y jugar con los contrastes que ofrece el hecho de haber grabado en blanco y negro. Porque esta historia no fue filmada sino grabada en digital, y ese es un problema en cuanto a la calidad final donde en el traspaso a fílmico se nota el pixelado en los tonos oscuros y afea el trabajo de fotografía.
El guión se inscribe en la corriente de este nuevo/viejo cine nacional que busca profundidad donde sólo hay tedio y frases vacías. La protagonista Belén Poviña es monocorde y hasta molesta por su impasibilidad, actitud de la que apenas consigue destacarse su co-protagonista Elías Maidanik, como su melindroso hermano.
"La Hora de la Siesta" se queda en la pretensión estilística de su directora sin proponer un conflicto accesible para el espectador, algo que no sería grave sino fuera porque el tedio llega inexorablemente.

Con un gestito de idea

Burke Ryan (Aaron Eckhart) viaja hasta Seattle para dar uno de sus seminarios de autoayuda para personas que han sufrido una pérdida cercana. Él mismo perdió a su esposa en un accidente automovilístico y a partir de ese hecho escribió un libro que se convirtió en un éxito editorial. El suceso interesa ahora a importantes empresarios de los medios que buscan explotar el filón, algo que a Ryan no parece convencerlo del todo.
Viudo y sin perspectivas en lo afectivo, Burke tropieza en el hotel con Eloise (Jennifer Aniston), encargada de los arreglos florales del lugar, y queda automaticamente flechado. Pero el levante no le es fácil, Eloise se muestra experimentada en lances y Burke tiene que demostrar que lo suyo es serio.
Mientras tanto debe lidiar con los problemas de quienes asisten a su seminario, especialmente con Walter (John Carroll Lynch) que no termina de asumir la muerte de su hijo.
El filme tiene una estructura que puede recordar a "Amor sin Escalas", por cargar el peso de la historia en su protagonista y hacer relevantes los roles secundarios que le potencian; incluso el de Aniston, quien se luce con lo mínimo, acotada en su histrionismo, bien dirigida y mejor fotografiada, apuntalando a Eckhart desde un papel casi secundario.
Aaron Eckhart se hizo conocido por su labor en la brillante "Gracias por Fumar", y se popularizó mundialmente con su participación en "The Dark Knight" donde interpretó a Harvey Dent/Dos Caras. Ahora, en "Nuevamente Amor" despliega su capacidad para atravesar diferentes estados y conmover con cada uno de ellos. Por otra parte, la actuación de John Carroll Lynch, a quien vimos recientemente en "La Isla Siniestra", es de una potencia dramática notable y tiene a su cargo los momentos más emotivos del filme.
El director Brandon Camp consigue redondear con ajustado equilibrio una comedia amable, cálida y conmovedora. Disfrutable de principio a fin.

La posesión va por dentro

Emily Jenkins (Renée Zellweger) trabaja como asistente social, su labor es intentar conseguir armonía en hogares donde los chicos pueden estar en riesgo, sea por desatención de sus padres o por algún tipo de violencia ejercida por ellos. Con muchos casos que revisar y sin el tiempo que desearía tener recibe un nuevo fajo de expedientes, entre ellos uno que le llama la atención de manera especial. Se trata del caso de una niña de diez años, llamada Lillith, que demuestra una personalidad retraída y se duerme en clase.
El director alemán Christian Alvart nos muestra como Emiliy visita la casa de la niña, su entrevista con los padres, de aspecto desquiciado, claramente trastornados, y la lucha de la asistente por alejar a la chica de esa casa. También nos hace partícipes de como Emiliy junto a un policía amigo consiguen salvar a Lillith de una muerte segura, y como se establece un lazo afectivo entre la chica y la asistente social.
Pero lo que nos muestra Alvart es apenas un señuelo, una pase de manos, ilusión que lamentablemente se desmorona demasiado pronto. Pierde la oportunidad de ser sutil, de sugerir, y descubre el juego con torpeza para dar lugar a un devenir de clichés y referencias a filmes varios que sólo consiguen ansiar el desenlace.
No es que las actuaciones estén mal, ni la cinematografía en general. Es apenas una más de terror y suspenso cuando prometía ser algo distinto. De esas que no dan vergüenza ajena y se dejan ver si se es fanático del género o se está aburrido una tarde en casa, haciendo zapping.

Ni siquiera maldito...

No es el maldito policía de Harvey Keitel, ni siquiera el Torrente de Santiago Segura. Ni dramático, ni gracioso, más bien patético es este teniente Terence McDonagh, encargado de conducir la investigación del asesinato de una familia de afroamericanos en la Nueva Orleans post Katrina. Cocainómano, corrupto, jugador, vicioso a tiempo completo y enganchado sentimentalmente con una prostituta, el oficial va acumulando problemas personales mientras intenta solucionar el caso.
A poco de transcurrido el filme al espectador poco le importará quien fue el asesino, el director no pretende que nos interese y hasta la resolución del hecho pasará casi desapercibida entre tanto devenir del personaje principal. Es que ese es el objetivo de la historia, mostrarnos la decadencia de un sujeto que debe servir a la sociedad y por el contrario se aprovecha de su posición para obtener aquello que desea, siempre ilegal. Pero hay un par de problemas.
Nicolas Cage y Werner Herzog. El primero compone uno de los papeles más sobreactuados de la historia del cine. Cuesta comprender por qué fue elegido para un rol que requiere de una calidad interpretativa de la que carece por completo. El segundo es uno de los realizadores más importantes del siglo pasado, con obras que le valen un sitial dentro de los grandes del cine. Pero eso fue en el siglo pasado. Si al hecho de que cuenta con un actor desbordado y poco creible, le sumamos un relato desprolijo y escenas que bordean el ridículo narrativo, entonces debemos concluir en que el bueno de Werner necesitaba algo de dinero para financiar vaya uno a saber qué proyecto, o gustito personal, y tomó su salario sin culpa alguna.
Porque hacer un remake tiene sus riesgos y Herzog decidió correrlos. Le salió mal. Por ser servil a una seudo-estrella acabó destruyendo el sentido de la historia original justificando torpemente el accionar de un sujeto cuya naturaleza corrupta no necesitaba justificarse, sino asumirse.
No hay manera de aprobar, sino desde el esnobismo o la obsecuencia, la labor de un cineasta al borde del precipicio que, para peor, tiene a un actor dispuesto a darle un empujoncito.
Busquen "Bad Lieutenant" -1992- y disfruten del capo laboro de Harvey Keitel desde la sórdida mirada de Abel Ferrara.
Nuestra calificación: Esta película no justifica el valor de una entrada.

Invitación al paseo

Si tiene usted la fortuna de tener un amor, entonces pase el día de San Valentín junto a él en lugar de perder dos horas en un cine viendo este bodrio. Si no tiene con quien pasar el día de los enamorados, entonces aproveche el tiempo para encontrarlo.
La cuestión es que el rejunte de estrellas y estrellados que propone este filme del veterano Garry Marshall está lejos de promover el amor y sí muy cerca de provocar reacciones contrarias. Los actores lucen como si estuvieran en algún aviso de jabón y el contexto es el abominable día de San Valentín que festejan los yankis y que, aculturización mediante, se intenta imponer en estas latitudes, como sucede con el incomprensible Halloween.
Sólo para ñoños incurables que no pueden reprimirse hasta que salga en dvd.

La decimoquinta es la vencida

Con orden y dedicación la mujer dispone una mesa para diez personas. Se adivina algún tipo de celebración. La misma mujer se encarga de dejar notas donde indica la forma en que debe servirse la comida. Todo es mostrado en detalle por la directora mexicana Mariana Chenillo quien nos cuenta como una señora ya mayor organiza la comida familiar para el pessaj que se celebrará una vez que ella esté muerta. Porque Nora ya intentó quitarse la vida otras veces pero ahora tendrá éxito y aún después de muerta buscará que las cosas se hagan a su gusto, para disgusto de su ex marido.
Los pormenores de la trama deberán ser descubiertos por el espectador que será testigo de las internas familiares y la burocracia religiosa; todo contado con sutileza y fino humor, sin apuro, con maestría de parte de la realizadora.
Es destacable la dirección actoral de un elenco en el que se destaca la labor de Enrique Arreola, a quien vimos en la excelente "Temporada de Patos", en el rol de Moisés y del experimentado Fernano Luján como el displicente "viudo".
La trama oscila entre lo tragicómico y lo melancólico sin perder jamás el rumbo, mérito atribuible a un guión sólido y una dirección acertada.

Un pelotazo en contra

Nikki es apuesto, ganador y se sabe todos los trucos para conquistar mujeres ricas. Las seduce sin tomarse demasiado trabajo, y una vez instalado en sus vidas aprovecha y se deja manetener un tiempo. El muchacho no trabaja, es un gigoló sin demasiado estilo y nada sofisticado, pero por ahora la jugarreta le viene saliendo bien. Hasta que se topa con la horma de sus zapatos. Su igual versión femenina, sabedora de buenos trucos también, pero con una ventaja: es mujer.
La historia transcurre en Los Ángeles, sin demasiado vuelo y menos originalidad el director David Mackenzie ofrece un filme pagado de lugares comunes y, lo que es peor, muy parecido a "Alfie", en cualquiera de sus dos versiones, pero sin el encanto ni de Michael Caine ni de Jude Law, y mucho menos con la profundidad que torpemente el realizador intenta conseguir, sin éxito.
Caprichosa y forzadamente el personaje pasa de buenas a malas, y sin escalas ofrece su costado más patético y moralizante.
Algunos desnudos, escenas de sexo despasionadas y panorámicas de una ciudad espantosa como Los Ángeles no ayudan al resultado final.

A comundo que se acaba el ger

Con solemnidad la trama nos acerca a la fecha cúlmine, aquella en la que el planeta colapsará a consecuencia de la acción solar. Las capas terrestres comienzan a ceder, la tierra se abre, cambia su eje, las aguas borran continentes del mapa y en medio de todo esto el director nos hace prestar atención a la sombría existencia de un mediocre escritor divorciado que se gana la vida manejando una limusina.
Tiene dos hijos pequeños el tipo en cuestión, una ex mujer que lo mira como si no entendiera todavía que le vió y ella una nueva pareja de los más superficial y melindroso. Juntos esquivarán grietas en el suelo, bolas incandecentes caídas del cielo, edificios derrumbándose, mareas gigantescas, y todo a bordo de un limusina, una combi, una avioneta y hasta un avión de carga ruso.
Como corresponde a toda película catástrofe que se precie de tal, primero se presentan a los personajes que formarán parte de la aventura. Entre ellos están los que sobrevivirán y los que no. Pero están delineados tan superficialmente que no generan empatía alguna con el espectador y lo mismo da si se mueren o viven.
El director pone todo en las más de dos horas y media que dura el filme. Terremotos, barcos, aviones, tsunamis; todo lo que se ha visto en el género está acá. Sólo faltan ataques de insectos y cartón lleno.
El problema es que el guión falla en el hilo conductor al presentar a un protagonista tan increíble en su accionar, con situaciones por demás inverosímiles aún dentro de la propuesta. La película acaba siendo un chicle demasiado masticado y sin gusto, de esos que dan ganas de escupirlos hasta con bronca. Claro que los efectos son muy buenos, es muy destacable la labor de los artistas digitales, pero sólo pasan a ser postales animadas sin mayor trascendencia al no estar sostenidas por un buen guión.

Cuando el vampiro no está...

Ante todo, si tiene algún interés en ver este filme primero debe mirar "Crepúsculo". Se hace indispensable la visión de la primera película de la saga para ppder ver esta segunda entrega. Una vez cumplido ese trámite podrá adentrarse al universo de Bella y su inmortal amado Edward.
La continuidad espacial y temporal respecto a la primera entrega se respeta desde el inicio cuando vemos a la protagonista en su colegio con sus compañeros y a punto de festejar su cumpleaños número dieciocho con la familia de su novio. Pero no todo sale bien y días después Edward le comunica a Bella una decisión que pondrá a la joven ante una situación decisiva y reveladora.
El vampiro enamorado se aleja y el amigo de la infancia de Bella, Jacob, se convierte en su inseparable compañía y paño de lágrimas. Sin embargo, el muchacho también tiene un secreto reservado para la jovencita, que confirmará que lo suyo no son las parejas normales.
Si se tiene en cuenta que el filme está basado en un best seller, que no es precisamente una joya de la literatura, se puede entonces aceptar que los diálogos, abundantes, sean de una profundidad inexistente aunque dichos con una seriedad y solemnidad subrayada por la morosidad que el director le imprime al relato.
Y es que el ritmo quedó para unas pocas escenas suficientes para evitar el inminente sopor que cada espectador evaluará de acuerdo a su límite de tolerancia. La saga está presentada, quedan dos libros más por adaptar, y según parece el cuarto podría convertirse en otra trilogía cinematográfica. De manera que Bella estará en pantalla por un tiempo más, también su histeria y una relación por demás asexuada que hasta ahora mantiene a raya las hormonas adolescentes de quienes son los principales consumidores de este producto.

Bienvenidos a Terrorlandia

Es difícil mantener la mirada ante la pantalla desde las primeras escenas. Con ritmo vertiginoso se muestra en detalle la sangre y las automutilaciones de las dos primeras víctimas de Jigsaw. Sí, el muñeco maldito sigue haciendo de las suyas aún cuando su creador está muerto. La trama continúa desde donde la anterior finalizó y los flashbacks para explicar el por qué de lo que acontece en este nuevo filme son abundantes.
La primera entrega de esta saga es todavía insuperable, pero vale decir que en este sexto episodio encajan varias piezas que en el anterior apenas se esbozaban y es de los más entretenidos hasta ahora. De todas formas el sentido de estas entregas apenas se justifican en la presentación de nuevos juegos, cada vez más sádicos y morbosos, y en la completitud de la historia de John/Jigsaw, sus motivaciones y deseos.
En esta ocasión la emprende contra los responsables de dar seguros médicos, tema por demás sensible en la sociedad estadounidense que todavía espera que la clase política haga algo al respecto, y en cambio deben contentarse con la ficcional venganza que el asesino serial emprende.
Mucha sangre y tripas, poco destacable desde lo artístico, sólo para seguidores del genero y morbosos curiosos. Y por supuesto, continuará...